Cours de Musique à Monaco Cours de Musique à Monaco

  • 0 Nos formules de cours pour garder le niveau en musique pendant les vacances d'été ...

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    À l’arrivée des vacances scolaires, la routine des enfants se voit bouleversée : pour leur plus grand bonheur, vos chères têtes blondes ne doivent plus se lever chaque matin pour rejoindre l’école… Mais d’autres activités s’arrêtent : ceux qui participent à un club sportif doivent attendre septembre pour reprendre les entraînements et, généralement, il en va de même pour les cours de musique. Pour autant, la pratique d’un instrument demande une véritable assiduité, surtout lorsque l’on débute. Comment s’organiser pour que votre enfant, pendant les deux mois d’été, ne perde pas la main ? Existe-t-il même des moyens afin qu’il progresse avant la rentrée ? Nos conseils?! Bien entendu, ces conseils ne sont pas destinés qu’aux enfants et débutants…     La pratique de la musique est comme un sport Il est important de ne pas arrêter la pratique de son instrument pendant une longue période, votre enfant risquerait de perdre en souplesse et l’entretien des muscles qui servent à jouer est essentiel. Les musiciens, diront certains, ont la « mémoire du toucher », une longue période d’inactivité musicale pourrait faire perdre à votre enfant la maîtrise de son instrument. Garder ses repères sur son instrument, la tonicité dans les doigts, la notion des notes et du rythme… autant de choses qui permettront de ne pas perdre tous les acquis de notre musicien débutant, afin de ne pas se retrouver presque au point de départ après ces deux longs mois d’été. Et pourquoi pas lire notre livre blanc cet été, pour ne rien oublier et rester motivé(e) même pendant les vacances ! N'oubliez pas non plus d'inciter votre enfant à revoir les bases de son instrument : positions des doigts, exercices simples, se remémorer les conseils reçus lors des premiers cours et chercher des conseils via de nouvelles sources. Car sinon, les doigts risquent d’être engourdis et maladroits, et la lecture des notes risque de ne pas être aussi fluide et rapide qu’avant l’été.     Organiser un stage musical Peut être y avez-vous déjà pensé pour vous ou pour vos enfants. La réalisation d’un stage musical ou d’un MasterClass, que l’on pratique du piano, du chant, de la guitare , de la batterie, du saxophone ou tout autre instrument est souvent l’occasion de bien des surprises et des changements tant dans sa pratique musicale que dans la manière de l’aborder. La rencontre d’autres musiciens La rencontre d’autres musiciens est aussi l’occasion d’imprégnation et de modélisation. Ce sont les modèles qui nous permettent de grandir y compris dans la musique. Ce processus commence déjà tout jeune lorsque les enfants ou même les adolescents s’imaginent à la place de musiciens connus.       Une session de cours 'Grandes Vacances' Continuer à suivre des cours sur une base hebdomadaire sera sans doute le plus efficace. Cette formule permet de continuer l'étude de la musique tout au long des vacances avec la possibilité de déplacer les cours en cas d'absence ou d'empêchement. Après tout... ce sont les vacances !       Poursuivre l’éveil musical Tous les parents n’ont pas les moyens de payer un nouveau professeur en été, d’acheter un instrument simple à transporter dans les valises ou d’inscrire les enfants en stage de vacances. Heureusement, il existe aussi des méthodes qui maintiennent les jeunes en éveil sur le plan artistique, sans dépenser ne serait-ce qu’un centime?! Écoutez un maximum de musique à la maison, partagez vos découvertes avec les enfants, interrogez-les sur les différents instruments existants ou montrez-leur des tutoriels à leur portée, que l’on peut facilement trouver sur YouTube. De cette façon, la musique ne sera jamais loin et, en septembre, ils n’auront aucune difficulté à reprendre le rythme des cours de musique. Et s’ils n’ont pas été aussi assidus pendant les vacances qu’au cours de l’année scolaire, faites-leur reprendre les bonnes habitudes avant la rentrée. Pour cela, faites-les commencer à travailler lentement et à un tempo lent, qu’ils augmenteront de manière progressive. Faites-leur faire quelques exercices d’assouplissement des doigts et travailler les morceaux de musique qu’ils préfèrent.   Pour plus de lecture cet été :  téléchargez notre e-book pour tout savoir sur la musique  !  

  • 0 Cours en présentiel : quelle formule choisir ? ...

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    Il n'est pas si évident de choisir la bonne formule pour suivre les cours de musique. Outre nos cours en ligne, nos cours en présentiel sont répartis en deux catégories principales : les cours collectifs et les cours particuliers. Cet article va vous permettre d'y voir plus clair !   L'ENSEIGNEMENT EN COURS COLLECTIF Le principe est simple. Un programme de travail spécifique est donné à chaque élève selon ses capacités et son niveau. Grâce à l'utilisation d'outils multimédia performants, nos cours collectifs sont individualisés selon le niveau précis et les progrès de chaque élève. Ainsi chaque élève apprend et progresse à son propre rythme indépendamment des autres participants. Le professeur suit les progrès de chaque élève, comme dans une classe d'école classique pour écouter l'élève et lui apporter toutes les recommandations utiles. D'autre part, le cadre d'un cours collectif permet l'interaction entre plusieurs élèves à certains moments. La rencontre d’autres musiciens est aussi l’occasion d’imprégnation et de modélisation. Ce sont les modèles qui nous permettent de grandir y compris dans la musique. La réussite d'un tel enseignement repose avant tout sur son coût de revient relativement bas qui le rend accessible au plus grand nombre.     L'ENSEIGNEMENT EN COURS PARTICULIER L'enseignement en cours particulier est à ce jour la meilleure façon de conduire l'apprentissage de la musique. Ce type d'enseignement offre tellement d'avantages que l'on oublie souvent ses inconvénients… Si, contrairement au cours en collectif, le cours individuel autorise une meilleure écoute (au sens propre, comme au sens figuré) et une 'construction musicale' plus efficace, son principal inconvénient est d'être limité par son champ d'action. En effet, le jeu en groupe est impossible ou alors réduit à son strict minimum : le professeur et son élève.     QUAND L'ENSEIGNEMENT SE PRATIQUE AU 'CAS PAR CAS' Dans ce type d'enseignement, l'élève n'est conduit ni par une méthode obligatoire, ni par un enseignement collectif et encore moins par un professeur dirigiste. Les cours sont généralement d'une heure, voire plus. L'écoute est privilégiée et des tests sont programmés. De là, émergent des pistes pédagogiques qui sont ensuite conduites et amplifiées par l'enseignant. La réussite de chaque plan de travail dépend de ses compétences, mais aussi des idées qui peuvent surgir lors des cours. L'approche pédagogique est donc sensiblement différente du cours particulier 'classique', car aucun programme n'est mis en place par avance. Dans l'enseignement au 'cas par cas', la pratique instrumentale peut être remise en question à tout moment pour rebondir dans une autre direction. Les tests pratiqués déterminent le profil général de l'élève : test auditif, mémorisation, créativité, aptitude morphologique, etc. L'échafaudage de plusieurs plans de travail est parfois nécessaire avant de trouver celui qui convient. Cet enseignement demande un surcroît d'énergie, mais également une bonne dose de concentration pour être mené à bien. Des connaissances en psychologie sont souvent nécessaires. Généralement, une approche pédagogique au 'cas par cas' coûte financièrement plus cher et se justifie par des compétences pédagogiques et un investissement humain plus important. Cette solution garantit de meilleurs résultats. Si l'élève possède de la motivation, les échecs sont très rares, car il est toujours possible de rebondir avant que le signal d'alarme ne retentisse.     EN CONCLUSION Dans tous les cas, quelle que soit la formule de cours que vous choisirez pour vous ou votre enfant, gardez à l'esprit que LE PROFESSEUR DOIT SAVOIR OBSERVER ET ANALYSER LES COMPORTEMENTS DE L'ÉLÈVE AFIN QUE L'ENSEIGNEMENT PRATIQUÉ CONSERVE UN ÉQUILIBRE SATISFAISANT ENTRE LE PLAISIR, LES OBJECTIFS ET LA TECHNIQUE.      

  • 0 Quelles sont les qualités d'un bon professeur de musique ? ...

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    Vous avez toujours aimé la musique et vous avez récemment appris qu’elle était bénéfique pour le développement des enfants. Vous aimeriez donc que votre enfant apprenne à jouer d’un instrument, mais vous ne savez pas à qui vous adresser ! Tout le monde sait à quel point le choix du professeur est important quelle que soit la matière ! Suffit-il d’être musicien pour pouvoir enseigner la musique ? Un prodige du piano sera-t-il capable de captiver Mini-vous ? Quelles sont les qualités indispensables pour enseigner la musique aux tout-petits ? Comment savoir que celui ou celle à qui vous confierez la prunelle de vos yeux réussira à la motiver sur le long terme ? Quels sont les signes qui montrent que vous avez trouvé le bon professeur de musique ? Si vous n’avez toujours pas trouvé de réponses satisfaisantes à ces questions, lisez vite cet article !   1 – La pédagogie    Comme tout parent, vous savez pertinemment que la petite tête d’ange que vous aimez par-dessus tout n’est pas toujours très coopérative ! Il y a en réalité toutes sortes de raisons pour qu’il détourne son attention sur autre chose. Il faut alors être capable de capter à nouveau son intérêt et pour cela il faudra faire preuve de pédagogie et être capable de varier les techniques !   Avant l’âge de 3 ans, les enfants ne sont pas capables de maintenir leur attention plus de dix minutes. C’est pourquoi il faut prévoir des activités variées et penser à faire des pauses pour ne pas surcharger leur cerveau en plein développement !   Comme nous l’explique Elisabeth, professeur de piano depuis 2015, « Toutes les techniques ludiques sont à prioriser avec les enfants. Le plus difficile n’est pas forcément de capter leur attention mais de la conserver. Les petits ne sont pas capables de rester concentrés sur le même exercice et la même méthode pendant une heure de cours, c’est impossible d’attendre ça d’eux. Il faut donc varier les activités, changer toutes les dix minutes pour qu’ils assimilent, tout en s’amusant. »          2 - La patience  La pédagogie ne suffit pas pour enseigner la musique ni même aucune autre matière. En effet, il ne s’agit pas seulement d’avoir de bonnes techniques mais aussi de s’adapter aux spécificités des enfants. Si vous avez plusieurs enfants, vous avez évidemment remarqué qu’ils n’ont pas tous le même comportement, les mêmes facilités et qu’il est parfois difficile de réaliser avec l’un d’eux, ce qui est facile avec un autre. C’est tout simplement que chaque enfant est unique ! C’est donc au super professeur de musique d’adapter ses techniques d’apprentissage et pour cela il faudra que le professeur de musique fasse preuve de patience !   A partir de 6 ans, les enfants peuvent être plus attentifs mais ça ne garantit pas pour autant qu’ils seront motivés à travailler entre chaque cours ! Si ce n’est pas le cas, il serait totalement contre-productif de s’énerver, au contraire la patience est le meilleur allié d’un bon professeur de piano par exemple, d’autant plus si l’enfant n’a pas vraiment la passion pour la musique. C’est ce que nous explique Angélina, professeur de piano depuis 2018 :   « Il y a deux sortes d’élèves : ceux pour qui c’est une passion et ceux pour qui c’est un passe-temps. Souvent les premiers sont plus investis que les seconds dans les entrainements entre chaque cours. Si bien qu’avec les seconds on stagne davantage, il faut reprendre souvent les mêmes choses donc ça demande de la patience. De même, lorsque ce sont les parents qui imposent les cours à leurs enfants, il manque parfois la petite flamme et ça rend l’apprentissage plus difficile pour l’enfant. »  3 – La bienveillance   Comme pour n’importe quelle matière, les enfants (mais aussi les adultes !) apprennent mieux quand ils se sentent en confiance avec leur professeur. Savoir que l’on peut poser des questions, exprimer ses inquiétudes et ses difficultés, qu’il est normal de se tromper en période d’apprentissage, tout cela est essentiel pour progresser ! En effet, la bienveillance est la qualité principale des meilleurs professeurs de musique ! Et si certains professeurs de musique pensent qu’il faut pousser à bout leurs élèves pour viser l’excellence, comme Terence Fletcher, professeur de batterie un peu sadique dans le film Whiplash, ce n’est heureusement pas le cas des professeurs de nos écoles !   Au contraire, comme le précise Elisabeth, il est important de toujours mettre en valeur les progrès des élèves ! « Il ne faut jamais dévaloriser un enfant. Je pense qu’au contraire il faut s’adapter à leur vitesse d’apprentissage et toujours les encourager. Ça ne veut pas dire n’avoir aucun sens critique mais être dans la critique constructive. Si un élève n’a pas assez travaillé, il faut le dire bien-sûr mais trouver les bons mots. Même lorsque l’apprentissage est difficile, il faut savoir faire d’une faiblesse une force, lui dire que même s’il met du temps, il a le mérite de s’accrocher. »         4 – L’humour   Et si malgré tous les efforts, malgré la pédagogie, la patience et l’empathie, l’élève reste bloqué et n’arrive pas à progresser, est-ce vraiment définitif ? Est-ce vraiment si dramatique ? Ne dit-on pas « il vaut mieux en rire qu’en pleurer » ? Face à un élève stressé qui ne parvient pas à contourner ses difficultés et qui semble perdre confiance en lui ou qui baisse les bras, l’humour est un bon allié ! C’est en effet l’arme secrète qu’Angélina et Elisabeth utilisent lorsqu’elles se retrouvent face à des enfants dont l’apprentissage stagne et qui le vivent très mal ! N’oublions pas que les enfants sont en pleine construction sur le plan émotionnel et qu’il est très difficile pour eux de gérer leurs émotions, notamment la frustration. Cela peut vite donner lieu à des situations anxiogènes pour eux et c’est pourquoi faire preuve d’humour est une bonne idée pour les ramener à la réalité et leur permettre de réaliser que tout est passager.   Pour Angélina, s’il manque « la passion », l’apprentissage est davantage perçu comme une contrainte ce qui peut rendre les cours compliqués. Elle choisit alors de « faire des blagues pour détendre l’atmosphère » et il semble que ce soit un bon moyen de rebooster ses élèves !   Pour Elisabeth, l’humour est l’occasion d’encourager les élèves à se dépasser et à apprendre la persévérance ! « Par exemple, quand mes élèves bloquent sur un passage difficile, je leur propose de faire la règle des 3x sans faute. Ils doivent donc réussir à jouer le passage trois fois sans erreur pour pouvoir passer à autre chose. C’est pénible pour eux mais c’est aussi l’occasion de les faire rire un peu et de détendre l’atmosphère. »   5 – L’écoute  Les enfants ont besoin de se sentir en confiance et écoutés pour rester motivés. Il est tout à fait inutile de fixer des objectifs trop difficiles qui risqueraient d’associer l’apprentissage de la musique à quelque chose de négatif. Au contraire, il faut pouvoir écouter leurs limites et adapter les cours de musique à leurs capacités, et même à leurs goûts ! Un professeur de musique doit être prêt à modifier sa trajectoire s’il veut capter l’attention et l’intérêt des enfants. C’est même précisément ce qui différencie les cours particuliers de musique des cours de musique en conservatoire : c’est le programme qui s’adapte à l’élève et non l’inverse.   C’est ce que recommande Elisabeth qui enseigne le piano depuis l’âge de 17 ans : « Un bon professeur de piano doit être à l’écoute des élèves et capable d’adapter les passages trop difficiles, il doit être prêt à simplifier les partitions notamment si les élèves ont envie de jouer un morceau en particulier mais qu’ils n’ont pas le niveau. Jouer doit être un moment de plaisir avant tout. »         6 – La passion   Evidemment, parmi les meilleurs professeurs de musique, on ne trouve que des musiciens et musiciennes passionné(e)s ! Comment transmettre l’amour de la musique si l’on vient enseigner à reculons ? Impossible ! Les cours particuliers de piano ou de guitare ou de tout autre instrument sont avant tout un moment de partage entre l’élève et son professeur. Il n’est pas question de simplement communiquer une information, il y a tout un univers à faire découvrir aux enfants, une passion à faire naitre, une flamme à entretenir ! Un professeur de musique qui ne sourit pas, ne prend pas de plaisir à enseigner ne sera pas aussi captivant qu’un professeur qui amène avec lui une part d’art et de magie.   Pour Angélina, l’enseignement a toujours été un rêve qu’elle ne s’autorisait pas à concrétiser, faute de confiance en elle. C’est sa professeure de piano en conservatoire qui lui a transmis la confiance dont elle avait besoin pour se lancer et qui lui permet aujourd’hui d’aider les enfants à se réaliser à travers la musique. « Il y a tellement d’émotions qui passent par la musique, ça ouvre beaucoup de portes ! La musique me bouleverse et j’essaie de transmettre cela à mes élèves. On parle beaucoup, on échange beaucoup notamment sur les ballets, l’histoire de la musique, leurs goûts aussi. »    Pour Elisabeth, l’enseignement a été l’occasion d’apprendre très tôt à se remettre en question pour savoir comment transmettre au mieux. « Il y a un plaisir incontestable dans l’enseignement et c’est un plaisir partagé. Quand je sors d’un cours, je me sens toujours bien et apaisée. »  Ces deux professeurs de piano pour enfant aux trajectoires différentes, partagent la même tendresse pour le piano, la musique a toujours été, pour elles, l’occasion de se surpasser. C’est sans doute ce que l’on peut espérer de mieux d’un professeur de musique, qu’il donne à l’enfant un but, du talent, de la confiance en soi et l’envie de mettre toutes ces qualités à profit.   

  • 0 Et si vous faisiez un stage de musique ? ...

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    Et si vous faisiez un stage de musique ? Stage de weekend ou un stage musical de vacances Peut être y avez-vous déjà pensé pour vous ou pour vos enfants. La réalisation d’un stage musical ou d’un MasterClass, que l’on pratique du piano, du chant, de la guitare , de la batterie, du saxophone ou tout autre instrument est souvent l’occasion de bien des surprises et des changements tant dans sa pratique musicale que dans la manière de l’aborder. Il est possible de démarrer par des stages musicaux de weekends puis de profiter des ses vacances pour se fondre un peu plus au milieu d’autres musiciens. Une autre pratique musicale pour des progrès techniques Lorsque vous travaillez votre instrument de musique principalement chez vous, seul dans votre coin, et sur le lieu ou vous prenez des cours de musique la routine s’installe souvent. Toujours les mêmes temps de pratique, les mêmes habitudes quand ce n’est pas les mêmes erreurs. Peut-être avez-vous déjà fait l’expérience de ce que peut produire le changement de cadre et de contexte. Il est propice à la découverte de nouvelles compétences. Changer le contexte et une belle manière de lâcher prise, de se découvrir autrement et de se laisser surprendre par ce dont nous sommes capables. La diversité des approches pédagogiques pour apprendre à jouer Rencontrer d’autres professeurs est aussi l’occasion d’approcher la musique différemment avec une autre philosophie, de nouvelles techniques instrumentales. Par ailleurs, d’un enseignant à l’autre les méthodes pédagogiques peuvent varier : écoute, explications, conseils, démonstrations, métaphores….Certains sauront vous rejoindre par la méthode qui vous convient le mieux là ou d’autres n’ont pas réussi. Une seule rencontre peut être l’occasion d’importants progrès dans l’approche de la musique et le travail qu’elle demande au musicien. La rencontre d’autres musiciens La rencontre d’autres musiciens est aussi l’occasion d’imprégnation et de modélisation. Ce sont les modèles qui nous permettent de grandir y compris dans la musique. Ce processus commence déjà tout jeune lorsque les enfants ou même les adolescents s’imaginent à la place de musiciens connus. Par ailleurs les stages sont l’occasion de découvrir d’autres instruments, parfois de s’y essayer voire de s’y mettre un jour. En stage de musique : relier pratique instrumental et plaisir Outre les échanges de passionnés entre musiciens, la plupart des séjours ou des stages de musique prévoient une partie de travail d’ensemble ou d’orchestre. Ces temps sont l’occasion d’une cohésion de groupe, d’un plaisir collectif partagé. Un concert final permet généralement de partager aussi ce plaisir avec un public. De plus en plus de séjours de vacances musicales sont intègre une partie de gestion de projet avec création d’un groupe de rock par exemple et un concert final. L’ensemble du processus de valorisation du projet contribue à la reconnaissance et au plaisir des stagiaires. Enfin qu’il s’agisse de stages, de MasterClass ou de séjours, diverses activités culturelles ou sportives y sont souvent proposées en parallèle. L’autonomisation des plus jeunes dans le travail musical L’âge n’est pas un critère de participation à un stage de musique. Il est vrai que l’on retrouve dans les stages des guitaristes amateurs à la retraite, de jeunes violonistes ou violoncellistes ou encore des pianistes de tout âge,…. Les stages sont souvent l’occasion de disposer de temps de travail seul entre les différents cours. Pour les plus jeunes, la limite temporelle imposée par l’audition ou le concert du dernier jour, leur fixe un objectif et les place face à leur responsabilité. La relation parentale, pas toujours simple dans l’apprentissage de la musique, est moins sollicitée, face à la nécessité de produire un résultat technique et musical. La participation à un stage de musique peut permettre à un enfant de s’approprier pleinement sa pratique instrumentale. La reconnaissance attendue des enseignants et/ou des spectateurs peut aussi devenir une importante source de motivation.   

  • 0 Transposer rapidement des accords au piano ...

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    La transposition d'accords au piano est bien plus facile qu'il n'y parait. Nul besoin d'avoir des connaissances étendues en solfège ou de maitriser toutes les gammes sur le bout des doigts. Avec quelques notions basiques de la théorie pianistique, vous pourrez rapidement ajuster la tonalité de vos morceaux sans avoir besoin de vous plonger dans un traité de 500 pages. Que vous jouiez en groupe, que vous accompagniez des chanteurs ou que vous pianotiez pour votre simple plaisir, apprenez facilement à transposer les accords de tous vos morceaux favoris.     C'est quoi la transposition d'accords ? Lorsque vous jouez un morceau constitué d'accords, pour accompagner un chanteur par exemple, vous vous appuyez sur ce qui s'appelle une grille d'accords. Celle-ci comprend les différents accords qui composent le morceau, dans l'ordre dans lequel ils apparaissent. Entre le refrain, le couplet, l'introduction et les ponts, vous constaterez que le nombre d'accords différents joués au piano reste assez limité : il peut y en avoir 3, 4, 5 voire 6 ou 7 avec des variantes. Ils donnent la couleur du morceau et enrichissent la mélodie. Transposer les accords revient à augmenter ou diminuer la tonalité globale du morceau, donc celle de chaque accord présent. C'est un exercice particulièrement utile dans certains cas : le morceau est trop aigu ou trop grave pour le chanteur; d'autres instruments intervenant dans la musique sont limités par la tonalité originale; la tonalité souhaitée correspond mieux à l'ambiance recherchée dans la reprise; les accords sont trop difficiles à jouer dans la version originale. Prenons comme exemple la chanson "Autre Monde" de Téléphone, dont les accords du couplets sont Ré, Sim et F#m. Transposée en Do, elle se joue avec les accords de Do, Lam et Mim, qui sont bien sûr plus faciles à jouer puisqu'ils ne contiennent ni dièses ni bémols. Cela permet aussi de baisser la hauteur de la chanson d'un ton, afin de l'adapter à une voix plus grave.     Comment passer d'une tonalité à une autre ? Voici les étapes à suivre pour changer la tonalité d'un morceau ou d'une suite d'accords sans se tromper. D'abord, vous devez connaitre le nombre de demi-tons qui séparent chaque note. Sur le piano, c'est assez simple à observer. Chaque touche, qu'elle soit blanche ou noire, est séparée de sa suivante par un demi-ton. Il y a donc un demi-ton entre le Do et le Do#, entre le Mi et le Fa ou entre le Sol et le Sol#. En revanche, il y a un ton entier -soit deux demi-tons- entre le Do et le Ré, le Fa et le Sol ou le La et le Si. Prenez la tonalité de base, et comptez le nombre de demi-tons nécessaires à ajouter ou enlever pour atteindre la tonalité souhaitée. Si vous passez d'un morceau en Sol à un morceau en Do, il faut rajouter 2 tons et demi. Si vous passez d'un morceau en Fa à un morceau en La, vous en rajouterez 2, et ainsi de suite. Pour chaque accord du morceau, ôtez ou ajoutez le nombre de tons et demi-tons correspondant. Vous obtenez ainsi votre nouvelle grille d'accords très rapidement !     Si l'exercice vous semble fastidieux, demandez conseil à votre professeur de cours particulier de piano. Il saura vous enseigner plus clairement le lien entre les tons et les touches du piano.     Que faire avec les accords mineurs, septièmes, diminués, etc ? Bonne nouvelle, toutes les indications qui accompagnent les accords sont à retranscrire telles quelles. Un Do7 devient un Sol7, un Lam devient un Fam, un Sibadd9 devient un Labadd9. La difficulté réside ensuite dans le fait de trouver à quelles notes correspondent les nouveaux accords au piano. La technique des degrés pour transposer au piano Réservée aux pianistes qui ont de bonnes notions de solfège, la technique de transposition qui utilise les degrés demande de bien connaitre tous les accords et les gammes. Elle permet cependant une transposition rapide et efficace vers toutes les tonalités existantes. Le morceau que vous voulez transposer est écrit dans une tonalité originale qui correspond au premier degré. Pour un exemple facile, imaginez que ce degré soit le Do. Les accords utilisés dans le morceau se basent sur les degrés suivants de la gamme de Do. Vous pouvez donc retrouver un Sol, un Fa, un Mi ou un La. Dans cet exemple, la suite d'accord sera la suivante : Do, Sol, Fa, Sol. Ces notes représentent les degrés suivants de la gamme de Do : 1, 5, 4, 5. Grâce à ce schéma, vous pouvez alors déterminer une tonalité de base, quelle qu'elle soit, et trouver les accords correspondants avec les degrés. Si vous choisissez la gamme de Fa, vous obtiendrez alors : Fa (premier degré); Do (cinquième degré); Sib (quatrième degré); Do (cinquième degré). C'est un moyen idéal de jongler avec les tonalités au piano sans avoir besoin de retranscrire par écrit les accords : il vous suffit de connaitre la suite de degrés pour pouvoir la jouer dans toutes les tonalités.

  • 0 Le recrutement de nos professeurs ...

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      Nos chargés de recrutement partagent avec les professeurs une même passion : l'enseignement de la musique. Leur métier est de recruter les meilleurs enseignants. Musiciens accomplis, ils comprennent les attentes de nos élèves et sont les mieux placés pour juger des qualités de chaque candidat. Les étapes de notre recrutement Nous exigeons de nos professeurs un excellent niveau musical, une expérience de l'enseignement de plusieurs années, un professionnalisme sans faille. Pour chaque candidature reçue, un chargé de recrutement contacte le professeur : il évalue sa formation et son expérience de l'enseignement ; c'est aussi l'occasion d'exposer nos règles de fonctionnement : ces règles doivent être acceptées par chacun. Le candidat est ensuite reçu en "session de recrutement". Lors de ces sessions, nous testons chaque professeur par des mises en situation pédagogiques. Nous analysons son discours, nous évaluons ses outils et ses méthodes, nous vérifions son expérience. Le chargé de recrutement rédige un rapport précis sur chaque candidat. Les professeurs répondant à tous nos critères musicaux, pédagogiques et de professionnalisme sont alors intégrés à notre équipe.       Nos garanties Nous demandons à chaque professeur une copie de ses diplômes Nous procédons aux vérifications administratives et nous lui demandons un extrait de casier judiciaire Le professeur signe une « Charte Qualité » qui l'engage sur son professionnalisme Nous évaluons régulièrement chaque enseignant, notamment grâce aux remarques de ses élèves    

  • 0 Comment tenir un médiator et l'utiliser pour bien jouer ? ...

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    Petit triangle semi-rigide qui se perd à tout bout de champ, le médiator rend pourtant bien des services aux guitaristes en herbe comme aux plus confirmés. En plus de soulager les doigts, il apporte plus de puissance à la musique et permet un jeu rythmique élaboré et précis. L'utilisation du médiator est enseignée quasi systématiquement, car il est essentiel de prendre de bonnes habitudes en guitare dès les premiers cours.             Petite histoire du médiator en guitare Le médiator, autrement appelé plectre ou encore pick par les fabricants, fait son apparition quelques milliers d'années avant notre ère. Vers 1500 av. J.-C., une chanteuse égyptienne du nom de Har-Mose s'accompagnait de ce qui semble être la première version d'une guitare ancestrale. Cet instrument doté de trois cordes reliées à un manche fit très vite fureur et se propagea jusqu'en Europe. À son cou s'accrochait un cordon au bout duquel pendait le plectre, qui servait à pincer les cordes. Impossible de le perdre, de cette façon ! À partir du Moyen-Âge, le médiator est largement utilisé par les joueurs de luth, un instrument proche de la guitare dont il est parfois dit qu'il en serait le précurseur. Le plectre peut se présenter sous la forme d'un morceau de plastique, de bois, de métal, voire même d'un objet du quotidien à l'instar du guitariste de Queen qui jouait avec... une pièce de monnaie. Aujourd'hui, la majorité des grandes marques de guitare proposent des médiators personnalisés avec le portrait de stars musiciennes, des logos graphiques, ou encore des pin-up légèrement vêtues. Avec l'habitude, le guitariste développe une préférence pour un genre de plectre, allant jusqu'à en faire son accessoire fétiche. Les grandes stars de la guitare ont leurs petites manies.         Les techniques de guitare avec médiator Si vous pensez que les techniques de guitare avec et sans médiator sont les mêmes, vous avez tort... et raison. Fondamentalement, le plectre remplace les doigts et devrait se substituer à ces derniers, et inversement. Sauf que les doigts sont, en théorie, au nombre de cinq. Impossible de les remplacer par un seul accessoire. La technique utilisant exclusivement les doigts s'appelle le picking, et ne peut pas se transposer réellement avec un plectre. Il est possible de jouer avec le médiator et les autres doigts libres de la main, mais un déséquilibre se produira entre les différentes sonorités. Voici les techniques que vous pouvez utiliser si vous jouez avec un médiator. L'aller-retour au médiator (ou alternate picking) C'est la méthode la plus utilisée. Elle permet d'acquérir une précision dans le jeu tout en gardant une attaque puissante des cordes.La main repose sur le chevalet de la caisse de la guitare (à l'endroit où se rejoignent toutes les cordes). Avec le poignet, pratiquez un mouvement vers le bas en pinçant une corde, puis vers le haut sur la même corde, et ainsi de suite. Vous pouvez ensuite déplacer le médiator sur les cordes suivantes en respectant l'alternance aller/retour, ou jouer sur la même corde en produisant différentes notes grâce aux doigts de la main située sur le manche. Le jeu directionnel avec un plectre En gardant la même position que dans la technique précédente, vous allez enchaîner les cordes dans l'ordre en attaquant par exemple par le haut sur l'aller, puis par le bas sur le retour. Ceci permet d'éviter de devoir pratiquer systématiquement des allers-retours lorsque les cordes se suivent. Jouer une rythmique au médiator Cette fois, vous devrez faire sonner plusieurs cordes en même temps afin d'obtenir des accords. Donnez un grand coup avec le médiator sur toutes les cordes de l'accord. Cette façon de jouer permet de créer une infinité de rythmiques différentes en alternant des coups vers le bas, vers le haut, en étouffant les cordes avec la main droite entre chaque coup de médiator, etc.           Comment choisir son médiator ? De nombreux critères entrent en jeu si vous voulez choisir le médiator le plus adapté à votre style, à savoir : Sa taille, qui varie entre 2 et 5 cm Son épaisseur généralement quantifiée par l'adjectif Thin (0,4 mm), Medium (0,7 mm) ou Heavy (1,5 mm) Le matériau qui le compose : bois, plastique, métal pour les plus usuels, mais aussi os, écaille de reptile, corne animale, etc. La taille se définira en fonction de vos préférences et de la grandeur de vos mains. L'épaisseur est le critère primordial, car il joue à la fois sur le ressenti du musicien et sur le rendu sonore. Plus le médiator est fin, plus il glissera facilement sur les cordes et produira un son doux. En revanche, les médiators plus épais apporteront un volume sonore important, mais tiendront également mieux dans les doigts. Pour choisir un médiator dans le bon matériau, tenez compte de vos préférences. C'est aussi un conseil qui prévaut dans le choix de tous vos accessoires de guitare. Le bois offre un son plus chaleureux, tandis que le métal "claque" sur les cordes avec un son clair. Le plastique reste une valeur universelle, avec le désavantage de glisser sous l'effet de la transpiration (d'où les pertes fréquentes de ce petit ustensile...) et de se détériorer plus rapidement. Quel médiator pour une guitare classique ? Les plectres sont rarement utilisés en guitare classique, qui privilégie plutôt la fluidité des doigts et la douceur des sonorités. C'est pourtant un outil idéal pour les rythmiques ou pour apporter de la puissance en l'absence de micro. Les médiators les plus fins, de type Thin, conviennent bien à cet usage. Quel médiator pour une guitare folk ? Les médiators pour guitare folk peuvent être de taille Thin ou Medium en accompagnement, car les cordes en acier possèdent déjà une bonne résonance et risquent de couvrir la voix du chanteur. Pour des morceaux uniquement à la guitare, choisissez le modèle de plectre que vous voulez en fonction des effets souhaités. Quel médiator pour une guitare électrique ? Un solo clinquant qui allie vitesse et précision des notes ne saurait se passer d'un bon médiator Heavy. La dureté et l'épaisseur de l'accessoire rendent l'attaque plus incisive. Pour le métal ou le rock, privilégiez les médiators en inox ou laiton par exemple. Un morceau de jazz ou de blues se satisfera mieux d'un plectre en bois, surtout sur les guitares Hollow Body dont le sustain ressortira à merveille. Suivez le lien pour plus de renseignements sur la façon de jouer du blues. Comment tenir son médiator ? Droitier ou gaucher, c'est votre main dominante qui va tenir le médiator pendant le jeu, à savoir la main qui gratte les cordes. Saisissez le plectre entre votre pouce et votre index, en le maintenant solidement sans perdre de souplesse dans vos mouvements. S'il y a un creux prévu pour le pouce, placez-le à cet endroit. Sinon, vous pouvez avancer vos doigts jusqu'au milieu du médiator au maximum, de façon à ce que la partie libre puisse encore se plier. La façon de tenir le médiator dépend également de chaque musicien. Certains l’aplatissent entre leurs doigts, d'autres arrondissent le pouce et l'index en fermant le poing. Ce n'est qu'à l'usage que vous découvrirez votre propre préférence. Apprendre à utiliser un médiator n'est qu'une infime partie de la pratique instrumentale. Les techniques utilisées en guitare sont nombreuses et parfois difficiles à expérimenter seul. Connaissez-vous nos cours de guitare ? Des professeurs compétents dispensent des cours particuliers à des élèves motivés pour apprendre rapidement à jouer leurs morceaux préférés. Horaires flexibles, leçons adaptées à chaque niveau, notions clairement expliquées, correction des postures, mais aussi entretien de la régularité et de la motivation : autant d'atouts qui vous pousseront à vous dépasser dans votre pratique grâce aux cours.      

  • 0 10 bonnes raisons de répéter son instrument de musique au moins 20 minutes par jour ...

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    Piano ou clavier, guitare classique ou électrique, chant, percussions, jouer d’un instrument de musique ou apprendre à chanter demande du travail et de la rigueur. C’est la première précision qu’un professeur apporte à son élève lorsqu’il vient se renseigner sur des cours de musique. Et si cet apprentissage quotidien était vu comme un moment totalement bénéfique et gratifiant plutôt que comme une corvée ? Voici dix bonnes raisons de vous motiver et de jouer de la musique chaque jour.        1 - Jouer chaque jour pour entraîner ses mains Les instruments de musique de toutes les familles (à corde, à vent, percussions, etc) demandent à votre corps, et particulièrement à vos mains des mouvements bien particuliers. Qu’il s’agisse de placer correctement ses doigts sur des touches, des boutons ou des cordes, c’est en vous exerçant souvent que vous maîtriserez vraiment leur position. 2 - Des exercices quotidiens pour habituer son cerveau La majorité des instruments comme le piano, demande une véritable dissociation des deux mains et cette étape complexe ne peut s’effectuer qu’en travaillant régulièrement la technique grâce à des petits exercices à enchaîner.     3 - Apprendre le solfège et la rythmique En pratiquant chaque jour et en regardant vos partitions, vous vous familiariserez avec les notes et les rythmes. Vous apprendrez à déchiffrer petit à petit des partitions en un seul coup d’œil, comme le font les professionnels et vous pourrez en être fier ! 4 - Visualiser les progrès accomplis Jouer de votre instrument au quotidien va vous permettre de mesurer très rapidement l’ampleur de vos progrès, non seulement au cours de ces 20 minutes mais aussi et surtout au fil des jours. Enregistrez-vous le lundi, puis le samedi suivant et vous entendrez combien votre jeu pour un même morceau est déjà différent et bien meilleur de jours en jours. Prendre conscience de ses progrès en musique comme dans les autres aspects de sa vie est un moteur qui nous pousser à aller encore plus loin ! 5 – Dépasser le niveau moyen des autres élèves Malgré les conseils, les élèves, quelques soient leur âge, ne sont que très peu à consacrer rigoureusement un peu de leur temps à la pratique musicale quotidienne. Si vous parvenez à vous y tenir, vous dépasserez en quelques mois le niveau moyen des autres élèves, de votre niveau ou même vos amis et vous impressionnerez votre professeur particulier !      6 - Pouvoir passer plus vite à la vitesse supérieure Jouer chaque jour de son instrument, c’est mettre toutes les chances de son côté de progresser plus vite. Bien sûr, ces 20 minutes sont un minimum, libre à vous de répéter vos gammes, vos accords ou vos arpèges bien plus longtemps encore. C’est en vous exerçant souvent, parfois sur des exercices longs et rébarbatifs, que vous assimilerez mieux et que vous parviendrez bientôt à jouer le morceau de vos rêves. Et n’oubliez pas, plus vous pratiquerez le piano, le chant, la guitare ou tout autre instrument, plus vous aurez envie de le faire ! 7 - S’offrir un instant rien qu’à soi Dans nos vies bien trop chargées, s’octroyer 20 minutes de pause musicale, c’est déjà apprendre à s’accorder un peu de temps pour soi, pour son travail personnel mais aussi pour son plaisir. C’est un créneau de bloqué et défini que vous ne dédierez pas au ménage, au rangement, ou à regarder la télé, mais aux touches, aux cordes et aux notes. 8 - Inclure la musique et ses bienfaits dans son quotidien Les bénéfices de la musique sont nombreux et plusieurs études scientifiques le démontrent chaque année. La musique permet un meilleur développement du cerveau, de la concentration mais aussi de la coordination et de la créativité. 9 - Stimuler son oreille musicale et sa culture C’est en entendant et en jouant de la musique que l’on apprend à dissocier les notes, les tons, les rythmes et les différents instruments. Jouer d’un instrument, c’est entraîner son oreille musicale et inévitablement développer sa culture de l’histoire de la musique. 10 – Donner envie à votre entourage d’en faire de même En jouant chaque jour au moins vingt minutes de votre instrument de musique et en ne vous en cachant pas, vous ferez comprendre à votre entourage que la musique est libératrice, belle et enrichissante, et peut-être qu’eux aussi auront envie d’apprendre. Le meilleur témoignage qui soit !     

  • 0 Comment travailler le passage du pouce en piano ? ...

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    Avec l’arrivée de morceaux plus complexes, initiés par Bach (1685-1750) et Mozart (1756-1791), la pratique du piano a connu une spectaculaire évolution : le passage du pouce par pivot. Jusqu’ici non utilisé, le pouce vient désormais se glisser sous le majeur ouvrant des perspectives nouvelles – que ce soit en termes de rythme que de liaisons entre les notes.     Étape 1 : « Faire ses gammes » Le développement de la gamme au piano – qui compte plus de cinq notes – rend obligatoire l’utilisation du passage du pouce. Visuellement, cette suite de notes fait progresser les mains sur le clavier dans un même mouvement : soit elles montent, soit elles descendent. Pour s’exercer à cette technique, la gamme se divise en 2 parties égales : la mini-gamme et la maxi-gamme.   Exercice pour la mini-gamme La mini-gamme est composée de 2 tétracordes, soit 2 groupes de 4 notes qui se suivent : d’un côté Do-Ré-Mi-Fa effectué avec la main droite et de l’autre, Sol-La-Si-Do réalisé avec la main gauche. Pour travailler le passage du pouce, il faut enchaîner un aller, un retour et un autre aller : dans cet exercice, le majeur (3) pivote et pouce (1) passe en dessous. Main droite       Main gauche       Exercice pour la maxi-gamme Si la mini-gamme assure une bonne gymnastique des doigts, la maxi-gamme – à savoir, la seconde partie de la gamme ne prévoit aucun passage de pouce. Il suffit donc de réaliser, avec la main droite, le tétracorde supérieur (Sol-La-Si-Do), en allant de l’index à l’auriculaire. Avec la main gauche, il s’agira de faire le tétracorde inférieur (Do-Ré-Mi-Fa), en allant de l’auriculaire à l’index.   Exercice sur la gamme de Do Majeur Main gauche Pour cet exercice, dans la gamme montante, la main gauche sera amenée à passer le majeur au-dessus du pouce pour obtenir le La. Évidemment, dans la phase descente, le mouvement sera inversé : le pouce ira au-dessus du majeur pour obtenir le Sol.       Main droite Ici, le passage du pouce se fera entre le Mi (majeur) et le Fa (pouce)…           Étape 2 : faire la gamme en mouvement contraire La gamme en mouvement contraire propose un doigté identique sur la main gauche et sur la droite. Visuellement, sur le clavier, lorsqu’une main monte, l’autre descend et le mouvement de pivot se fait systématiquement sur le majeur, noté 3.       Étape 3 : faire la gamme en mouvement parallèle La difficulté sur cet exercice est de coordonner un passage du pouce décalé entre la main gauche et la main droite. Pour s’entraîner, il est tout à fait possible de découper la gamme pour réaliser le tétracorde inférieur, avec le passage du pouce sur la main droite jusqu’à sa maîtrise ; puis, réaliser le tétracorde supérieur, avec, cette fois, le passage du pouce sur la main gauche. Une fois ces étapes maîtrisées, il ne reste plus qu’à enchaîner l’ensemble pour faire la gamme entière :     Étape 4 : faire la gamme de Do sur 2 octaves Jusqu’ici le passage du pouce se faisait sur le majeur. Avec la gamme de Do sur 2 octaves, il se fait alternativement sur le majeur et sur l’annulaire. À noter que l’exécution de cette technique est toujours plus délicate après le 4e doigt qu’après le 3e du fait que l’étirement sous la main est plus prononcé.     L’apprentissage et la maîtrise du passage du pouce sont incontournables au piano. Mais au-delà de la gymnastique induite, il faut tenir compte de la différence de sonorités associées. En effet, l’attaque de la touche n’est pas la même lorsqu’il s’agit du pouce ou de l’auriculaire. Il s’agit donc, pour le musicien, d’intégrer cette dynamique dans son jeu : à certains moments, il pourra naturellement l’accentuer pour des morceaux plus rock ou jazzy au piano, tandis qu’à d’autres, il devra travailler sa précision pour offrir un jeu fluide et naturel. Si cette technique au piano reste compliqué à appréhender pour vous, sachez que nos professeurs de piano sont disponibles pour vous aider à vous améliorer dans la pratique du piano, quelque soit votre niveau.      

  • 0 Premiers cours de musique : comment préparer son enfant ? ...

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    Votre enfant s’apprête à suivre ses premiers cours de musique : vous ne savez pas encore à quel point il peut « accrocher » ni même si cela va vraiment lui plaire. Comment l'armer pour cette grande première ? Pour éviter les crises de panique et la sensation de découragement face aux difficultés du début, respectez ces quelques astuces qui vous aideront à préparer votre enfant en toute sérénité.     Jusqu’à 5 ou 6 ans, misez sur l’éveil musical On conseille rarement aux parents d’inscrire leurs enfants à des cours avant 6 ans : on considère qu’il s’agit du minimum requis pour être capable de comprendre les premières consignes, de les suivre de façon disciplinée et de vraiment progresser sur un instrument. Cela ne signifie pas qu’avant 6 ans, votre enfant doit totalement ignorer que la musique existe, bien au contraire?!     Dès son plus jeune âge, votre bébé peut jouer avec des objets spécialement élaborés pour lui, produisant des sons variés en fonction du bouton sur lequel on appuie, par exemple. Petit à petit, il découvrira le champ des possibles, tout en associant la musique à quelque chose de ludique et plaisant. De nombreuses autres méthodes éveillent à la musique : la ronde avec les copains de maternelle, les danses en rythme, l’écoute de sons apaisants pendant la sieste, les comptines, etc.     Permettre à votre enfant de découvrir l’instrument pour créer une envie Il n’est pas simple d’imposer un instrument : à 6 ou 7 ans,  votre enfant suivra naturellement vos consignes et se rendra à sa leçon si vous l’y avez inscrit. Toutefois, la démarche sera beaucoup plus intéressante si elle provient de sa propre volonté. Pour générer une envie d’apprendre, plusieurs méthodes existent. Si les grands frères, grandes sœurs ou parents jouent déjà beaucoup, le petit dernier risque de s’exprimer à un moment donné, d’affirmer qu’il veut lui aussi s'initier : dans ce contexte, la vocation viendra tout naturellement.     En revanche, si vous n’avez personne pour encourager l’enfant, faites-le entrer dans des magasins d'instruments, rendez-vous à des réunions d’information dans les écoles de musique. Ainsi, très jeune, votre enfant pourra toucher les guitares et autres pianos, voir des personnes en jouer. S’il manifeste de l’intérêt, entretenez cette envie jusqu’à ce qu’il soit en âge de prendre des leçons?!      Rester patient et commencer les cours au bon moment  Si votre enfant brûle d’impatience à l’idée de commencer le violon, le piano ou la guitare, votre rôle peut aussi être de tempérer ses espoirs. En effet, lorsque l’on débute trop tôt, on manque de discipline et l’on parvient difficilement à se plier aux contraintes propres à l’apprentissage de la musique. Finalement, le jeune émerveillé par la musique pourrait rapidement s’en dégoûter, estimant qu’elle est trop difficile d’accès.     Il faut donc s’assurer que votre enfant soit assez mature pour commencer la musique, comprendre que ce n’est pas forcément facile, qu’il doit s’acharner un peu puis progresser. Car il ne faut pas l’oublier, même si l'art est toujours source de plaisir, il demande beaucoup de temps pour être apprivoisé  et il faut généralement plusieurs années avant d’avoir une aisance suffisante pour jouer ses morceaux préférés.     Quelques mois avant le premier cours de musique, préparez bien votre enfant : assistez à toutes les réunions d’information qui peuvent être utiles, déplacez-vous dans un magasin de musique qui permettra de tester plusieurs instruments, écoutez des chansons à la maison et dialoguez. Répondez simplement aux questions, insistez sur l'épanouissement lié à la pratique d’un instrument, sans omettre de lui rappeler qu’au début, cela sera probablement difficile — mais qu’il sera d’autant plus satisfait plus tard s’il réussit à s’accrocher?!      

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