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0 Quel instrument de musique choisir pour mon enfant ? ...
Quel instrument choisir pour mon enfant ou mon ado ? Quel est l’instrument le plus facile ? Est-il possible de prendre des cours de chant pour enfants ? Votre enfant a le rythme dans la peau. Il chantonne, il danse, il a toujours un air dans la tête… C’est le moment pour lui de prendre des cours de musique. Mais entre la guitare, le chant, le violon ou le piano, quel instrument choisir ? Quel est l’instrument de musique qui lui convient ?Aider mon enfant à choisir son instrument Le premier critère à prendre en compte, c’est bien sûr son envie. S’il rêve de guitare électrique, inutile de lui proposer de prendre des cours de violoncelle. Croyez-en notre expérience, ça ne marche pas, quel que soit l’âge de votre enfant. Commencez par en discuter avec lui, il a peut-être des idées très arrêtées mais n’ose pas vous en parler.Si vous avez des ados, un critère important sera ce que jouent ses amis. Il aura peut-être envie de jouer du piano pour faire « comme les autres » ou de prendre des cours de basse pour compléter un groupe de rock. Là encore, montrez-vous à l’écoute.Votre enfant ne connait certainement pas tous les instruments de musique. Beaucoup d’enfants choisissent de prendre des cours de piano ou de guitare, simplement parce qu’ils ne connaissent pas d’autres instruments. Votre rôle est donc de lui faire découvrir un vaste panel d’instruments de musique à sa portée, sans idée préconçue. Nombre d’enfants ont le « coup de foudre » pour des instruments rares et en font une véritable passion.Si votre enfant n’a pas d’idée pour son instrument, parlez avec lui de ses envies : quels sont ses goûts ? Quelles sont ses idoles ? Si c’est un rocker dans l’âme, des cours de guitare ou de basse lui feront certainement plaisir. S’il adore les musiques de film, peut-être qu’apprendre le piano lui plairait… Prenez aussi en compte son caractère : s’il est persévérant, le violon est un choix judicieux, il trouvera cela très gratifiant. S’il a besoin de se défouler, la batterie lui permettra de s’exprimer ; s’il est soigneux avec ses affaires, proposez-lui un instrument à vent comme la clarinette ou la flûte traversière dont l’entretien peut être un véritable plaisir.Notre astuce : emmenez votre enfant dans un magasin de musique « généraliste ». Il pourra voir et même essayer plusieurs instruments et faire un choix plus éclairé !Dans tous les cas, il est important que le choix vienne de lui. C’est très important car cela va conditionner sa motivation pour ses cours de musique à venir. C’est une excellente occasion de lui apprendre aussi à faire un choix en toute autonomie et de s’engager sur un projet dont vous aurez parlé ensemble. Un choix également pratique…Bien sûr, dans vos discussions avec votre enfant, vous devez prendre en compte les aspects pratiques.D’abord, le budget… Clairement, si votre enfant souhaite apprendre le piano, cela ne vous reviendra pas au même prix que l’harmonica ! Parmi les instruments pas chers, la guitare est généralement plébiscitée par les enfants, les adolescents… et leurs parents. Un instrument d’étude de bonne qualité ne dépassera pas les 150 à 200€. Les instruments classiques sont généralement plus chers, un violon coûte plusieurs centaines d’euros.La location est généralement une alternative peu onéreuse. Par exemple comptez une quinzaine d’euros par mois pour un violon, une trentaine pour un piano. Quand votre enfant sera prêt, vous pourrez lui offrir son propre instrument.Autre critère à prendre en compte, la place : évidemment il n’est pas toujours facile de caser une batterie entière dans un appartement citadin, surtout que, dans un coin de votre tête, vous vous demandez si votre chère tête blonde va rester motivée très longtemps...Les parents se tournent aujourd’hui vers des instruments numériques (pianos, batteries etc…) car ils sont généralement moins chers, et ils prennent moins de place. Autre avantage : votre enfant pourra jouer au casque, vos voisins vous remercieront !N’hésitez pas à parler de ces contraintes à votre enfant, quel que soit son âge. Là encore, c’est l’occasion pour lui de faire un choix réfléchi, un choix adulte. Quel est l’instrument le plus facile à apprendre ?Evidemment, tous les instruments présentent des facilités et des difficultés. Par exemple, le piano permet de jouer très rapidement sans avoir une excellente oreille ; les cours de piano porteront plutôt sur la coordination entre les mains. Pour la guitare, votre enfant saura très vite jouer ses premiers accords ; en revanche il est possible que ses doigts soient un peu douloureux les deux ou 3 premières semaines.On entend souvent que le violon est l’instrument le plus difficile. C’est un instrument qui demande de la persévérance au début mais où les progrès sont aussi très spectaculaires ! Les cours de violon sont très gratifiants.Dans tous les cas, l’instrument le plus facile… c’est celui que votre enfant aura lui-même choisi et pour lequel il sera réellement motivé sur le long terme. Les instruments les plus adaptés pour les enfantsLe choix de l’instrument pour votre enfant dépend bien évidemment de son âge. Certains instruments sont plus adaptés pour les tout-petits.Avant 6 ans, le piano et le violon sont des choix possibles, car il n’y a pas de contraintes physiques. Les cours de piano sont très bénéfiques dès le plus jeune âge car c’est un instrument qui permet aux enfants de visualiser les notes très facilement et donc d’appréhender la musique dans sa globalité. Apprendre le violon lui permettra de développer son oreille musicale.Au contraire, c’est encore un peu tôt pour prendre des cours de guitare : ses doigts sont encore trop souples et les cordes lui feront mal. On commence généralement la guitare vers 7 ou 8 ans : il vous faudra alors choisir un instrument adapté à sa taille.Pour tous les instruments à vent : saxophone, clarinette, flûte traversière… on se base sur les dents : il faut que votre enfant ait toutes ses dents définitives ! Il doit aussi avoir suffisamment de souffle pour pouvoir jouer des morceaux entiers.Certains instruments imposent par leur taille et on hésite à les proposer à nos enfants : c’est le cas du violoncelle et de la contrebasse par exemple. Mais là encore, renseignez-vous dans un magasin de musique : il existe des instruments de plus petite taille pour que les jeunes passionnés puissent commencer la musique dès le plus jeune âge…Si vous avez un enfant âgé de moins de 5 ans, l’éveil musical peut être un choix judicieux : il commencera à s’initier à la musique par des jeux corporels et sonores. Les instruments les plus adaptés pour des adolescentsA l’adolescence, on n’a plus de contrainte physique donc tous les instruments sont à la portée de votre ado.Les adolescents plébiscitent généralement les instruments plutôt orientés rock ou variété. Bien souvent, les ados veulent faire partie d’un groupe de musique. Vous serez peut-être surpris que votre enfant vienne soudainement vous demander des cours de basse : c’est probablement qu’il manque un bassiste parmi ses amis.Il n’est pas rare que les adolescents veuillent changer d’instrument. Il a passé des années à travailler ses cours de violon ou ses leçons de clarinette ? C’est du passé ! Aujourd’hui il ne jure plus que par la batterie ou la guitare.Encore une fois, montrez-vous à l’écoute de ses envies… Même si ses goûts sont opposés aux vôtres ! il n’y a pas de style qui ne soit pas formateur et qui n’ouvre pas de réelles perspectives à votre ado.Une question que se posent souvent les parents d’adolescents : doit-on commencer par la guitare acoustique avant de faire de la guitare électrique ? Il est parfaitement possible de commencer par une guitare électrique : c’est le même instrument, la guitare électrique est juste amplifiée, et les cordes sont plus raides donc il peut avoir un peu mal aux doigts au début. Si votre ado ne rêve que de hard rock, inutile de lui imposer des cours de guitare classique. Cela le démotivera à coup sûr. Peut-on apprendre le chant dès l’enfance ?Si votre enfant n’est pas particulièrement attiré par un instrument, peut-être sera-t-il séduit par des cours de chant. Il est possible d’apprendre à chanter dès son plus jeune âge, mais l’apprentissage ne se fait pas du tout comme pour un adulte. La voix d’un enfant est plutôt aigüe, et sa tessiture (c’est-à-dire l’ensemble des notes qu’il est capable de chanter) n’est pas très étendue. A l’adolescence, le professeur devra aussi prendre en compte la période délicate de la mue (et oui, les jeunes filles muent aussi !).Mais les cours de chant sont bénéfiques sur bien des points : votre enfant apprend à utiliser sa voix au mieux, il apprend à respirer correctement, à prendre conscience de son corps, à se relaxer ou développer son oreille… Il suffit de trouver le professeur adapté.
0 Idée reçue n°6 : Je n’ai jamais joué de musique de ma vie, je n’y arriverai jamais ! ...
Non, il n’est pas nécessaire de commencer la musique dès le plus jeune âge pour devenir musicien. Nous savons bien que l’apprentissage de la musique nécessite travail et régularité, mais nous savons aussi qu’il est possible à tout âge, et quel que soit notre expérience dans la pratique, de pouvoir apprendre la musique.D’ailleurs, dans n’importe quelle discipline que nous apprenons au cours de nos vies, nous commençons tous au même niveau : celui de débutant.C’est le professeur qui ensuite va adapter le contenu de son cours et sa pédagogie aux caractéristiques de l’élève : âge, expérience en pratique musicale et en solfège…Depuis 10 ans, nous mettons en relation des élèves et des professeurs et nous savons qu’il existe une pédagogie adaptée pour tout élève qui veut apprendre la musique ! C’est d’ailleurs le cœur de notre métier.Notre approche pédagogique est orientée au maximum sur la pratique de l’instrument et le plaisir dans l’apprentissage. Nous travaillons principalement avec des débutants et nous savons que le fait de beaucoup pratiquer son instrument et aborder des morceaux rapidement est un réel facteur de progrès dans l’apprentissage.Pour apprendre à votre rythme, et de manière ludique.Lancez-vous ! Vous pourriez vous épater vous-même.
0 Comment choisir votre batterie électronique ? ...
Parmi les nombreux atouts de la batterie électronique, son principal avantage est d’offrir une alternative satisfaisante contre le bruit, même si celui des frappes sur les pads demeure toujours. Légère, elle prend également beaucoup moins de place qu’une batterie acoustique, tout en ayant un entretien bien plus simple (pas d’usure au niveau des baguettes ou des peaux). Désormais convaincu(e) de son achat, quels éléments faut-il bien regarder pour choisir une batterie électronique adaptée à son utilisation ?Quelle utilisation en aurez-vous ? Pour l’apprentissage de la batterie, un modèle électronique peut permettre de s’entraîner plus facilement, sans que cela se fasse au détriment des oreilles de l’entourage du musicien. Mais il faut savoir que son prix est – à produit équivalent – plus élevé qu’une batterie acoustique. Dans un premier temps, il est donc impératif de faire mettre en perspective votre budget par rapport à votre utilisation : s’agit-il d’un hobby ? D’un modèle pour apprendre ? D’un bon produit destiné à la revente après usage ? D’une batterie électronique au plus proche d’une batterie acoustique ? Etc.En fonction de la réponse, il est alors possible de s’orienter vers un instrument :Entrée de gamme : Les « premiers prix », accessibles autour de 250 à 450 €, ne peuvent évidemment pas prétendre à des finitions et une solidité exceptionnelles. Pire, certaines peuvent présenter des défauts qui peuvent être à l’origine de mauvaises habitudes de jeu. Mais ces batteries peuvent s’avérer pertinentes pour les débutants ou pour les musiciens souhaitant limiter leur utilisation à une activité de loisir.Milieu de gammeAccessibles à partir de 500 €, ces modèles s’adressent plus particulièrement aux batteurs en quête d’un instrument en complément de celui qu’ils utilisent avec leur professeur particulier de batterie. Ces produits jouissent d’une meilleure jouabilité, de finitions plus travaillées et de possibilités plus grandes – que ce soit en termes de « kits » de son et d’accessoires.Haut de gammeLes batteries électroniques appartenant à la gamme experte sont accessibles à partir de 1000 € : leur touché s’apparente à celui des modèles acoustiques et leur modulé permet d’agir sur tous les paramètres (tensions des peaux, brillances, etc.). Quels éléments regarder sur une batterie électronique ?Les 3 éléments clés d’une batterie électronique à considérer avant tout achat sont :Le module de sonIl est impératif de pouvoir gérer les différents sons transmis à l’ampli ou au casque. L’idéal étant de configurer la profondeur des fûts ou le type de peaux, afin de pouvoir modifier le son et jouer différents styles de musique. Pour tendre vers un son le plus réaliste possible, la qualité du module est essentielle : retranscrit-il correctement l’intensité des frappes ? Sait-il différencier les types de frappes (sur le bord ou le dessus) d’un même élément ? Etc.La cymbale de charleston Il est absolument essentiel que la cymbale du charleston ne soit pas un simple pad comme les autres : elle doit ressembler à une vraie cymbale !La grosse caisse et plus spécifiquement sa pédaleLa grosse caisse doit pouvoir disposer d’une vraie pédale pour que l’apprentissage du musicien puisse plus facilement se retranscrire sur une batterie acoustique. Plus précisément, le mécanisme doit bien prévoir qu’une batte vienne frapper le pad. Quels matériaux privilégier ?La qualité du matériau utilisé pour les pads est un point essentiel qui distingue une bonne batterie électronique d’une mauvaise :La peau maillée est l’apanage des modèles haut de gammeLe silicone est souvent privilégié pour les modèles milieu de gammeLe caoutchouc, très répandu, est souvent sur les produits d’entrée de gamme.Attention, le caractère bruyant (son de frappe) et désagréable des pads est directement lié au matériau utilisé. En résumé, pour choisir une bonne batterie électronique, il faut savoir adapter son budget à son usage, regarder de plus près le module, le charleston et la pédale de la grosse caisse, avant de tester l’instrument pour éprouver la qualité des matériaux et du module !
0 Pourquoi motiver son enfant pour apprendre le piano ? ...
Les activités extra-scolaires telles que le piano peuvent devenir des facteurs déterminants dans le développement de votre enfant. Des études scientifiques ont maintes fois prouvé que les leçons de musique dès le plus jeune âge renforcent les capacités cérébrales et l’intelligence. Les enfants musiciens sont moins enclins à l’anxiété ou à la dépression une fois adultes. Cela améliore même leur créativité et les aide à mieux exprimer leurs sentiments.Alors, si vous hésitez encore à motiver votre enfant à faire du piano, voici quelques pistes pour vous aider à vous décider ! Apprendre le piano pour renforcer sa mémoireLes instruments de musique comme le piano contribuent au développement neurologique, au renforcement de la mémoire et des capacités d’apprentissage. La structure rythmique et les notes du piano augmentent leur potentiel d’apprentissage en les aidant à comprendre des concepts abstraits. Entraîner leur oreille pour apprendre de nouveaux morceaux améliore aussi considérablement la capacité des enfants à retenir des informations.Pour développer ses capacités motrices et sa coordinationOutre la connaissance des notes, jouer du piano implique de pratiquer doigtés et positions de mains. Cela aide les enfants à améliorer leur coordination et leur posture. De plus, les cours de musique sont très efficaces pour calmer les enfants hyperactifs en leur permettant de canaliser leur énergie de manière positive.Pour qu’il s’améliore en mathsQui eût cru que la musique pouvait donner la bosse des maths ? Car oui, comprendre le rythme et la structure des morceaux peut aider les enfants à comprendre des concepts mathématiques, comme les fractions par exemple. Cela leur permet de renforcer leur capacité de raisonnement, en les aidant à reconnaître des motifs. Des études ont également montré que la musique peut aider les enfants à progresser dans d’autres matières comme la physiques ou les langues.Découvrez également nos 9 bonnes raisons de choisir le piano pour commencer l'apprentissage de la musique.Pour mieux comprendre le monde qui l’entoureLa musique n’est pas simplement une suite de notes. Comprendre comment un morceau est construit peut permettre à votre enfant de développer sa créativité, de mieux s’exprimer. Cela permet aussi d’ouvrir leurs esprits à des concepts et des idées très différentes, de quoi avoir les moyens de réfléchir hors de la boîte. Pour améliorer sa confiance en luiLa musique est connue pour avoir une influence positive sur les gens et particulièrement sur les enfants. Une pratique régulière mettant en valeur ses progrès peut faire des miracles sur la confiance en lui. Les critiques constructives de la part de ses professeurs l’aideront à avancer et à se construire de manière positive, lui permettant plus tard de savoir se remettre en question.Prendre des cours de piano pour développer ses compétences socialesC’est bien connu, la musique rapproche les gens quelles que soient leurs cultures et leurs différences. En prenant des cours de musique ou en jouant dans des groupes votre enfant rencontrera et interagira avec d’autres enfants, élargissant ainsi ses horizons et lui permettant de se créer de nouvelles amitiés.Pour le déstresserLe piano inculque un sens de la discipline aux enfants en leur apprenant le goût de l’effort et la patience. De plus, les cours de musique sont amusants et permettent de se détendre après la pression de l’école, ils permettent de se changer les idées. Alors, encouragez vos enfants à jouer des morceaux qui leur plaisent !Le mot de la finVous n’avez pas besoin d’un passif musical pour aider vos enfants dans leurs leçons. Des encouragements et du soutien sont suffisants pour leur donner la confiance et l’envie de s’améliorer. Voici quelques petits conseils :Impliquez-vous dans leurs entraînementsParlez avec leur professeur pour savoir où en sont leurs progrèsAccompagnez vos enfants à leurs coursAyez des livres d’exercices pour pratiquer à la maisonEt surtout encouragez les efforts et les réussites de votre petit musicien ! Dans le même thème : Comment se passe un premier cours de piano ? / Quel instrument choisir pour mon enfant ?
0 Le solfège est-il indispensable pour jouer de la guitare ? ...
Vous voulez vous lancer dans la guitare mais le solfège vous rebute ? Rassurez-vous, vous êtes loin d’être seul : cette interrogation concerne bien des aspirants musiciens. Apprendre à jouer de la guitare se fait différemment avec ou sans solfège, et la finalité est différente elle aussi. Le solfège présente de nombreux intérêts, mais il n’est pas question de dire qu’il est obligatoire. Connaître le solfège n’est pas une norme dans le monde de la musique. Dans bien des cultures, le solfège n’a pas lieu d’être et tout se fait à l’oreille. Depuis des siècles, des musiciens partout à travers le monde apprennent à jouer ainsi sans même se poser la question du solfège, ce qui ne les empêche pas d’exceller… A force d’écouter, de reproduire, de jouer avec les autres, d’essayer des choses, il est possible d’acquérir le bagage nécessaire pour devenir un guitariste accompli.Si vous décidez d’apprendre à jouer de la guitare sans étudier le solfège en parallèle, vous serez probablement plus vite en mesure de vous faire plaisir en reprenant vos morceaux préférés. En effet, en vous concentrant uniquement sur le jeu, votre progression technique sera logiquement plus rapide. Ne pas connaître le solfège n’est pas un obstacle à la virtuosité, il est d’ailleurs tout à fait possible d’être un incroyable technicien sans même connaître le nom des notes jouées. Apprendre la guitare sans solfègeS’il est un instrument que l’on peut apprendre sans passer par la case solfège, c’est bien la guitare. Les guitaristes dénoués de connaissances théoriques sont nombreux, certains ont même révolutionné l’instrument comme Jimi Hendrix ou Django Reinhardt.Cette facilité découle des tablatures qui permettent de remplacer les partitions. Plutôt que d’indiquer les notes, les tablatures montrent le numéro des cases où positionner les doigts sur le manche ainsi que les cordes à faire vibrer. Ce système permet à n’importe qui de savoir comment jouer n’importe quelle musique sans la moindre connaissance. Exemple de tablatureLes tablatures présentent tout de même un gros point faible : le rythme y est rarement indiqué. Elles permettent donc de savoir les notes qui composent une musique mais pas comment les faire sonner. Or en musique, le rythme est ce qu’il y a de plus important. Beaucoup de débutants en guitare n’ont pas conscience du son qu’ils produisent parce qu’ils sont trop concentrés sur leur manche, ce qui peut entraîner des erreurs de rythme. Pour acquérir le sens du rythme sans solfège, il faut accorder une importance particulière à l’écoute, par exemple en jouant par-dessus la musique que vous reprenez ou en vous enregistrant. Jouer à l’aide d’un métronome est aussi une très bonne habitude pour garder le rythme.Pour ceux qui ont l’intention de jouer de la guitare sans solfège, il est fortement recommandé de se procurer Guitar Pro (ou son équivalent gratuit TuxGuitar). Il s’agit d’un logiciel d’édition et de lecture de partitions et tablatures (que vous pourrez télécharger sur des sites comme Ultimate Guitar) avec lequel vous pourrez apprendre un morceau tout en écoutant la tablature jouer toute seule. En général, tous les instruments du groupe ont été programmés par l’auteur du fichier, afin de pouvoir visualiser la musique dans son ensemble. Par ailleurs, Guitar Pro convertissant tout en tablatures, vous pourrez facilement rejouer à la guitare la partie de n’importe quel instrument. L'apport du solfège dans la pratique instrumentaleLorsque vous aurez acquis un certain niveau de pratique, vous allez probablement regretter de manquer de connaissances théoriques. En effet, être un bon guitariste implique bien plus que de maîtriser techniquement son instrument, et vous aurez sans doute besoin du solfège pour cela. Tout d’abord parce que les partitions sont un formidable outil de communication. Grâce à elles, des musiciens peuvent jouer ensemble en un clin d’œil, et en rythme. La musique est le seul langage universel, c’est pourquoi le parler vous offrira la chance de pouvoir jouer quasi-instantanément avec n’importe qui.Ensuite, parce que cela vous permettra de comprendre comment la musique a été écrite, comment elle est structurée, en bref, comment elle fonctionne. Vous saurez quel accord utiliser pour résoudre une phrase, ou au contraire comment apporter une tension… grâce au solfège, il est beaucoup plus facile de savoir quoi jouer pour procurer une sensation précise. De nombreuses règles régissent la musique et lorsque vous les maîtriserez, vos possibilités seront infiniment plus grandes et vous n’aurez plus qu’à donner libre cours à votre créativité. Vous avez sans doute entendu parler des gammes (ex : gamme de do majeur = do ré mi fa sol la si) : la plupart des guitaristes s’en servent pour improviser. Avec elles, il est possible de savoir quelles sont les notes utilisables en fonction du contexte harmonique, afin d’être toujours juste et d’adapter votre improvisation au reste de la musique. Plus vos connaissances seront grandes et plus votre jeu sera varié et complexe. Certaines personnes parviennent à être très créatives sans pour autant connaître ces gammes, mais elles sont rares et très douées, ou alors ont passé énormément de temps sur leur guitare. Pour les autres, le risque est de tourner en rond à rejouer inlassablement les mêmes plans. Pour résumer, il est tout à fait envisageable de jouer de la guitare sans faire de solfège, mais les limites seront plus vite atteintes. Exception faite de personnes dotées d’un talent certain, le solfège est le meilleur moyen de devenir un véritable musicien capable d’improviser, de composer, de s’adapter en fonction des situations plutôt qu’un simple joueur dont les compétences se limitent à la reproduction. Cela dit, vous avez tout le temps de vous mettre au solfège et vous pouvez très bien vous en passer dans un premier temps.
0 6 conseils pour chanter du jazz ...
Il n’est pas indispensable d’avoir une tessiture ou une technique extraordinaire pour chanter du jazz, et c'est important de le savoir, surtout si vous n’en avez jamais interprété auparavant. Chanter des standards de jazz, c’est avant tout explorer les sonorités de votre voix et apprendre comment apporter votre touche personnelle à un morceau. Et le meilleur moyen de commencer, c'est de vous immerger dans la musique des plus grands chanteurs de jazz comme par exemple : Billie Holiday, Ella Fitgerald chez les femmes ou bien Louis Armstrong ou Tony Benett chez ces messieurs. Une fois que vous aurez trouvé votre inspiration, voici 6 conseils pour apprendre le jazz ! 1- Le microphone : un rôle importantL’évolution du jazz chanté doit beaucoup au développement des microphones. Les micros de meilleure qualité ont permis beaucoup plus de subtilités vocales comme le chuchotement par exemple. À mesure que vous vous progressez, vous devriez vous habituer à entendre votre voix amplifiée et à jouer avec. Il est également très intéressant de vous enregistrer pour essayer de vous détacher de l'empreinte vocale des artistes qui vous inspirent, et ainsi vous focaliser sur votre voix et vous rendre compte de ce qu’il vous faut améliorer pour devenir meilleur. 2- Un bon livre de chantLorsque vous achetez un livre pour pratiquer le chant, assurez-vous qu’il contienne quelques grands classiques du répertoire jazz américain, par exemple des chansons de Cole Porter ou George Gershwin entre autres. Vous pourrez choisir entre des partitions écrites à partir d’un accompagnement au piano ou bien des partitions pour le chant seulement. La deuxième option est généralement privilégiée car elle laisse plus de libertés dans le choix de l’accompagnement musical. 3- Trouvez votre style de voix et votre tonalitéPour apprendre n’importe quelle chanson, trouver la tonalité et la tessiture dans laquelle vous êtes à l’aise pour chanter est indispensable. Pour cela, essayez différents registres puis utilisez un piano ou une guitare pour savoir dans quelle tonalité vous chantez. Petit conseil : votre tonalité ne correspond peut-être pas à la note que vous avez chantée en premier ! Il est important de connaître votre tonalité car lorsque vous serez accompagné d'un groupe, cela leur permettra de leur indiquer le ton dans lequel vous chantez et d'adapter leur jeu. 4- Bien connaître les paroles des chansonsPour progresser, entraînez-vous en apprenant les paroles et la mélodie d’un standard bien connu. Commencez par les paroles et essayez de les mémoriser à la manière d’un poème. Puis, passez à la mélodie, que vous chanterez en utilisant des « la-la-la » ou en ne disant que les voyelles afin de mettre en valeur les nuances de votre voix et de bien articuler. Cela fait, ajoutez les paroles sur la mélodie et chantez-les jusqu’à être aussi à l’aise que si vous l’aviez composée vous-même. 5- Maîtriser les changements de rythmes et le tempoL'un des plaisirs d'interpréter du jazz c'est la liberté de se détacher du rythme d’une chanson pour y apporter de l’intensité. Pour s’entraîner avec les changements de rythme, prenez une chanson et lâchez un peu le timing de chaque phrase. Essayez de raccourcir ou rallonger différentes notes quand vous chantez une phrase et porter une attention particulière à la manière dont le changement de rythme affecte l’emphase de certains mots : cela vous aidera à apporter votre touche personnelle au morceau.6- Le swingPour bien interpréter un morceau de jazz, il est indispensable de savoir swinguer. Pour cela, commencez par faire ressortir les contretemps dans tout ce que vous chantez. Vous pouvez au départ claquer des doigts sur les contretemps puis au fur et à mesure marquez-les avec votre voix ! Dans le même thème : Nos techniques de chant / Nos cours de chant
0 10 astuces pour améliorer votre technique au piano ...
Nous avons tous assisté à des concerts où un artiste nous éblouit avec une technique qu’il nous semble humainement impossible d’égaler. Un phénomène qui a marqué les performances musicales à travers l’histoire est une anecdote datant de 1783, Johann Matthias Gesner décrit l’habileté de Bach comme provoquant "un effet que peu d’Orphée et moins de vingt Arions peuvent prétendre égaler. "Si la technique de ces deux grands compositeurs peut sembler totalement hors de portée, il est toutefois possible d’améliorer son propre jeu au piano et de s'en rapprocher un peu plus !La technique est-elle indispensable pour jouer du piano ? Cette question est fréquente, en particulier chez les débutant en piano ou bien parmi ceux qui hésitent encore à se lancer. De même que pour le solfège, cette inquiétude est récurrente dans la pratique de presque tous les instruments de musique.Les musiciens du dix-huitième siècle nous ont appris que la musique doit avoir « quelque chose à dire » et que la technique ou « bonne exécution », est le meilleur moyen pour y arriver. Bien que la fortepiano (le piano du dix-huitième siècle) ait un toucher plus léger, plus rapide et plus sensible, c’est au piano moderne qu’est attribuée l’approche technique de la composition. Avec quelques astuces, vos chances de devenir un véritable virtuose seront accrues ! 1. Le maintienL’opinion générale concernant le corps au repos est intemporelle : les mains doivent reposer tranquillement vers le milieu du clavier, à une distance appropriée des touches, et un banc réglé à une hauteur confortable pour faciliter les mouvements. Les descriptions de Mozart et Beethoven encouragent cette posture. Quant à Türk, il nous a mis inlassablement en garde contre les expressions faciales exagérées, comme les grimaces ou les grognements. 2. La gestuelle La plupart des concepts musicaux se développent au travers de petits mouvements (la plupart du temps délimités par des groupes de 2 à 4 notes liées ensemble) qui se combinent en différentes phrases musicales, des sections, jusqu’à former le morceau au grand complet. Et les gestes doivent être assortis à la musique.3. Du cou jusqu’au bout des doigtsL’avant-bras doit reposer naturellement, juste dans le prolongement du bras, et de même pour la main. Le bras supporte la main, et la main les doigts. L’avant-bras déplace la main sur les côtés. Le bras entier inclus l’épaule et est utilisé pour avancer ou reculer la main afin d’atteindre les touches supérieures, et se déplacer de façon plus large sur le clavier.4. La souplesse du poignetIl n’y a pas de bonne gestuelle sans poignet souple. Si l’on s’en tient au conseil de Beethoven, il est possible de développer la sensation « d’impulsion musicale » lorsque l’on joue des ensembles de deux notes : « l’idée est de retirer sa main tout doucement. Pour y arriver, il faut que [ la main ] soit toujours fermement placée sur la première note, puis qu’elle soit soulevée presque verticalement [ par le poignet ] lorsque la seconde note est frappée. »5. La position de la main sur le clavierLa meilleure solution est d’avoir la main précise. Et pour cela, il faudra que le bras soit le plus détendu possible, pour que la main le soit aussi, et que, par extension vos doigts soient plus assurés sur le clavier. 6. Les doigtsCe sont les doigts qui font la plus grosse partie du travail, naturellement arqués et détendus. On jouera de la même façon un ré majeur en pentacorde en se plaçant sur la partie la plus éloignée des touches noires : les doigts constamment détendus, alertes, reposant légèrement sur les touches excepté s’ils doivent s’étendre pour jouer sur une plus grande intervalle.7. Le doigtéPour la plupart des instruments, un mauvais doigté équivaut à une fausse note. Malheureusement, pour les pianistes, il est tout à fait possible de jouer juste en passant complètement à côté du message de l’oeuvre. Le doigté est explicitement lié à la musicalité et inséparable de l’interprétation. Il occupe une fonction musicale aussi importante, voire parfois plus, que l’aspect technique. Le meilleur effet musical surpasse le plus simple choix technique. Et le meilleur moyen d’y arriver, c’est de développer un meilleur doigté, mais surtout, de faire en sorte qu’il soit adapté au morceau que vous jouez. Par exemple, appliquer un toucher legato à un morceau qui comporte beaucoup de ruptures et des mouvements articulés par différentes liaisons ne sera pas du meilleur effet. 8. La cohérenceJouer de façon cohérente vous assurera d’obtenir les meilleurs résultats. Par exemple, si un mouvement est répété à un autre endroit du clavier et que le doigté reste le même, alors il s’agira de reproduire le même type de sonorité. Mais si la dynamique change, il s’agira de savoir mettre l’accent sur les bonnes notes.9. La fonction structurelleLa base, c’est la ligne de basse (ou la main gauche). C’est elle qui détermine le tempo et l’énergie rythmique, donne le timing et clarifie le rythme harmonique. Écoutez le morceau et recommencez à jouer en vous concentrant sur la ligne de basse. Vous éviterez ainsi d’être débordé par les difficultés techniques.10. La volontéAvec la volonté de développer et d’incorporer des concepts universels issus du dix-huitième siècle vous obtiendrez un style plus facile à mettre en musique, riche en nouvelles facettes et composé d’une belle énergie sonore. Les faiblesses seront révélées mais aussi magnifiées car elles ne seront plus dissimulées par une longue ligne en legato ou des cordes frappées de façon trop pesante. Toutefois, travailler sur ces petits détails vous donnera une belle opportunité d’improviser et votre technique n’en deviendra que meilleure ! Dans le même thème : Comment jouer du piano en transmettant de l'émotion ? / Les termes importants à connaître pour nuancer son jeu au piano
0 Nos conseils pour les débutants #3 : L’état d’esprit ...
Ça y est : vous avez trouvé l’instrument qu’il vous faut et vous avez décidé de vous lancer sur un rythme d’une heure de cours par semaine. Vous êtes prêt à démarrer !Cependant, si tous les éléments pratiques semblent réunis pour garantir le succès de votre jeune carrière de musicien, il nous reste un point à aborder : votre état d’esprit.La musique, précisons-le, doit rester un plaisir, et si le fait d’apprendre un instrument va vous demander des efforts et de la constance, autant le faire dans un cadre ludique et agréable.Nos professeurs le savent bien, la pression n’apporte rien dans de positif dans l’enseignement de la musique. Il est vain également de vouloir se fixer des objectifs trop élevés et d’être trop exigeant avec soi-même. Le professeur est là pour vous encourager, et garder votre motivation intacte. Ce n’est pas non plus un clown qui est simplement là pour vous divertir ou une maman pour vous rassurer, il peut savoir être ferme quand il le faut mais dans une démarche toujours positive, avec l’intention de vous faire progresser, et dans la bonne humeur.C’est justement cet enthousiasme et cette affinité avec le professeur qui vous donnera envie de travailler votre instrument, en y prenant plaisir, et d’observer naturellement les progrès arriver.Maintenant c'est bon, vous avez toutes les cartes en main : à vous de jouer !
0 15 violons parmi les plus précieux du monde ...
Aujourd’hui, presque tous les violons les plus précieux du monde sont l’œuvre de deux luthiers d’exception : Antonio Stradivari, à la renommée mondiale et le plus discret, mais non moins talentueux, Bartolomeo Giuseppe Antonio Guarneri del Gesù. Contemporains et rivaux, les deux hommes sont considérés comme les meilleurs luthiers du monde?! Ce n’est pas donc pas une grande surprise de voir leurs chefs-d’œuvre, datant de plus de 300 ans, se disputer à coup de plusieurs millions d’euros… 9 modèles d’Antonio StradivariAu fil des siècles, les Stradivarius restent, encore et toujours, symbole d’excellence. Créées par l’artiste entre 1697 et 1729, ses plus belles œuvres figurent au tableau des violons les plus précieux du monde, même si les puristes distinguent l’âge d’or de l’âge de la maturité pour certaines de ses créations…1697. Le «?Molitor?»Conçu en 1697, il appartient en tout premier lieu à Juliette Récamier (femme de lettres qui, entre le Directoire et la monarchie de Juillet, accueillait les personnages en vue de Paris), puis Molitor en 1804 (musicien) jusqu’à la Première Guerre mondiale. Depuis, il en gardera le nom, mais ne cessera de changer de mains. Depuis sa mise en enchères en 2010, le précieux objet est à Anne Akiko Meyers, remporté pour la somme de 3,6 millions de dollars.1699. Le «?Lady Tennant-Lafont?»L’histoire du Lady Tennant-Lafont débute en 1699 : le violoniste Charles Philippe Lafont en est le premier propriétaire, avant de le céder à un homme d’affaires écossais, Sir Charles Tennant en 1900. Ce dernier en fera cadeau à son épouse, violoniste amateur. En 2015, la Stradivari Society of Chicago l’achète pour 1,5 million d’euros et le prête à différents artistes.1705. Le «?Baron von der Leyen?»Ce célèbre violon doit son nom au Baron Friedrich Henrich von Friedrich von der Leyen, un marchand de textile allemand, qui en possédait déjà deux autres modèles. Là encore, il change de propriétaires, pour aboutir entre les mains d’un acheteur anonyme, en 2012, pour la somme de près de 2 millions d’euros.1709. Le «?Hammer?»Aujourd’hui, ce violon d’exception doit son nom au collectionneur suédois Christian Hammer dont il fut l’heureux propriétaire. Longtemps prêté à la violoniste japonaise Kyoko Takezawa, il a été vendu en 2006 lors d’une vente aux enchères chez Christies à New York pour la somme de 3,54 millions de dollars.1716. Le «?Messie?»Resté dans l’atelier jusqu’à la mort d’Antonio Stradivari, il est en parfait état de conservation. Détenu et exposé au musée Ashmolean d’Oxford, en Angleterre, il n’a pratiquement pas été utilisé tout au long de sa vie. Estimée à plus de 20 millions de dollars, sa valeur s’explique par son état et sa construction pendant l’âge d’or du luthier.1719. Le «?Macdonald?»Donnant son nom au baron MacDonald qui l’acheta en 1820, ce violon a été estimé au prix de 45 millions de dollars, dans le cadre d’une vente aux enchères prévue le 26 juin 2014 chez Sotheby’s à Paris. S’il est bien l’unique représentant de l’âge d’or d’Antonio Stradivari, qu’il est particulièrement bien conservé, il n’a pas trouvé acquéreur à cette occasion… 1720. Le «?Red Violin?»Pour une fois, le nom du violon n’est pas le reflet d’un propriétaire passé, mais celui de la teinte unique de l’instrument (rouge vif). Après Joseph Joachim, il disparaît des radars pendant près de 200 ans, avant de renaître entre les doigts de Lili van Mendelsshon dans les années 30. En 1990, la famille Pitcairn l’achète 902?000 livres sterling (un record, à l’époque) et le confie à Élisabeth, qui se produit toujours avec ce magnifique instrument.1721. Le «?Lady Blunt?»Ce célèbre violon doit son nom à une de ses propriétaires : la petite fille du poète britannique Lord Byron, Lady Anne Blunt. Depuis, l’instrument est passé de collectionneur en collectionneur : c’est qui explique qu’il soit en excellent état, puisqu’il est l’un des rares à posséder encore son manche d’origine. En 2008, la vente du Stradivarius le mieux préservé s’est élevée à la somme de 15,9 millions de dollars.1729. Le «?Solomon ex-Lambert?»Conçu pendant sa période de maturité, le violon doit son surnom à deux de ses propriétaires : la violoniste britannique Dorothy Mary Murray Lambert, célèbre dans les années 20 et 30, ainsi qu’un entrepreneur américain Seymour Solomon. En 2007, l’instrument s’est acheté plus de 2 millions d’euros, même s’il ne figure pas parmi les modèles créés pendant l’âge d’or d’Antonio Stradivari. 6 modèles de Guarneri del GesùGrand rival d’Antonio Stradivari, Bartolomeo Giuseppe Antonio Guarneri a vécu toute sa vie à Crémone, entre 1698 et 1744. Plus connu sous le diminutif, del Gesù, il a produit des violons de qualité équivalente aux Stradivarius, tout en leur conférant un style propre, quelque peu éloigné de ceux de la famille Guarneri : ses œuvres sont identifiables par le monogramme I.H.S qu’il a utilisé à partir de 1731.1725. Le «?Folinari?»Le Folinari est un instrument conçu à l’aube de la carrière du célèbre luthier. Cette rareté a visiblement justifié le prix de 1,8 million d’euros, déboursé par un acheteur anonyme en 2012. Sinon, l’histoire de ce violon reste un secret entre sa conception, en 1725 et sa découverte dans les années 90 en Italie.1735. Le «?Mary Portman?»Fabriqué en 1735, le violon tient son nom d’une aristocrate anglaise qui en fut la propriétaire tout au long du XXe siècle, Mary Isabel Portman. Aujourd’hui, l’instrument de Guarneri Del Gesù est estimé à 10 millions de dollars.1741. Le «?Vieuxtemps?»Surnommé «?Vieuxtemps?», ce violon est également marqué par un ancien propriétaire, le violoniste et compositeur Henry Vieuxtemps. Longtemps détenu par la maison J & A Beare, il a été acheté en janvier 2013 : si le montant n’a pas été révélé officiellement, les vendeurs ont évoqué une somme supérieure à 15,9 millions de dollars. 1741. Le «?ex-Carrodus?»Décrit comme l’un des meilleurs violons du luthier, ce violon doit son nom au violoniste Jhon Tiplady Carrodus. Comme le Lord Wilson, il est aujourd’hui détenu par le collectionneur David L Fulton pour une valeur estimée à 10 millions de dollars.1742. «?Lord Wilton?»Conçu en 1742, le violon «?Lord Wilton?» a résonné aux sons du violoniste Yehudi Menuhin, de 1978 jusqu’à son décès en 1999. Ensuite, l’instrument a été vendu à un collectionneur, David L Fulton, pour la somme de 6 millions de dollars. À noter qu’il doit son nom au musicien Seymour John, 4e Lord Wilton, l’ayant appartenu au cours du XIXème siècle.1741. Le «?ex-Kochanski?»Là encore, le nom du violon n’échappe pas à la règle de faire la mention d’anciens propriétaires, à l’image du virtuose polonais Paul Kochanski. Très bien conservé, il a longtemps appartenu à Aaron Rosand (50 ans) qui l’a revendu à un homme d’affaires russe pour la somme de 10 millions de dollars.Une mention spéciale au violon «?Dorothy DeLay?», conçu par le luthier italien Guadagnini (1711 – 1786) qui figure parmi les violons les plus précieux au monde, sans pour autant appartenir aux deux plus grands artistes de cette époque. Devant son nom à son ancienne propriétaire, la violoniste Dorothy Delay, il fut racheté en 2013, à près d’un million d’euros, à l’occasion d’une vente organisée par Tarisio.Sources : https://www.francemusique.fr/actualite-musicale/top-10-des-violons-les-plus-chers-du-monde-289https://www.guillaume-kessler.fr/les-violons-les-plus-chershttps://palomavaleva.com/les-violons-les-plus-chers-du-monde/
0 Comment réussir son solo à la guitare ? ...
Vous faites partie d’un groupe et on vous a confié la dure mission de réaliser un solo de guitare ? Vous êtes chanteur est vous souhaitez réaliser un pont musical qui en jette dans votre morceau ? Mieux vaut prendre quelques informations avant de vous lancer pour être sûr d’offrir le meilleur à votre public. Voici quelques notions à bien retenir pour réussir son solo de guitare et améliorer votre jeu ! Bien choisir son solo pour mieux brillerVous allez réaliser un solo de guitare mais vous n’êtes pas sûr de vous ? La première chose à faire est de vous assurer que la difficulté de ce solo sera à votre portée. Vous venez de commencer la guitare ? Aucun problème, un solo peut être fait de quelques notes et faire un super effet. L’important est de le réussir et d’être fier de ce que vous allez accomplir, de ce que vous allez transmettre.Vous avez au contraire déjà derrière vous plusieurs années de pratique ? Tant mieux ! Profitez et laissez-vous tenter par des difficultés supplémentaires mais n’oubliez pas qu’avec le stress, la précipitation ou la fatigue, votre solo peut aussi tourner rapidement au fiasco… Il faut donc savoir être raisonnable et porter un regard objectif sur la pratique de votre instrument. Votre professeur de musique est parfois la personne la plus à même de vous guider dans vos choix. Un seul solo de guitare mais plusieurs possibilitésPensez à vous offrir plusieurs portes de sortie ! Vous avez la tonalité du morceau, vous avez en tête les notes et la couleur que vous souhaitez donner à votre intervention musicale, c’est le principal. Laissez-vous alors le choix entre plusieurs options musicales que vous aurez testées et approuvées en répétition. Un solo de guitare bien réussi, sobre et clair, sera plus apprécié qu’un solo empli de riffs et de bends mal maîtrisés. Au moment venu, vous pourrez choisir de jouer telle ou telle partition.Vous redoutez de ne pas vous sentir à l’aise quelques mesures seulement avant votre solo de guitare ? Notez qu’une montée de stress peut vous bloquer en plein milieu d’un concert ou d’une représentation. Avoir plusieurs portes de sortie, c’est donc aussi savoir que vous pourrez compter sur un solo de batterie ou de violon de l’un de vos compères si besoin. Un seul coup d’œil et le relais est passé. Savoir que tout ne repose pas entièrement sur vos épaules et que vous avez le droit de flancher peut être réellement salvateur. Les guitaristes qui prévoient de telles roues de secours n’ont bien souvent jamais l’occasion de s’en servir, mais comme le dit l’adage, mieux vaut prévenir que guérir ! Si vous jouez seul et que le solo vous effraie au dernier moment, n’hésitez pas à faire l’impasse dessus.Penser son solo de guitare, bien avant de le jouerLa scène est à vous pour quelques instants, quelques mesures qui accueilleront votre solo de guitare. Un moment que vous pouvez choisir d’improviser, ou au contraire, d’écrire avec précision. Cette donnée dépendra seulement de votre caractère, de votre aisance à manipuler votre guitare et de votre aptitude à gérer le facteur stress. De très grands musiciens pourront vous offrir des solos différents à chaque concert, tandis que d’autres joueront toujours les mêmes suites de notes, par habitude mais aussi parfois pour correspondre aux attentes du public.Votre solo de guitare doit donc avoir été pensé et dessiné en amont. Vous pouvez le définir seul ou avec les autres membres de votre groupe. Demander conseil à des musiciens, impliqués ou non, est toujours aussi très intéressant. Posez-vous alors les bonnes questions : Pourquoi un solo à ce moment du morceau ? Que doit-il apporter ? Est-ce un moment de respiration musicale, une pause pour souligner les paroles précédentes ? Un tremplin vers une montée en puissance à venir ?... Tous ces éléments vous permettront de définir plus précisément la couleur et donc la teneur de votre solo de guitare. Victor Hugo écrivait « La musique, c’est du bruit qui pense », alors votre solo, à quoi pense-t-il ? A quoi renvoie-t-il ?Si le solo est déjà écrit et que vous avez été désigné pour le jouer, souvenez-vous que vous n’avez pas été choisi pour rien. Vous allez y arriver ! Réussir son solo de guitare à force de travailUn solo, quel que soit l’instrument concerné, implique que tous les regards seront tournés vers vous pendant quelques secondes. Tous les regards, et surtout toutes les oreilles ! La moindre fausse note de votre solo de guitare sera donc repérée, le moindre faux pas dévoilé au grand jour. Ces mots n’ont pas pour but de vous stresser mais bien de vous faire prendre conscience qu’un solo est un honneur et qu’il mérite un travail de votre instrument en conséquence.Travailler son solo de guitare est primordial pour le maîtriser correctement. Vous devez en savoir les notes, le rythme et le doigté. Vos mains doivent être capables d’enchaîner les notes ou les accords de façon fluide. Si vous comptez improviser ce solo, vous devez tout de même connaître les accords et la tonalité des mesures que vous avez à jouer. Une dissonance serait tout de suite repérée et montrée du doigt.Quelques exercices pour répéter son solo de guitareRéussir son solo de guitare, c’est donc le répéter, encore et toujours. Afin de rendre votre jeu plus fluide, vous pouvez jouer les notes de votre solo tout en en changeant le rythme. Ternaire, binaire, façon country, rock, plus classique… Les suites de notes et d’accords doivent se faire sans encombre et être parfaitement liées. Vous bloquez toujours sur la même mesure ? Continuez à la travailler et intégrez-là dans un autre morceau, dans une autre suite de mesures de façon à décaler le problème. C’est une solution très utilisée en musique pour surmonter les difficultés.Jouez votre solo de guitare sans aucun autre accompagnement, d’abord à une vitesse lente, puis en accélérant de plus en plus. Au moment où vous sentez que vos doigts se font hésitants, ralentissez la cadence et continuer à cette même allure. La musique demande souvent de procéder par étape. Marre de répéter votre solo ? Faites une pause et reprenez votre jeu plus tard, ou travaillez-en chaque jour deux ou trois mesures différentes.Se faire aider pour réussir son solo de guitareVous avez la chance de prendre des cours aux côtés d’un professeur de guitare ? Proposez-lui de jouer votre solo, en duo. La puissance de la musique est largement démultipliée lorsque deux instruments ou plus jouent à l’unisson. Vous pourrez également vous améliorer en observant la technique de ce musicien plus expérimenté que vous.Réussir son solo de guitare demande un entraînement, une rigueur et un état d’esprit bien particuliers. Le travail de votre instrument est alors tout aussi important que les émotions que vous souhaitez transmettre à votre auditoire. Ce n’est qu’en étant à l’aise avec votre manche de guitare, en jouant et en rejouant les mesures de votre solo, que vous parviendrez à partager vos émotions. Un solo est un moment tellement particulier dans la vie d’un musicien, un tel échange avec le public, qu’il mérite d’être pense, travaillé et joué avec plaisir.
