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0 Comment rester motivé au piano ? …
Chapitre 7Comment rester motivé au pianoGuide du débutant pour apprendre le pianoAu départ, on peut avoir tendance à regarder jouer un pianiste de haut niveau et se dire que l’on n’y arrivera jamais. C’est comme regarder le sommet d'une montagne depuis son pied. Car, tout comme pour l’ascension d’une montagne, atteindre un excellent niveau à un instrument est un défi à relever. Pour y parvenir, il est important de structurer efficacement chaque journée mais aussi de rester motivé pour progresser jour après jour.Le moyen le plus simple est de se créer une routine de travail quotidienne basée sur les objectifs, le feedback et la récompense. Cette formule peut être appliquée à la fois sur du court et du long terme. Fixez-vous un objectif à long terme, suivez vos progrès par rapport à cet objectif et, en récompense, trouvez une motivation nouvelle lorsque vous atteignez votre objectif. Le même schéma s’applique à court terme, avec un objectif pour chaque séance de travail, un feedback instantané et une récompense à la fin de chaque séance.Se fixer un objectif à long termeCommencez par vous fixer un objectif global à atteindre sur le long terme. Ce sera, dirons-nous, votre sommet de montagne. Il vous servira de point d'orientation dans votre pratique, vous aidera à choisir les techniques à apprendre en premier et les domaines sur lesquels vous concentrer. Erreur courante : ne pas se fixer d’objectifs clairsTravailler son piano sans objectif est une erreur courante, qui mène régulièrement à des séances sans but où les progrès finissent par stagner. Prenez un peu de temps au préalable pour définir vos objectifs à court et à long terme.Des objectifs précis. Évitez les formulations vagues du genre « bien jouer ». Elles n’aideront pas vraiment. Ayez plutôt pour objectif de réussir à maîtriser une chanson ou un morceau que vous adorez, ou bien vous produire lors d’un récital. Même si cela peut vous sembler hors de portée pour l’instant, cela vous donne un objectif à atteindre. Et fixez-vous également un objectif de temps pour vous aider à suivre vos progrès.Des objectifs qui vous sont propres. Choisissez des objectifs qui vous motivent. Si un morceau de Beethoven de l'époque romantique vous endort, il ne constituera pas un objectif très inspirant. Si vous adorez Elton John, choisissez l'une de ses chansons. Ne cherchez pas à faire plaisir aux autres. Restez sur quelque chose qui vous plaît à vous et qui vous donnera envie de revenir vous asseoir au piano tous les jours.Des objectifs réalistes. En fonction de l'objectif à atteindre et du travail fourni, le temps requis ne sera pas le même. Si vous voulez jouer un morceau simple, cet objectif peut être atteint en quelques mois avec un travail de qualité. Les morceaux plus difficiles prendront plus de temps. Si vous visez des morceaux complexes à un niveau avancé, quelques années au minimum seront nécessaires afin de parvenir à les jouer. Ce temps sera réduit si vous vous remettez au piano après l’avoir appris dans votre enfance.Mais ne soyez pas effrayé à l'idée de vous (re)mettre au piano sur le tard. Le journaliste Alan Rusbridger a écrit un livre sur la façon dont il est revenu au piano à l’âge de 56 ans. Après un an de pratique très exactement, il jouait la Ballade n° 1 de Chopin en concert. Son objectif était à la fois précis et, grâce à une grande quantité de travail, réaliste.Travailler pour atteindre son objectifMaintenant que vous avez un objectif à long terme, utilisez-le comme socle pour vos séances de travail à court terme. Vous progresserez plus rapidement et resterez motivé plus longtemps si vous basez chaque séance sur un modèle d’objectifs, de feedback et de récompenses.Cycle de travail et de feedbackL'objectif de séanceProgresser, dans n'importe quel domaine, c’est obtenir de petites améliorations au fil du temps et avancer sur un parcours jalonné de différentes étapes. Pensez à votre objectif à long terme, puis choisissez quelque chose à réaliser aujourd’hui qui vous permettra de vous en rapprocher (votre objectif de séance). Avancez un jour à la fois, reboostez régulièrement votre motivation avec un accomplissement par jour, et vous serez surpris de la rapidité avec laquelle ces petits progrès s’additionnent.Ayez chaque jour un objectif précis. Des objectifs précis rendent le travail du piano beaucoup plus facile et efficace. Par exemple, si vous désirez augmenter la vitesse de vos doigts, vous pouvez essayer de jouer dix fois des arpèges et quelques gammes sans erreur. Si vous souhaitez améliorer une partie d’un morceau, choisissez un seul segment et fixez-vous l’objectif de le jouer un certain nombre de fois sans erreur.Ayez un objectif quotidien réaliste. Rappelez-vous ce que nous avons vu au chapitre 6 : ne jouez pas plus de 40 minutes par session, n’essayez pas de changer le monde en un jour. Assurez-vous donc de pouvoir atteindre votre objectif de séance dans le temps de travail que vous vous êtes imparti.FeedbackPour jouer correctement, il faut avant tout savoir si l’on joue correctement (ou non) :Lorsque vous vous trompez, sachez-le. Au début, on en est encore à apprendre comment le fait de jouer d’une certaine manière se traduit par tel ou tel son. Si l’on ne sait pas quand on commet des erreurs, il est facile de développer de mauvaises habitudes, de manquer de conseils et de motivation.Demandez de l’aide. Il est difficile de prendre conscience de toutes ses erreurs. Cela peut être dû au fait que nous ne connaissons pas bien la musique d’origine ou que nous ignorons – inconsciemment – nos erreurs pour continuer à avancer. Prêter attention à ses erreurs pendant l’apprentissage d’un nouveau morceau peut aussi s'avérer déstabilisant. Pensez à avoir près de vous un professeur, un ami ou une aide technologique qui vous guidera et vous aidera à garder votre calme.Le lecteur de chansons sur ilearnmusic.orgTenez compte du feedback reçu. Une fois que vous savez où se trouvent vos erreurs, corrigez-les afin qu’elles ne se répètent pas. Nous suggérons une méthode pour corriger les problèmes dans le chapitre 6 – Comment bien travailler le piano.Lorsque vous réussissez, sachez-le. Le simple fait de savoir que vous avez fait quelque chose correctement peut être incroyablement gratifiant, et l’ajout de remarques positives venant d’un tiers peut amplifier encore davantage ce sentiment de satisfaction. D'autant plus lorsque les remarques reçues sont à la fois positives et négatives. Si vous savez que mal jouer ne passera pas, un simple « bien joué » peut devenir beaucoup plus significatif et motivant.La récompenseLorsque vous atteignez l’objectif que vous vous êtes fixé au début de votre séance, récompensez-vous. Associer un feedback positif à une récompense crée ce que les psychologues appellent un « renforcement positif ». Des recherches ont montré que cette méthode est bien meilleure pour apprendre et développer de bonnes habitudes que les commentaires négatifs. Ce « renforcement négatif » peut en effet être démotivant.Il se peut que la satisfaction que vous ressentirez lorsque vous atteindrez l'objectif fixé vous suffira, et ce sera très bien comme cela. Mais essayez d’y joindre une récompense pour voir à quel point cela peut être motivant. La récompense peut consister en un petit plaisir gourmand, ou regarder un épisode de votre série du moment. Peu importe si vous vous « offrez » quelque chose que vous auriez fait de toute façon. Une fois que vous en aurez pris l’habitude, vous n’aurez même plus besoin de vous récompenser ; le simple fait de jouer et de progresser sera suffisamment gratifiant.Le suivi des progrèsNous venons d'expliquer l’intérêt de recevoir un feedback à chaque séance. Il est tout aussi important d’avoir une vue d’ensemble de votre progression afin de rester sur la bonne voie. Cela implique de suivre vos progrès depuis le début via un journal de bord, d'enregistrer vos séances ou encore de consulter le suivi automatique de votre progression dans une application. Quelle que soit la méthode choisie, vous vous en féliciterez plus tard.Le suivi des progrès sur sur ilearnmusic.orgCe suivi vous permet de comparer vos progrès à l’objectif que vous vous étiez fixé au départ. Êtes-vous toujours sur la bonne voie ? Par exemple, vous avez acquis une excellente coordination des mains, mais tout cela manque encore un peu de rapidité ? Ou alors, vous vous êtes focalisé sur la première moitié d’un morceau au détriment de la seconde ? En prenant conscience de l'éventuel retard accumulé, vous pourrez apporter des modifications à votre méthode d’apprentissage ou à votre routine de travail.Il se peut également que vous deviez réévaluer votre objectif à long terme. Peut-être l’aviez-vous défini sans savoir ce qui était réaliste, et il s’est avéré trop ambitieux. Ou bien vos goûts ont changé et vous ne trouvez tout simplement plus cela intéressant. Il n’y a aucun mal à cela. Repensez vos envies et fixez-vous un nouvel objectif à long terme en suivant les mêmes conseils que ceux délivrés un peu plus haut.Le feedback positif impliqué dans le suivi des progrès est essentiel pour préserver votre motivation. Il y aura des moments où vous resterez coincé sur une partie problématique, ou alors vous passerez une mauvaise journée où rien ne semblera bien aller. En plus d'être frustrant, cela peut facilement donner l’impression de ne pas progresser. Si vous effectuez un suivi de vos progrès depuis le début, vous pouvez de temps en temps regarder en arrière, visualiser votre progression régulière et constater à quel point vous vous êtes amélioré.La motivation à long termeImaginez que vous atteignez votre objectif. Imaginez savoir jouer le concerto de Mozart que vous aviez décidé d’apprendre. Ou bien avoir assimilé toute la bande originale de La Reine des Neiges pour un petit concert de Noël en famille. Ou encore connaître sur le bout des doigts le morceau de musique classique préféré de votre grand-mère pour fêter ses 80 ans. Vous avez atteint ce sommet qui vous paraissait si haut, si loin, et vous l’avez fait en progressant de façon structurée et régulière. En vous fixant un objectif quotidien, en vous entraînant, et en tenant compte du feedback reçu pour progresser. Une fois l’objectif atteint, la récompense sera quelque chose de bien plus fort qu’un cookie ou la possibilité de s’endormir devant Netflix. La récompense, c'est que vous pourrez jouer ce concerto de Mozart, ou bien avoir assez confiance en vous pour jouer devant un public. La récompense, c'est la compétence que vous aurez développée. Et ça, personne ne pourra vous l’enlever.C’est le plus grand renforcement positif qui soit. Jouer ce que l'on a appris fait tellement de bien que vous ne pourrez pas en rester là. Vous choisirez une autre montagne à gravir. Vous vous fixerez un autre objectif et vous suivrez le même schéma, en sachant cette fois que vous êtes réellement capable d’atteindre cet objectif. Car oui, vous l’aurez déjà fait une fois. Apprenez à jouer du pianoCommencer maintenant
0 Lire les notes, les durées et les nuances …
Chapitre 8Lire les notes, les durées et les nuancesGuide du débutant pour apprendre le pianoLa musique écrite vous indique quoi jouer (les notes), quand jouer (les durées) et comment jouer (les nuances). Dans ce chapitre, nous abordons ces trois éléments et approfondissons les fondamentaux de la lecture musicale présentés au chapitre 5, dans lequel nous expliquions également les avantages à savoir lire les notes.Si vous suivez des cours de musique, les informations contenues dans ce chapitre vous seront certainement déjà familières. Ce chapitre ne peut dans tous les cas pas remplacer l’apprentissage avec un professeur, des tutoriels en ligne ou une appli. Mais nous espérons qu’il pourra servir d’introduction ou rafraîchir votre mémoire durant votre apprentissage.Les notes (quoi jouer)Les dièses et les bémolsJusqu’à présent, nous n’avons vu que les touches blanches, pour simplifier. Les touches noires sont les dièses et les bémols. Ces notes portent les mêmes noms (de do à si) mais comprennent en plus un « dièse » ou « bémol » afin d'identifier s’il s’agit de la touche noire inférieure ou supérieure à la touche blanche. Pour plus de clarté, on appelle les touches blanches (celles n’ayant ni dièse ni bémol) les notes naturelles.Les dièses (♯) sont les touches noires supérieures à la note nommée. Par exemple, le fa♯ (fa dièse) est la touche noire supérieure au fa.Les bémols (♭) sont les touches noires inférieures à la note nommée. Par exemple, le si♭ (si bémol) est la touche noire inférieure au si.Les naturelles (♮) sont simplement les touches blanches, les notes nommées. Par exemple, le ré♮ (ré naturel) est tout simplement un ré.Les notes dièses/bémols/naturellesLes tonalitésCommencer avec un do et ne jouer que les touches blanches vous limite à la tonalité de do majeur. Il s’agit d’une tonalité parmi de nombreuses autres, qui n’utilise toutefois que les touches blanches. Lorsque l’on joue en fa majeur, par exemple, tous les si sont infléchis en si♭. En ré majeur, autre exemple, tous les fa deviennent fa♯ et les do montent aussi en do♯. Les autres tonalités utilisent beaucoup plus de touches noires. Si majeur utilise même l’intégralité des cinq touches noires.À moins que vous ne souhaitiez vous spécialiser en théorie musicale, il n’est pour le moment pas nécessaire d’apprendre quelle tonalité utilise quels dièses et bémols. Ces informations sont de toute façon toujours indiquées sur les partitions. Pour économiser de l’espace sur les portées, les notes qui sont toujours dièses ou bémols dans une tonalité sont indiquées à côté de la clef au début de chaque portée.Système de portées avec indication de la tonalitéLes altérations et les naturellesLa plupart des morceaux ne restent pas constamment sur une même tonalité et ajoutent des dièses et des bémols supplémentaires ici et là. C’est ce que l’on appelle des « altérations ». Si une altération est indiquée, elle s’applique jusqu’à la prochaine ligne verticale (qui marque la fin de la « mesure » ; nous y reviendrons plus en détail dans la partie « La durée » ci-dessous). Un si♭ indiqué au début d’une mesure diminue en si♭ tous les si apparaissant dans cette mesure. Dès la mesure suivante, on revient à la tonalité indiquée à côté de la clef au début de la portée.Le symbole naturel (♮) indique au lecteur de jouer la touche blanche de la note et d’ignorer les dièses ou bémols indiqués à côté de la clef ou précédemment dans la mesure. Ce symbole n’est valable que pour une seule mesure.L’utilisation des altérationsLa clef de faJusqu’à présent nous nous sommes focalisés sur la portée supérieure, celle en clef de sol, qui contient les notes au-dessus du do central généralement jouées à la main droite. La portée inférieure est en clef de fa, qui contient les notes inférieures au do central généralement jouées à la main gauche. Le do central sur la clef de faLes deux points à côté de la clef de fa entourent la ligne de la note fa (d’où le nom de cette clef).Portée en clef de faLa durée (quand jouer)La musique écrite est divisée en « mesures » représentées par de fines lignes verticales sur la portée. À l’intérieur de chaque mesure, différents symboles de notes représentent différentes durées. La ronde est la plus longue, avec une certaine durée en fonction du tempo du morceau. Les autres durées de notes sont des subdivisions de cette ronde. Les blanches durent deux fois moins longtemps, les noires quatre fois moins, les croches huit fois moins, et ainsi de suite. Vous utiliserez ces durées de notes plus tard quand nous commencerons à compter.La ronde, la blanche, la noire, la crocheLes croches ont un crochet au bout de leur hampe, qui indique que la durée de la noire est divisée par deux. Les doubles croches ont, quant à elles, un double crochet, qui indique une nouvelle division par deux de la durée. Pour rendre la portée plus lisible, les croches et doubles croches jouées consécutivement sont groupées ensemble en reliant leurs crochets par ce que l'on appelle une barre.Barres reliant les croches et doubles crochesLes silencesLes espaces entre les notes, lorsque vous ne jouez pas, s’appellent des silences. Ce n’est pas la même chose que de tenir une note. Une série de blanches sonnera donc différemment d’une série de noires séparées par des soupirs (silences d’un temps). Tout comme leurs équivalents en notes, les silences de quatre temps, deux temps, un temps et un demi-temps ont chacun leur propre symbole. Pour marquer les silences plus courts qu’un demi-temps, on ajoute un petit crochet. Chaque symbole de silence a le même nombre de crochets que le symbole de note (le demi-soupir a un crochet, le quart de soupir a deux crochets, etc.)Les silencesLe chiffrage de mesure (la métrique)Le chiffrage indique comment chaque mesure est comptée. Le plus courant est le 4/4, qui compte quatre pulsations de noire par mesure. Si vous aimez les mathématiques, il peut être utile de voir cela comme une fraction. Le chiffre supérieur indique le nombre de pulsations dans une mesure (ici en l’occurrence, quatre). Le chiffre inférieur indique la valeur du temps de chaque pulsation. Cette valeur correspond à la division de la ronde (une ronde = 4 temps). Dans le cas présent, la valeur est donc une noire. Suivant la même logique, une mesure en 3/4 contient trois noires par mesure, tandis qu'une mesure en 6/8 contient six croches par mesure.Chiffrages de mesures : 4/4, 3/4 et 6/8Cette notion est plus simple à comprendre si vous écoutez, apprenez et jouez des morceaux ayant des chiffrages différents. Le Lac des Cygnes (en 4/4) et La Lettre à Élise (en 3/4) sont de bons exemples pour commencer à comprendre les chiffrages (ces deux morceaux sont disponibles à un niveau débutant sur ilearnmusic.org).Les notes pointées et liéesLes durées des notes ne sont pas toujours des multiples de deux. Il faut donc une notation pour les durées impaires. Pour cela, on ajoute un point juste à côté de la note, indiquant qu’elle est prolongée de la moitié de sa durée normale. Par conséquent, une ronde pointée vaudra 6 temps (4+2), une blanche pointée 3 temps (2+1), etc. On peut également lier deux notes pour indiquer qu’il faut les tenir sur la durée des deux notes. Cette notation est surtout utilisée lorsque la note prolongée est à cheval entre deux mesures.Les notes pointées et liéesCompterSavoir quand jouer implique de compter. Si vous avez déjà entendu des musiciens compter à voix haute avant de commencer à jouer, vous avez déjà une idée de ce dont il s’agit. Compter à voix haute pour vous-même est normal au début, mais avec le temps vous développerez la capacité de compter dans votre tête. Après un certain temps, cela viendra naturellement, vous permettant de lire la partition à vue tout en restant dans le temps sans avoir à vous concentrer.Regardez le chiffrage pour savoir combien de temps contient la mesure et quelle est la valeur de chaque temps. En 4/4, ce sera quatre noires, soit quatre temps. Vous devrez donc compter « un, deux, trois, quatre ». Vous pouvez ajouter des demi-temps à votre comptage en prononçant « et » entre chaque temps : « un et deux et trois et quatre et ». Cela permet de compter les mesures avec une subdivision supplémentaire, des notes pointées ou des notes liées.Le tempoPour compter correctement, vous devez connaître la vitesse voulue pour le morceau : son tempo. Traditionnellement, le tempo est indiqué avec des termes italiens tels que « lento » (lentement), « moderato » (modérément) ou « allegro » (rapide et brillant). Dans les morceaux modernes, le tempo est souvent indiqué en battements par minute (BPM), correspondant au nombre de noires comptées par minutes, par exemple ♩ = 120 BPM.Vous pourrez facilement trouver sur Internet une longue liste de termes italiens avec leur équivalent en BPM respectif. Les indications de tempoL’interprétation du tempo et du rythmeNe suivez pas de façon trop rigide les indications de tempo. Elles représentent une fourchette, pas un chiffre exact. Le plaisir de jouer d’un instrument soliste comme le piano vient aussi de pouvoir interpréter le tempo avec souplesse afin de rendre votre jeu plus expressif. Le terme italien pour ce type de jeu libre est « tempo rubato » (temps volé). Gardez toutefois à l'esprit que cette approche du tempo n’est pas commune à tous les genres musicaux. Utilisez-la donc avec prudence et uniquement après avoir appris à jouer en rythme, avec un tempo stable. Les nuances (comment jouer)Les nuances ont beaucoup été évoquées lors des chapitres précédents. Comme tout le reste, les nuances voulues pour un morceau sont indiquées sur la partition. Encore une fois, ne les interprétez pas de façon trop stricte. Il n’existe pas de volume « parfait » ; vous pouvez donc vous approprier l'œuvre et laisser cours à votre interprétation personnelle.Le volume est indiqué par des lettres correspondant à des mots italiens. « Piano » (p) signifie doucement, alors que « Forte » (f) signifie fort. « Mezzo » (m), qui veut dire moyen, peut être ajouté à Piano ou à Forte pour modérer ces nuances. Pour amplifier ces indications, il suffit de les cumuler. Pianissimo (très doucement) se note donc pp, fortissimo (très fort) se note ff. Et fff veut dire « les voisins vont râler ».Un accent (>) sur une note vous indique de la jouer avec plus d’intensité. L’augmentation du volume (crescendo) est indiquée par un symbole ressemblant à un < étiré, et l’inverse (la diminution du volume, ou decrescendo) est notée par un > étiré.Les nuances sur une partitionProgresser en lecture à vueEnfant, quand vous commencez à apprendre à lire, vous devez vous concentrer sur le sens de chaque mot, puis le mettre dans le contexte d’une phrase. Avec le temps, vous comprenez chaque phrase sans réfléchir. Pour la musique, c’est pareil. Cela nécessite simplement de la pratique.Trouvez un morceau adapté à votre niveau puis travaillez-le à l’aide de la partition seule. Même si tous ces symboles et annotations en noir sur la page peuvent sembler complexes au premier abord, efforcez-vous de déchiffrer systématiquement leur sens puis jouez-les. Ensuite, passez à un autre morceau. Vous verrez que vous finirez par vous habituer à développer des raccourcis mentaux et par ne plus avoir à déchiffrer, et vous commencerez à « lire à vue ».Accrochez-vous et vous finirez par ne plus voir une page remplie de symboles et d'annotations. Vous entendrez les accords, les mélodies, les harmonies, et vous saurez quoi jouer sans même avoir à y réfléchir. Apprenez à jouer du pianoCommencer maintenant
0 Les pédales de piano: à quoi servent-elles ? …
Chapitre 9Les pédales de piano: à quoi servent-elles ?Guide du débutant pour apprendre le pianoLes sonorités qui sont à votre disposition au piano ne se limitent pas à ce que vous jouez avec vos mains. Les pédales de piano (ces leviers à vos pieds) enrichissent le son de plusieurs façons, ouvrant ainsi des possibilités s'étendant au-delà du clavier seul – de nuances subtiles à des changements plus marqués.Les types de pédales sur un pianoLes pianos acoustiques ou numériques actuels disposent généralement de trois pédales. Les pianos acoustiques plus anciens en ont deux. Dans cet article, nous allons expliquer l’effet que produit chaque pédale sur le son, mais aussi la bonne technique pour utiliser les pédales et comment les repérer sur les partitions. Gardez à l’esprit que si vous débutez au piano, vous n’avez pas besoin de trop vous préoccuper des pédales pour le moment. Leur utilisation implique une technique (relativement) avancée et vous n’en aurez pas l’utilité tout de suite.Pédales d'un pianoLa pédale forte (à droite)Sur un piano acoustique, lorsqu’un doigt relâche une touche, un « étouffoir » en feutre vient arrêter la vibration de la corde. La pédale forte – également appelée « pédale de sustain » – relève les étouffoirs des cordes, permettant ainsi aux notes de vibrer plus longtemps, même si les touches ne sont plus tenues. C’est pourquoi, en anglais, cette pédale porte aussi le nom de « damper pedal » (pédale étouffoir).Cordes et étouffoirs d’un piano à queueIl est rare de trouver un morceau de piano n’utilisant pas la pédale forte. Le légendaire pianiste Arthur Rubinstein l’appelait même « l’âme du piano ». Si vous apprenez le piano sur un clavier n’ayant pas de pédales intégrées, vous allez donc vraiment devoir faire l’acquisition d’une pédale forte. N'hésitez pas à consulter le chapitre 1 – Comment choisir son piano ou clavier pour plus d'informations sur comment choisir une pédale forte.La pédale douce, ou « pédale una corda » (à gauche)La plupart des cordes d’un piano acoustique sont groupées par trois, chaque groupe étant accordé sur la même note. Par défaut, le marteau frappe les trois cordes en même temps, pour un son large et brillant. Sur un piano à queue, la pédale una corda déplace tout le mécanisme vers la droite, de sorte que le marteau ne frappe que deux des trois cordes.La note qui en résulte s’en trouve adoucie. De même, les cordes étant frappées par une partie différente du marteau, le son est étouffé et moins brillant. Sur les pianos plus anciens, le marteau ne frappait qu’une des trois cordes, d’où le nom de pédale « una corda », qui signifie « une corde » en italien. Sur les pianos droits, cette pédale rapproche légèrement les marteaux des cordes, ce qui réduit le volume sans altérer la tonalité.La pédale de soutien (au milieu)Elle est similaire à une pédale forte. La différence principale est qu’elle ne tient que les notes déjà jouées au moment où elle est enfoncée. Toute note commençant après l’enfoncement de la pédale n’est pas concernée, ce qui permet une tenue sélective sans troubler le son.Cette pédale de soutien étant relativement récente sur les pianos, elle est rarement nécessaire pour les morceaux écrits avant le XXe siècle. Malgré cela, de nombreux pianistes l’utilisent pour les œuvres de compositeurs plus progressifs tels que Debussy et Ravel.Les autres fonctions de la troisième pédaleLes pianos anciens ne possèdent pas de pédale du milieu. Mais même si votre piano possède bien trois pédales, celle du milieu peut ne pas être une pédale de soutien. Certains pianos la remplacent par une pédale forte basse qui ne tient que les notes graves (les « basses »). D’autres pianos disposent d’une sourdine (également appelée « pédale moliphone ») qui baisse le volume des notes encore plus qu’une pédale douce. Ces pédales comportent souvent un mécanisme de verrouillage afin que vous puissiez jouer sans (trop) déranger votre entourage.Comment utiliser les pédalesSi vous êtes correctement assis, vos pieds doivent être à plat au sol. Alignez-les de sorte que le gros orteil de chaque pied soit en face des pédales respectivement de gauche et de droite. Quand vous souhaitez utiliser une pédale, levez l’avant de votre pied et avancez-le. Placez la pointe de votre pied sur l’extrémité arrondie de la pédale, alignée avec le gros orteil. Enfoncez doucement la pédale vers le bas, en gardant le talon au sol. Essayez de réduire le plus possible les bruits indésirables en n’atteignant pas trop vite la butée de la pédale ou en la relâchant de façon incontrôlée.Utilisez votre pied droit pour la pédale forte, et le gauche pour les pédales douce et de soutien. Familiarisez-vous avec chacune de ces pédales pour bien connaître la manière dont elles altèrent le son. Voici quelques techniques courantes pour la pédale forte :Le lié/retardé consiste à enfoncer la pédale après avoir joué une note, relâcher la pédale, puis l’enfoncer à nouveau après que la note suivante a été jouée. C’est la technique la plus courante, car elle permet aux notes de sonner fluidement les unes après les autres, sans troubler le son.La demi-pédale consiste à enfoncer partiellement la pédale forte afin que les étouffoirs ne frôlent que légèrement les cordes. Utilisez cette technique si vous recherchez une tonalité un peu plus riche sans troubler le son. Certains pianistes l’utilisent pour la Sonate au Clair de lune de Beethoven ou pour faire sonner Mozart moins « sec » (les pédales ne sont jamais indiquées sur ses partitions).La pédale préliminaire consiste à enfoncer la pédale forte avant de jouer une note. Cela permet de relever l’étouffoir de la corde avant que le marteau ne la frappe, créant ainsi une tonalité plus profonde et plus riche, et faisant vibrer la corde encore davantage. Mais vous ne serez pas amené à utiliser cette technique très souvent.La pédale simultanée (également appelée pédale directe/rythmique) consiste à enfoncer et à relâcher la pédale en même temps qu’une note (ou un accord) est jouée. Cela l’accentue et permet de la faire ressortir de façon plus rythmique. Cette technique est, elle aussi, rarement utilisée.Intégrer les techniques ci-dessus à votre jeu peut changer radicalement la façon dont un morceau va sonner. Veillez simplement à ne pas abuser des pédales et assurez-vous qu’elles vont dans le sens du morceau que vous jouez. Une pédale forte trop utilisée peut gâcher un morceau rapide, tout comme enrichir considérablement un morceau lent.Erreur courante : abuser de la pédale forte« …abuser de la pédale forte ne sert qu’à maquiller un manque de technique, en faisant beaucoup de bruit pour noyer la musique que vous êtes en train de massacrer ! » Claude DebussyDebussy était dur, mais il n'avait pas tort. La pédale forte est souvent usée et abusée, ce qui crée un son brouillon et bruyant. Pour éviter cela, ne maintenez pas la pédale enfoncée ; utilisez plutôt la technique de lié/retardé expliquée un peu plus haut : relâchez la pédale puis enfoncez-la à nouveau après avoir joué la/les note(s) suivante(s). Pourquoi après ? Parce que cela laisse le temps aux étouffoirs d’étouffer les cordes.Une règle générale est d’être très soigneux avec la pédale forte si la mélodie est composée de notes voisines, ou bien à chaque changement d’accord. Laissez toujours vos oreilles vous guider et comparez votre jeu aux enregistrements de pianistes professionnels.Comment lire les indications de pédalesCertains compositeurs indiquent clairement où les pédales doivent être utilisées, avec la liberté d’en ajouter si nécessaire. Sur les partitions, les indications de pédales vous montrent quand appuyer et quand relâcher. Chaque pédale est symbolisée de manière légèrement différente, mais le principe reste le même :Pédale forte : « Ped. » = enfoncer ; « ✱ » = relâcher Pédale de soutien : « Sost. » = enfoncer ; « ✱ » = relâcherPédale una corda (douce) : « una corda » = enfoncer ; « tre corde » = relâcher Indications de pédales sur une partition Apprenez à jouer du pianoCommencer maintenant
0 Idées reçues et questions courantes sur le piano …
Chapitre 10Idées reçues et questions courantes sur le pianoGuide du débutant pour apprendre le pianoDans nos écoles, nous aimons plus que tout recueillir les questions et remarques de nos élèves. Il n'est pas rare que ces derniers nous fassent part de leurs interrogations ou préoccupations à l'égard du piano. Dans cet article, nous passons en revue quelques-unes des questions les plus couramment posées, dans le but de vous rassurer et de mettre fin à certaines idées reçues. Beaucoup de ces réponses sont abordées plus en détail dans les autres chapitres de ce guide.Q : À quelle fréquence dois-je travailler mon piano ?R : Tous les jours, mais pas longtemps. Progresser au piano est l’addition de petites améliorations quotidiennes. Vingt minutes par jour est un bon rythme pour commencer. Peu importe à quel moment vous placez ces vingt minutes, tant que vous parvenez à les inclure dans votre emploi du temps quotidien. Nous savons que la vie n’est pas toujours aussi prévisible qu’un emploi du temps, donc si vous arrivez à jouer cinq jours sur sept, ce sera déjà très bien. Ce point est abordé au chapitre 6 – Comment bien travailler le piano.Q : Dois-je apprendre à lire la musique ?R : Vous n’y êtes pas obligé, mais si vous ne le faites pas, vous vous limitez. Savoir lire une partition ouvre un tout nouveau monde de possibilités. Cela vous enrichit d'un langage universel pour comprendre et partager la musique, rapidement et clairement. Vous accédez à un répertoire musical pratiquement illimité que vous pouvez jouer immédiatement, une fois votre maîtrise suffisante.L’autre point positif, c'est qu’atteindre un bon niveau n’est pas aussi long que vous pouvez le penser. Et si vous ne souhaitez apprendre que les accords de base pour pouvoir jouer simplement avec d’autres musiciens, les méthodes alternatives comme la notation des accords feront l’affaire. Ce point est abordé au chapitre 5 – Lire une partition (les bases).Q : Au bout d’un an, que devrais-je savoir jouer ?R : Des morceaux classiques simples et quelques morceaux de niveau intermédiaire. Cette réponse peut sembler vague, mais c’est toujours mieux qu'une réponse du type « ça dépend ». Soyez assuré qu’en travaillant quotidiennement, en structurant chaque séance et en traitant systématiquement chaque problème, vous pourrez jouer quelque chose dont vous serez fier au bout d’un an. Ce point est abordé au chapitre 6 – Comment bien travailler le piano.Vous aurez également plus de chances d’y parvenir si vous suivez un modèle d’objectifs, de feedback et de récompenses, comme expliqué au chapitre 7. Le parcours d'Alan Rusbridger, ce journaliste qui s’est mis au piano à l’âge de 56 ans et a réussi à jouer la complexe Ballade n° 1 de Chopin en concert après tout juste un an d'apprentissage, est un exemple particulièrement inspirant.Q : Comment puis-je travailler la coordination main gauche/main droite ?R : Travaillez chaque main séparément, puis les deux mains ensemble. Jouer avec les deux mains oblige votre cerveau à se concentrer sur trois éléments à la fois : la main droite, la main gauche, et la coordination des deux. La bonne nouvelle, c'est que ce troisième élément (la coordination) va devenir de plus en plus simple avec du travail, comme tout le reste. Segmentez les tâches, maîtrisez d'abord bien la main droite, puis la main gauche, avant de jouer les deux ensemble. Des conseils à ce sujet sont donnés au chapitre 6 – Comment bien travailler le piano.Q : Comment puis-je améliorer la dextérité et la souplesse de mes doigts ?R : Avec les gammes et exercices techniques. Vos mains, vos doigts et vos poignets sont comme tous les ensembles de muscles, os et tendons. Le moyen le plus simple et le plus rapide pour progresser en agilité et en souplesse est de s’exercer. Depuis des siècles, les gammes sont la technique d’entraînement de base, parce qu’elles sont efficaces, tout simplement. Vous trouverez des tutoriels sur les gammes sur ilearnmusic.org.Autre très bonne méthode pour améliorer la souplesse, la vitesse, l’agilité et la force des doigts et des poignets : les exercices du Hanon. Dans « Le Pianiste virtuose en 60 exercices », Charles-Louis Hanon a créé des exercices allant des « exercices préparatoires pour débutants » aux « exercices de virtuoses pour maîtriser les techniques les plus difficiles ». Vous trouverez ces exercices gratuitement un peu partout sur Internet.Là aussi, la bonne nouvelle est que la souplesse de vos doigts va progresser avec le temps, simplement en jouant les morceaux que vous adorez. En effet, vous pouvez apprendre et travailler presque toutes les techniques avec les morceaux qui intègrent ces techniques. Il vous faudra simplement faire preuve d'un peu de patience. Cela prendra peut-être des mois avant que vous atteigniez l'objectif désiré, mais c’est tout à fait normal. Inclure certaines des suggestions ci-dessus dans votre routine quotidienne peut accélérer votre progression.Q : Suis-je trop vieux/vieille ?R : Non. Le bon moment pour commencer, c’est maintenant. Il est dans la nature humaine de craindre l’échec au moment où nous commençons quelque chose, mais il ne s’agit que de craintes. Il n’y a aucune logique à cela. Il n’existe pas d’âge limite pour apprendre un instrument. Même si vous avez 70 ans et doutez de vos capacités physiques, sachez que la science a démontré les très nombreux bienfaits du piano dans l’amélioration de la santé mentale et physique, et sur le bien-être en général. Si vous avez moins de 70 ans, la réponse est la même. Allez-y, lancez-vous !On entend souvent l’excuse « d'ici à ce que je devienne bon, je serai trop vieux ». Si c’est ce que vous pensez, relisez la réponse à la question « Au bout d’un an, que devrais-je savoir jouer ? » ci-dessus pour avoir une idée de ce que vous pouvez réaliser. Repensez à vous il y a un an. Imaginez vous y être mis à l’époque. Un an après, vous seriez heureux d’avoir pris le temps de vous y mettre. Lancez-vous dès maintenant. C’est toujours le bon moment.Q : Et si je n’ai pas le temps ?R : Vous l’avez. Il vous faut simplement le trouver. Il s'agit de 20 minutes par jour. Parcourez votre emploi du temps quotidien et essayez d'y trouver un créneau adéquat. Peu importe quand vous travaillez votre piano, ce qui compte, c'est de le faire. Nous sommes tous différents. Mozart avait son pic de créativité très tôt le matin ou très tard la nuit, alors que Strauss préférait le milieu de matinée.Si vous ne trouvez vraiment aucun créneau de libre dans votre emploi du temps, une astuce consiste à faire de votre séance de piano la toute première ou la toute dernière activité de votre journée. Définir le moment exact dépend de la façon dont vous vous sentez après avoir travaillé votre piano. Si cela vous remplit d’énergie, alors tôt le matin peut bien fonctionner. Et si vous trouvez cela relaxant, alors peut-être plutôt avant le coucher. Faites des essais. Un piano numérique ou clavier possède l’avantage de pouvoir y brancher un casque afin de rester en bons termes avec votre voisinage, si votre heure favorite pour travailler le piano est 4 heures du matin en semaine.Q : Et si je n’ai pas le talent naturel ?R : Le talent n’est pas inné, il s’acquiert. Tous les pianistes de haut niveau ont travaillé pour en arriver là. Il ne s’agit pas de « talent naturel », mais plutôt d’un bon apprentissage, de travail et de motivation. Ceux qui semblent apprendre beaucoup plus vite que les autres ne sont pas nés avec ce don, ils ont simplement trouvé une méthode qui marche pour eux et s’y sont tenus.Avec ce guide, nous espérons vous apporter les connaissances et les outils pour vous aider à trouver votre propre méthode d’apprentissage, de travail et de motivation. Une fois que vous aurez trouvé cette méthode, il vous suffira d’y consacrer du temps, et d'avoir confiance en vos capacités pour y arriver.Q : Comment puis-je savoir si j’utilise les bons doigtés ?R : Il n’existe pas de doigté « correct » unique. Tout dépend de la taille de vos mains, de la souplesse de vos doigts et du son que vous souhaitez créer. De façon générale, un bon doigté limite le nombre de sauts de touches et de changements de positions, mais le mieux est encore de faire des essais afin de trouver ce qui est le plus confortable pour vous. Avec le temps, vous apprendrez des phrasés qui seront naturels à jouer et tout cela deviendra évident.Sur les partitions, le doigté est souvent suggéré par des petits chiffres au-dessus ou en dessous des notes. Ces chiffres de 1 à 5 correspondent à vos cinq doigts, le 1 étant le pouce et le 5 l’auriculaire.Si vous utilisez nos vidéos dans votre apprentissage, dans le cadre de cours en ligne par exemple, regardez bien les doigtés utilisés par nos pianistes professionnels, car ils ont passé du temps à les définir pour chaque morceau. Bien sûr, si vous avez du mal à jouer certaines parties telles qu’indiquées dans la vidéo, vous êtes libre de trouver un doigté qui vous convient mieux.Q : Et si mes mains sont trop petites ?R : Elles ne le sont pas. Vous pouvez jouer de grands morceaux avec des mains de petite taille. Tout d’abord, votre capacité à étirer vos mains va progresser en même temps que votre souplesse (voir la question un peu plus haut sur la souplesse des doigts). Comme pour tout le reste, il faut du travail et un peu de temps. Ensuite, sachez qu’il existe des pianistes exceptionnels aux petites mains. Prenez par exemple les enfants prodiges. Ou bien Lee Shaw, la « First Lady du jazz », qui était exceptionnelle du haut de ses 89 printemps et moins d’1 m 50 !Pour l’instant, cherchez des morceaux qui ne comportent pas de notes jouées simultanément séparées de plus d’une octave, ni de gros accords à cinq notes. Les morceaux aux phrasés rapides et proches conviendront très bien. Ils vous sembleront peut-être même plus faciles que si vous aviez de grandes mains. Les sauts de touches éloignés et rapides peuvent sembler difficiles pour le moment, mais essayez de vous habituer à les jouer, car c'est une technique utile pour apprendre à étirer les petites mains. Apprenez à jouer du pianoCommencer maintenant
0 14 célèbres morceaux classiques pour piano …
La musique classique occupe une place essentielle dans le répertoire des pianistes. Plus qu’une tradition, elle a eu des influences sur tous les genres. Schubert est crédité de la première chanson avec une structure couplet-refrain et les origines du jazz remonteraient à Bach. En plus de vous faire progresser, jouer des morceaux classiques vous permettra d’enrichir vos connaissances musicales.Remarque : Par souci de simplicité, nous utilisons le terme Classique pour désigner la musique des époques Baroque, Classique et Romantique. Cet usage n’est pas vraiment académique, mais c'est un raccourci facile pour commencer.Voici une sélection de 14 morceaux allant de l'époque Baroque à la période Romantique. Si vous avez appris à jouer du piano dans votre enfance, la plupart de ces titres vous seront familiers. Cette sélection non exhaustive vous donnera un excellent répertoire de départ. Vous pourrez retrouver tous les morceaux sur ilearnmusic.org. Apprenez à jouer du pianoCommencer maintenant Canon en ré - Johann PachelbelUn canon est une pièce où la mélodie est reprise par d’autres voix de manière différée. Ce morceau est techniquement un « canon accompagné » car il inclut d'autres mélodies qui se construisent pour créer une texture riche, même lorsqu'il est joué en solo au piano.Le Canon en ré a été populaire du vivant de Pachelbel à la fin des années 1600. Il a ensuite été oublié avant d’être redécouvert dans les années 60. La progression distinctive de huit mesures a été reprise sous de nombreuses formes par des artistes rock et pop, tandis que la composition originale de la pièce est devenue un classique lors des mariages.(Consultez notre article sur les Chansons de Mariage pour savoir comment nos experts ont combiné le Canon en ré avec des chansons classiques pour créer des morceaux uniques).Prélude n°1 en do majeur - Johann Sebastian BachBach reste une référence absolue, non seulement pour sa maîtrise technique, mais aussi pour sa capacité à inspirer de nouveaux pianistes. Le Prélude n°1 en do majeur est la première œuvre de sa collection « Le Clavier bien tempéré » créée « au profit et à l'usage de la jeunesse musicale désireuse d’apprendre ».L’envi d’apprendre et de jouer vous aidera à développer un rythme plus naturel, perfectionner votre doigté et améliorer votre rythme. Plus qu'un simple exercice, la structure de cette pièce composée d'accords cassés montants est magnifique.Sonate en do majeur - Wolfgang Amadeus MozartEnfant prodige, Mozart est devenu l’un des compositeurs classiques les plus respectés de tous les temps. Prolifique malgré sa mort prématurée à 35 ans, il a laissé derrière lui de nombreux morceaux qui ne furent publiés que des décennies après sa mort, comme cette Sonate en do majeur.Mozart a mentionné que ce morceau a été composé « pour les débutants ». Il a en effet été utilisé dans des cours de piano pour débutants pendant des siècles. La combinaison d’accords cassés de la main gauche avec la mélodie de la main droite aidera à développer votre coordination.Une petite musique de nuit - Sérénade n°13 - Wolfgang Amadeus MozartNous ne pouvions pas limiter cette sélection à une seule pièce de Mozart. Écrite à la base pour un quintette à cordes, cette sérénade a été divinement arrangée pour le piano. Son thème joyeux et émouvant reste dans toutes les mémoires.Sonate au Clair de lune - Ludwig van BeethovenBeethoven est également considéré comme l'un des plus grands compositeurs de tous les temps. Et c’est un véritable exploit quand on sait qu'il a écrit une grande partie de son œuvre en étant partiellement (ou totalement) sourd.Intitulée à l’origine « Presque une Fantaisie », la Sonate au Clair de lune est un morceau calme, onirique et délicat. Cette pièce fait l'objet d'un débat entre les pianistes modernes sur la façon de jouer avec les pédales. En effet, suivre les instructions de Beethoven avec une pédale de sustain moderne peut créer une dissonance lorsque les accords changent. Alors, à moins de jouer sur un piano vieux de 200 ans, allez-y doucement !La Lettre à Élise - Ludwig van BeethovenBeethoven mérite amplement deux mentions dans cette liste. Son travail riche et novateur a couvert les périodes Classique et Romantique.La Lettre à Élise est une bagatelle, c’est-à-dire « une courte composition instrumentale sans prétention ». Douce, avec des arpèges fluides qui relient les mains gauche et droite, la mélodie reflète parfaitement cette description. Comme la Sonate en do majeur de Mozart, ce morceau a été découvert seulement 40 ans après la mort du compositeur. L'identité d’Élise demeure quant à elle inconnue. A-t-elle eu connaissance du chef-d'œuvre qui a été écrit pour elle ?Prélude en mi mineur - Frédéric ChopinMaître dans l’art de faire passer des émotions à travers sa musique, Chopin a écrit ce morceau pour évoquer le désespoir. La dernière indication rythmique de la partition est « smorzando », ce qui signifie « en train de mourir ». Chopin avait également demandé que ce morceau soit joué à ses propres funérailles. Un peu morbide certes, mais cela ne doit pas vous décourager d’apprendre cette pièce gracieuse et raffinée.Liebestraum n°3 - Franz LisztFrantz Liszt explore l’amour sous différentes formes à travers le morceau Liebestraum ou Rêve d’amour. Fluide, magique et onirique, il est issu d'un poème de Ferdinand Freiligrath, mis en musique par Liszt. Parmi les références à la perte, retenez le passage : « Et veille à ce que ton cœur brûle, qu’il soigne l’amour, qu’il porte l’amour. Tant qu’un autre cœur, d’un amour chaud, lui répond de son battement ! »Berceuse de Brahms - Johannes BrahmsCette mélodie est l’une des berceuses les plus célèbres de la musique classique. Pour la petite histoire, Brahms a dédié cette chanson à son amour de jeunesse, à l’occasion de la naissance de son deuxième enfant. Cette berceuse intègre un contre-chant caché que sa bien-aimée lui chantait dans le passé.Le Lac des Cygnes - Piotr TchaïkovskiTchaïkovski est célèbre pour ses grands opéras et ses œuvres intenses et romantiques. Le Lac des Cygnes est un ballet mettant en scène une princesse qui se transforme en cygne le jour et redevient humaine la nuit. Puissamment mélodique, la partition de ce chef-d'œuvre résiste à l'épreuve du temps, même sous la forme d’un arrangement simplifié pour piano solo.Dans l'antre du roi de la montagne - Edvard GriegComposé pour la pièce de théâtre Peer Gynt écrite par l'auteur norvégien Henrik Ibsen, ce morceau correspond au passage où le personnage principal entre dans un monde de rêve. Sarcastique, Edvard Grieg décrit cette musique comme « quelque chose de plutôt terre et terre et pragmatique… de vraiment norvégien ». Un morceau tout simplement ludique et agréable à jouer !Clair de Lune - Claude DebussyCe morceau est une interprétation musicale du poème Clair de Lune de Paul Verlaine. La musique de Debussy reflète le mélange de joie et de tristesse du poème : « Jouant du luth et dansant et quasi, tristes sous leurs déguisements fantasques ». Très expressive, la pièce démarre de façon calme et retenue pour se transformer en une mélodie riche et inspirante.Gymnopédie n° 1 - Erik SatieUn morceau mélancolique et gracieux composé par Erik Satie qui se décrivait comme « phonométricien » (celui qui écrit et mesure les sons) plutôt que musicien. La première Gymnopédie est inspirée par des danses de l’Antiquité grecque.Valse n° 2 - Dmitri ChostakovitchChostakovitch est parfait pour clôturer cette sélection car son style hybride associe des influences de toutes les époques. La Valse n° 2 est certainement la plus célèbre de ses œuvres. Elle réinterprète la théâtralité soviétique de l’époque avec un sentiment de légèreté romantique pour créer une pièce unique.
0 8 chansons de mariage à jouer au piano …
La musique accompagne les moments forts de notre vie. Lors d’un mariage, les chansons permettent de créer une ambiance romantique et de faire passer des émotions, de la cérémonie à la soirée, en passant par l’ouverture de bal. Le choix des morceaux est infiniment vaste mais les chansons sélectionnées doivent avant tout porter des messages d’amour pur et durable, en évitant de parler de chagrins et de regrets.Découvrez notre sélection des plus belles chansons de mariage au piano, à retrouver sur ilearnmusic.org. Certaines d’entre elles possèdent une version spéciale mariage crée par nos partenaires de talent. C’est le moment de déclarer votre amour en chanson !Chœur des fiançailles - Richard WagnerAppelé aussi Marche nuptiale, le Chœur des fiançailles de Wagner est devenu la musique officielle des mariés à travers le monde. Généralement utilisé pour accompagner l’entrée de ces derniers, le Chœur des fiançailles fait partie des classiques à apprendre pour une cérémonie.Marche nuptiale - Felix Mendelssohn BartholdyAlors que le Chœur des fiançailles est habituellement joué pour l’entrée des mariés, la Marche nuptiale de Mendelssohn est la musique de sortie. Grandiose et dramatique, la mélodie retentit de manière somptueuse dans une église ou une grande salle. Cette pièce comporte une dimension théâtrale car elle a été composée pour accompagner l’ouverture du Songe d'une nuit d’été de Shakespeare.Canon in D - Johann PachelbelÉcrite par Pachelbel à la fin des années 1600, cette musique de chambre accompagne traditionnellement le moment solennel de la réception. Oublié pendant plusieurs siècles, Johann Pachelbel a été redécouvert dans les années 60. La version originale de son morceau est jouée dans de nombreuses cérémonies.Pour l’occasion, le pianiste-compositeur Paul Hankinson a créé des arrangements pour mariage qui associent ce grand classique aux trois chansons suivantes de notre liste.Can’t Help Falling in Love (Wedding Version) - Elvis Presley, Bach, PachelbelLe refrain de cette chanson retranscrit ce qu’un couple se promet le jour de son mariage : « Take my hand, take my whole life too, for I can't help falling in love with you ». Ce morceau est souvent utilisé pour accompagner la première danse traditionnelle des mariés. Sur ilearnmusic.org, vous trouverez sa version mariage qui associe Can’t Help Falling in Love à d’autres grands classiques : le Canon de Pachelbel et l’Air de Bach.La mélodie Can’t Help Falling in Love s’inspire de la chanson française Plaisir d’amour. Bien qu'elle ait été principalement reprise par des chanteurs masculins, elle a été écrite à l'origine pour une femme. Ce qui explique peut-être pourquoi « Would it be a sin » ne rime pas avec « in love with you » mais plutôt « in love with him ».A Thousand Years (Version Mariage) - Christina Perri, Bach, Gounod, PachelbelAvec des paroles comme « I have loved you for a thousand years and I'll love you for a thousand more », cette chanson de Christina Perri est une magnifique déclaration d’amour. Même sans paroles, le message passe dès les premières notes de piano. Ce morceau à retrouver sur ilearnmusic.org est un arrangement spécial mariage qui combine A Thousand Years avec l’Ave Maria de Gounod et le Canon en ré de Pachelbel.Thinking Out Loud (Version Mariage) - Ed Sheeran, Pachelbel, WagnerTitre le plus récent de cette liste, Thinking Out Loud est devenu une référence pour les ouvertures de bal. Une grande partie de la chanson évoque les vœux de mariage avec des paroles comme « Darling I’ll be loving you until we’re seventy » et « I fall in love with you every single day ».La Version Mariage de notre application entremêle cette chanson avec le Chœur des fiançailles de Wagner et l’incontournable Canon de Pachelbel.Can You Feel the Love Tonight - Elton JohnCette chanson est parfaite pour avoir l’impression de vivre dans un film Disney.Pour un mariage, évitez la version cinématographique chantée par les personnages du Roi Lion, qui se termine par « In short, our pal is doomed » (« en bref, notre pote est condamné »). Optez pour la version d'Elton John avec des paroles ultra romantiques : « When the heart of this star-crossed voyager beats in time with yours ».All of Me - John LegendLa chanson All of Me réussit à parler d'amour pur et inconditionnel sans pour autant être trop fleur bleue. Non seulement John Legend évoque les sentiments amoureux du quotidien, mais il décrit parfaitement ce que représente le mariage et l’union de deux personnes : « I give you all of me. And you give me all of you ». Préparez les mouchoirs…
0 Pourquoi savoir jouer du piano vous aide à mieux réussir dans la vie …
Saviez-vous que lorsque vous apprenez à jouer du piano, vous développez des capacités, qui vous aident à mieux réussir dans d'autres domaines de la vie, par exemple dans vos études ou votre parcours professionnel ? En effet, plusieurs études ont montré qu'il existe un lien direct entre les cours de musique et le succès dans le monde du travail. En voici un exemple : Article issu du New York Times .Comment se fait-il que les musiciens réussisent mieux dans la vie ? Nous avons relevé ci-dessous six capacités primordiales que vous entraînez quand vous apprenez le piano.1. Jouer du piano augmente votre capacité de concentrationLorsque vous jouez du piano, vous devez prêter attention à de nombreux éléments, tels que le rythme, la hauteur des sons, le tempo, la valeur des notes, etc. Dans la pratique, vous effectuez un véritable exercice de concentration pendant que vous jouez les chansons que vous aimez.Des études ont d'ailleurs montré qu'à chaque fois qu'un musicien s'empare de son instrument, un véritable feu d'artifice se déclenche dans son cerveau (si vous souhaitez en savoir plus sur ce sujet, nous vous invitons à regarder la vidéo suivante : Ted Talk).2. Jouer du piano vous apprend à développer votre persévéranceApprendre un nouveau morceau ou une nouvelle chanson demande du temps et un bonne dose d'efforts. Avant d'arriver à jouer une chanson par cœur et de manière fluide, vous avez besoin de vous entraîner pendant quelques semaines. La simple idée de pouvoir un jour jouer la chanson que vous travaillez stimule votre motivation. Ceci vous apprend à être patient et augmente votre persévérence. Cette capacité vous est particulièrement utile lorsque vous vous retrouvez confronté à des tâches difficiles à l'université ou au travail.3. Jouer du piano vous rend plus disciplinéApprendre à jouer du piano est un véritable défi. Une pratique régulière et un travail intense augmentent non seulement votre persévérance, mais vous aident également à devenir plus discipliné. Certains passages de chansons nécessitent davantage de travail de votre part. Pour l'apprentissage du piano, il existe une clé “magique” vers le succès. Bien sûr, je vais vous la dévoiler. La clé du succès est la pratique, la pratique, la pratique.Travailler régulièrement son piano demande de la discipline. Au début, il se peut qu'une telle rigueur vous semble difficile. Vous pouvez vous encourager en pensant à vous offrir une petite récompense une fois que vous avez atteint un objectif. Avec le temps, vous vous habituerez à une pratique régulière et il ne vous semblera plus compliqué de respecter vos horaires de travail du piano.4. Jouer du piano améliore votre gestion du tempsBeaucoup d'entre nous ont un emploi du temps très chargé. Malheureusement, les scientifiques n'ont pas encore trouvé de moyen de rallonger nos journées de 24 heures. Pour avoir le temps de gérer toutes vos activités, vous devez donc bien vous organiser. En vous habituant à travailler régulièrement votre piano, vous apprenez également à utiliser votre temps de manière productive. De ce point de vue, 20 petites minutes de battement entre deux activités peuvent être employées pour une session de piano.5. Jouer du piano améliore votre intelligence émotionnelleJouer du piano optimise votre capacité d'écoute. Cette qualité est très importante lorsque vous interagissez avec autrui. Vous ne communiquez pas seulement vos sentiments à travers vos expressions de visage, votre langage corporel, mais aussi à travers l'intonation, la mélodie et le rythme de votre voix. Quiconque joue d'un instrument est aussi un auditeur plus attentif. Il n'est donc pas surprenant que des études aient révélé que les musiciens ressentent mieux les émotions des autres et sont plus aptes à les interpréter que les non-musiciens.6. Jouer du piano entraîne votre mémoireJouer du piano stimule votre cerveau. Pendant que vous vous entraînez à jouer vos chansons préférées, les régions de votre cerveau qui sont stimulées s'élargissent et deviennent plus actives. En particulier les régions qui sont responsables du stockage des informations auditives sont nettement plus développées chez les musiciens que chez les non-musiciens.Lorsque vous jouez du piano, vous améliorez donc votre capacité à traiter les informations acoustiques. De ce fait, vous vous retrouvez bien plus rarement dans une situation ou vous devez sortir une phrase de la sorte : “Désolé, peut-être que tu m'as déjà raconté ça, mais je ne m'en rappelle plus...”.N'est-il pas fascinant de voir tout ce que l'apprentissage du piano vous apporte ? Si vous cherchiez une bonne raison de vous mettre au piano, vous en avez à présent plusieurs sous les yeux. :-)
0 Les morceaux de piano faciles qui donnent envie de jouer …
Quand on commence à jouer du piano, il n'est pas évident de trouver des chansons faciles à jouer mais qui ne soient pas soporifiques pour autant. Vous avez probablement envie de jouer des chansons pop ou des grands morceaux classiques, mais ils sont souvent trop difficiles pour les débutants. Ne vous inquiétez pas, nous avons une bonne nouvelle à vous annoncer.En réalité, il est tout à fait possible de commencer directement à jouer les chansons qui vous plaisent. Il vous suffit juste de trouver une transcription simplifée de ces chansons de bonne qualité ET adaptée aux débutants. Cet article a pour objectif de vous aider à dénicher ces perles rares et vous procure également une liste de titres qui conviennent parfaitement pour débuter le piano. Apprenez à jouer du pianoCommencer maintenant Six facteurs à prendre en compte lorsque vous cherchez des chansons faciles à jouer au pianoEn tant que débutant, vous avez certainement du mal à déterminer si le titre que vous avez sous les yeux ou que vous écoutez est facile à jouer au piano. Cependant, il existe quelques points de repère qui vous permettent de distinguer le niveau de difficulté d'une chanson.1. Le niveau d'indépendance des mainsPlus vous devez jouer avec les deux mains en même temps, plus votre cerveau a du mal à coordonner les mouvements de chacune de vos mains. Les chansons faciles à jouer au piano disposent pour la plupart d'un accompagnement simple à la main gauche, composé de quelques accords ou de notes seules. La main droite joue la mélodie. Si vous observez une partition, vous voyez que la portée inférieure correspond toujours à la main gauche. Il est donc conseillé que vous cherchiez des chansons qui ont peu de notes sur ces portées.2. Le degré de mouvement des mainsPlus votre main a besoin de faire des sauts ou le grand écart pour jouer une chanson, plus celle-ci est difficile à jouer. En regardant des vidéos de pianistes qui interprètent une chanson, vous pouvez facilement repérer si les mains sautent beaucoup ou non.Si vous avez la partition de la chanson, vous pouvez identifier les sauts de mains en regardant les notes. Pas de panique, il n'y a pas besoin d'être un as du solfège pour y arriver. Il vous suffit de regarder si les notes sont proches les unes des autres sur la portée ou si, au contraire, elles sont très espacées. Prenez comme principe de base que toutes les notes jouées par une main doivent être à peu près positionnées dans la même octave. Essayez donc de trouver des chansons où les notes ne sont pas trop éloignées les unes des autres.Exemple d'une chanson facile à jouer au piano : faible degré de mouvement des mains et accords basiques.Exemple d'une chanson difficile à jouer au piano : de nombreuses notes espacées sur la portée pour chacune des mains.3. Le rythmeLe schéma rythmique est un autre facteur qui détermine si une chanson est facile à jouer au piano ou non. Les rythmes compliqués contiennent beaucoup de contretemps ou de valeurs impaires, telles que les notes pointées ou les triolets.´Vous pouvez repérer ces éléments en parcourant la partition.4. La longueur de la chansonIl s'agit ici davantage d'un facteur de motivation plutôt que d'une estimation du niveau de difficulté. Si la chanson est très longue, vous aurez sûrement besoin de plusieurs semaines, voire de plusieurs mois, pour l'apprendre en entier. À la longue, cela peut être très frustrant, c'est pourquoi il vaut mieux que vous cherchiez un arrangement qui ne contient pas plus de 50 portées. Toutefois, ne prenez pas cette règle au pied de la lettre. Si la chanson que vous désirez jouer comporte 80 portées, vous pouvez vous lancer. Par ailleurs, vous pouvez aussi apprendre un seul passage d'une chanson et mettre de côté le reste.5. Le tempoEn géneral, les chansons de piano faciles ne nécessitent pas que vous jouiez à un tempo rapide. Quand vous débutez, vos doigts doivent s'habituer à des mouvements succints. Il vaut donc mieux que vous commenciez à jouer lentement et que vous accélériez ensuite progressivement le tempo.Comment savoir si une chanson requiert des mouvement de doigts trop rapides pour un débutant ? La règle de base est d'éviter les chansons qui comportent de nombreuses doubles-croches ou d'autres valeurs encore plus brèves. Ce sont les notes qui disposent de deux crochets et qui sont liées avec deux traits ou plus. Le moyen plus simple pour repérer cela dans une chanson est bien sûr de regarder une vidéo qui montre un pianiste en train de la jouer.6. Les feintesLes chansons faciles à jouer au piano contiennent en général très peu, voire pas du tout de feintes. Elles correspondent aux notes que vous jouez avec les touches noires du piano (Il existe des exceptions à cette règle, mais vous aurez le temps de les connaître plus tard).Les feintes sont indiquées soit pas un symbole qui ressemble à la lettre “b”, soit par un signe dièze “#”. Les feintes qui figurent au début d'une chanson sont appelées “armure”. Celles-ci affectent TOUTES les notes de la chanson et elle ne réapparaissent plus par la suite sur la partition pour vous le rappeler. Les feintes peuvent aussi apparaître en plein milieu d'une chanson. Si le cas se présente, elles affectent l'ensemble des notes de la portée où elles figurent. Comme vous pouvez le constater, les feintes sont très compliquées. Il est donc préférable que vous les évitiez au tout début. :-)
0 Jouez des milliers de chansons avec 4 accords au piano …
C’est incroyable et pourtant vrai : la plupart des chansons pop sont basées sur un schéma rythmique facile, qui se répète. Il est en effet possible de jouer de nombreux hits mondiaux avec seulement quatre accords. Dans cet article, nous allons voir en trois étapes comment jouer les chansons les plus connues à l’aide de simples suites d’accords. Apprenez à jouer du pianoCommencer maintenant Étape 1 : quatre accords de base à apprendre par cœurLa majeur partie des chansons pop sont basées sur une même combinaison d’accords de base, qu’on appelle la combinaison 1-5-6-4. Mais pourquoi les chansons ont-elles toutes une sonorité différente ? La réponse est simple : cette combinaison est jouée dans une autre tonalité et à un autre rythme selon la chanson. Cependant, le schéma, lui, reste le même.Pour une question de simplicité, nous allons vous montrer cette combinaison en do majeur. Vous pourrez ensuite la transposer dans une autre tonalité si vous le souhaitez afin d'ajouter des variations à votre jeu.La suite d’accords est composée de quatre accords différents :Do majeur (“C”)Sol majeur (“G”)La mineur (“Am”)Fa majeur (“F”)Dans la vidéo ci-dessous, vous allez voir comment jouer ces quatre accords avec la main gauche. Accordez-vous environ 15 à 20 minutes pour mémoriser ces accords jusqu'à parvenir à les jouer facilement. Avant d'aller plus loin, assurez-vous de d'abord réussir à jouer ces quatre accords avec la main gauche sans avoir à regarder les touches. .hytPlayerWrap{display:inline-block;position:relative}.hytPlayerWrap.ended::after{content:"";position:absolute;top:0;left:0;bottom:0;right:0;cursor:pointer;background-color:black;background-repeat:no-repeat;background-position:center;background-size:64px 64px;background-image:url(data:image/svg+xml;utf8;base64,PHN2ZyB4bWxucz0iaHR0cDovL3d3dy53My5vcmcvMjAwMC9zdmciIHdpZHRoPSIxMjgiIGhlaWdodD0iMTI4IiB2aWV3Qm94PSIwIDAgNTEwIDUxMCI+PHBhdGggZD0iTTI1NSAxMDJWMEwxMjcuNSAxMjcuNSAyNTUgMjU1VjE1M2M4NC4xNSAwIDE1MyA2OC44NSAxNTMgMTUzcy02OC44NSAxNTMtMTUzIDE1My0xNTMtNjguODUtMTUzLTE1M0g1MWMwIDExMi4yIDkxLjggMjA0IDIwNCAyMDRzMjA0LTkxLjggMjA0LTIwNC05MS44LTIwNC0yMDQtMjA0eiIgZmlsbD0iI0ZGRiIvPjwvc3ZnPg==)}.hytPlayerWrap.paused::after{content:"";position:absolute;top:70px;left:0;bottom:50px;right:0;cursor:pointer;background-color:black;background-repeat:no-repeat;background-position:center;background-size:40px 40px;background-image:url(data:image/svg+xml;utf8;base64,PHN2ZyB4bWxucz0iaHR0cDovL3d3dy53My5vcmcvMjAwMC9zdmciIHZlcnNpb249IjEiIHdpZHRoPSIxNzA2LjY2NyIgaGVpZ2h0PSIxNzA2LjY2NyIgdmlld0JveD0iMCAwIDEyODAgMTI4MCI+PHBhdGggZD0iTTE1Ny42MzUgMi45ODRMMTI2MC45NzkgNjQwIDE1Ny42MzUgMTI3Ny4wMTZ6IiBmaWxsPSIjZmZmIi8+PC9zdmc+)} Étape 2 : trouver la mélodie des chansons Si vous réussissez à jouer les quatre accords de base avec la main gauche, la moitié du travail est déjà effectuée. Maintenant, il est temps de venir ajouter la mélodie de la chanson avec la main droite. Pour que la mélodie s’accorde avec les quatre accords, il faut qu’elle soit composée uniquement de touches blanches. Pourquoi ? La raison est la tonalité. Comme la tonalité des accords est en do majeur, la mélodie doit, elle aussi, être jouée en do majeur. Et la tonalité en do majeur est uniquement jouée avec des touches blanches.Le plus simple est de choisir une mélodie que vous connaissez déjà bien et que vous êtes capable de fredonner. Essayez de jouer cette mélodie seulement avec les touches blanches, et avec la main droite uniquement pour le moment. Pas de panique si tout sonne faux, il est complètement normal de faire des erreurs au début. Il n’y a qu’avec de l’entraînement que l’on peut progresser. Ne vous découragez pas et répétez de courtes parties plusieurs fois, jusqu’à savoir les jouer. Après quelques essais vous y parviendrez et vous aurez trouvé l'ensemble de la mélodie, ou du moins le fil conducteur.Étape 3 : jouer les accords et la mélodie en même tempsUne fois que vous savez jouer la mélodie ou des parties de la mélodie avec la main droite, essayez de jouer en même temps les accords avec la main gauche. Le plus important est de trouver le premier accord. Il s’agit souvent de l’accord en do majeur, cependant, il se peut que des mélodies commencent avec un autre accord ou une autre suite d’accords.Si le jeu simultané entre la mélodie et l'accord sonne bien, il est très probable que le prochain accord dans la suite d’accords sonnera bien, lui aussi, avec le reste de la mélodie.On peut ajuster le rythme de la suite d’accords en fonction de la chanson. Il y a par exemple des chansons pour lesquelles jouer chaque accord deux fois sonne mieux. Faites des essais pour arriver au résultat désiré.Conseil : si les accords évoqués à la première étape ne sonnent pas juste, vous pouvez également jouer une autre suite comprenant les mêmes accords mais dans un ordre différent. Par exemple, au lieu de jouer do majeur, sol majeur, la mineur et fa majeur, vous pouvez jouer do majeur, la mineur, fa majeur, do majeur, ou bien une autre suite.Grâce à toutes les combinaisons offertes par les quatre accords de base, il est véritablement possible d’accompagner des milliers de chansons mondialement connues. C’est tellement impressionnant qu’on en vient à se demander pourquoi on n’y avait pas pensé avant.Cet article vous a plu ?Alors n'hésitez pas à vous inscrire dans l'une de nos écoles. Vous y apprendrez des centaines de chansons que vous pourrez jouer facilement au piano, mais aussi des leçons sur les techniques de jeu, les accords, la lectures de notes et bien plus encore.
0 10 violonistes connus dans le monde ...
Le violon est sans conteste l'instrument de musique de prestige le plus connu. Instrument à cordes le plus petit de sa famille, avec la tessiture la plus aigüe, il se bonifie avec le temps et se transmet au fil des ans de mains en mains auprès des artistes les plus talentueux. Mais qui sont les violonistes de talent dans le monde qui font rêver le public par le jeu ? Nous avons sélectionné douze artistes de renom qu'il est urgent de découvrir si vous ne les connaissez pas encore ! Quel que soit leur genre et leurs origines, ces musiciens et musiciennes incroyables partagent la même passion pour la musique et en particulier le violon, pratique dans laquelle ils excellent et sont reconnus à travers le monde. Découvrez leur parcours en lisant notre article ! Qui est Antonio VIVALDI, compositeur connu dans le monde entier ? Antonio VIVALDI, né le 4 mars 1678 à Venise, est un compositeur et violoniste italien virtuose du 17ème siècle dont l’œuvre a traversé le temps. Connu comme l’un des plus grandioses compositeurs de l’époque baroque, il est l’initiateur du concerto de soliste. Il découvrit le violon par le biais de son père lui-même violoniste amateur. Etant barbier, ce dernier jouait pour ses clients avant de devenir violoniste professionnel en 1685 au sein de la basilique Saint Marc. Antonio apprend donc à manier l’archet auprès de son père qui lui donne des cours de violon. C’est ainsi qu’il se révèle être un véritable prodige, assez talentueux pour remplacer son père qui le dirige vers une carrière de prêtre dans l’espoir qu’il puisse poursuivre une carrière, non par vocation d’Antonio. En 1703, il est engagé dans La Pieta, un établissement qui sert d’hospice, d’orphelinat et de conservatoire de musique à la fois pour donner des leçons de violon aux pensionnaires féminines. L’orchestre et le chœur de La Pieta recrutait ses membres directement auprès des étudiantes de Vivaldi et disposait d’une renommée internationale. C’est auprès de cet orchestre que Vivaldi développera son talent pour la composition puisqu’il sera chargé d’en produire des nouvelles régulièrement pour les musiciennes de l’orchestre. Vivaldi est parmi les compositeurs les plus prolifique et, bien que décrié par nombreux musiciens qui lui reprochent d’avoir plagié ses propres compositions, il a laissé de nombreuses preuves de son talent notamment Les Quatre Saisons. Plus que n’importe quel autre compositeur, Antonio Vivaldi ne s’est pas contenté d’écrire pour son instrument mais a au contraire composé pour une grande variété d’instruments de musique. Il a certes composé de nombreux concertos pour violon, mais il a également créé des compositions intégrant des instruments tels que le violoncelle, le hautbois, la flute à bec, la flute traversière, la mandoline, la clarinette et tout autre instrument que l’orchestre de La Pieta mettait à la disposition de étudiantes pour les cours de musique. C’est en effet grâce à sa place au sein de cette institution qu’il a pu profiter d’entrainer son talent de compositeur. Qui est Ginette NEVEU, violoniste française ? Vous ne connaissez pas Ginette Neveu ? Elle est pourtant considérée comme une véritable légende du violon, dont la vie a été malheureusement écourtée par le crash d’un avion qui la transportait, accompagnée du grand amour d’Edith Piaf et d’autres célébrités. C’est certainement sa tragique disparition qui a mis son grand talent et sa carrière intense en exergue. Née en 1919 en France, elle est très tôt confrontée au monde de la musique puisque sa mère est professeure de violon et lui apprend à maitriser l’instrument au travers de nombreux cours de musique. Elle interprète son premier récital alors qu’elle n’a que cinq ans et demi et interprète son premier concerto en sol mineur à Paris alors qu’elle est âgée de huit ans. Elle remporte en 1928 le premier prix de l’Ecole supérieure de musique de Paris ainsi que le prix d’honneur de la ville. Elle intègre ensuite le conservatoire à l’âge de onze ans et y remporte le premier prix de violon, à peine un an après. A seize ans, en 1935, elle obtient le premier prix du Concours International d’Henryk-Wieniawski de Varsovie. Elle refusera quelques années plus tard des propositions d’interprétations en Allemagne à cause de la guerre qui s’amorce et préfère continuer de jouer avec son frère, pianiste talentueux qu’elle choisit pour être son partenaire officiel et avec qui elle enregistrera la Sonate pour violon et piano de Debussy. Lorsque la guerre prend fin, elle est sollicitée par de nombreux chefs d’orchestre qui admirent ses talents de soliste. En 1949, elle meurt en plein milieu d’une carrière incroyable qu’elle s’apprêtait à poursuivre aux Etats-Unis. Qui est Erika MORINI, violoniste autrichienne ? Erika Morini est une violoniste autrichienne née en 1904 à Vienne et décédée en 1995 à New York. Membre d’une famille passionnée par la musique, elle partage entre autres sa passion avec une sœur pianiste qui l’accompagne à certains concerts, une autre sœur violoniste et un frère pianiste et organisateur de concerts. C’est son père qui lui donne des cours de violon puisqu’il est directeur d’une école de musique et donne des cours de musique à ses fils. C’est lors de ces leçons de musique pour ses frères que le talent d’Erika est repéré par son père. Elle peut en effet chanter les bonnes notes et les jouer au piano en les ayant simplement entendu. Son oreille absolue et sa précocité lui permettent de jouer pour l’empereur François Joseph à l’âge de cinq ans lors d’une grande fête. A l’âge de huit ans elle rejoint le conservatoire de Vienne au sein duquel elle poursuit ses études et devient ainsi la première femme a étudier le violon dans l’établissement. Elle joue ensuite pour l’orchestre philarmonique de Berlin et qualifiera cette prestation d’expérience la plus importante de sa vie, tandis que les critiques la qualifieront comme la plus célèbre de sa génération. Récompensée de nombreuses fois, Erika est faite docteur honoris causa de plusieurs instituations, la première fois au Massachusetts et la seconde fois à Boston. Elle est également récompensée par une médaille d’or en 1976 par la ville de New-York pour célébrer sa carrière. Malgré son immense talent, Erika est une femme violoniste peu connue à l’heure actuelle. Qui est Abdo DAJHER, violoniste connu à l'international ? Abdo, né en 1936 en Egypte est une véritable légende du violon, rapidement encensé grâce à sa virtuosité. D’abord joueur de luth, il découvre le violon en écoutant le violoniste classique David Oistrakh. C’est alors qu’il se lance dans l’apprentissage du violon contre l’avis de son père, à seulement sept ans. Son frère est également violoniste et réputé pour être un très bon luthier auxquels les meilleurs violonistes du monde souhaitent confier leur instrument pour le voir sublimé. Engagé dans de prestigieux orchestres arabes, dont celui d’Umm Kalthumm, Abdo ne commence à se faire connaitre à l’international qu’à partir de 1992. Il joue alors en France, aux Pays-Bas, en Allemagne et en Espagne où il devient rapidement un violoniste connu du public. Son talent est tel qu’il en vient enseigner le violon et à donner des ateliers de formation pour les musiciens en herbe. Il donne également de très nombreux concerts en Allemagne, en Autriche, en Suisse, en France, en Italie, en Espagne et au Qatar. Sa technique et son style très particulier, son talent pour l’improvisation et l’intensité de ses interprétations font de lui un violoniste réputé dans le monde. Qui est Lindsey STIRLING, musicienne de talent ? Née en Californie en 1986, Lindsey est une jeune violoniste connue découvre la musique classique grâce à ses parents et demande rapidement à apprendre à jouer du violon. Elle débute les cours de violon à l’âge de six ans et reçoit une formation classique pendant douze ans. A l’âge de seize ans, elle intègre un groupe de rock créé avec ses meilleurs amis. Elle compose à ce moment là un solo violon rock qui lui permet de remporter deux prix. Elle poursuit l’apprentissage du violon tout en accomplissant plusieurs missions pour une église. Alors qu’elle est âgée de vingt-trois ans, elle participe à l’émission America’s Got Talent pour la cinquième saison. C’est à cette occasion qu’un des jurés lui dit que son style de jeu n’est pas fait pour jouer en solo et qu’elle n’a pas assez de talent pour remplir une salle de concert. Cet échange est porteur d’une grosse déception pour Lindsey mais est aussi un moteur pour poursuivre son apprentissage. Elle déclare « C’était douloureux et humiliant mais j’ai dû réapprendre à puiser dans mes forces ». Elle décide donc de poursuivre ses efforts et de persévérer en restant fidèle à elle-même malgré les critiques. Elle décide donc d’entamer une carrière en solo et les vidéos qu’elle poste sur les réseaux de ses interprétations la font bientôt connaitre, elles sont d’ailleurs visionnées plusieurs dizaines de millions de fois ! Elle sort son premier album en 2012 et débute sa première tournée en Amérique du Nord. Elle donnera ensuite son premier concert en France l’année suivante. Fin 2014, elle sort un album intitulé Shatter qui fait de très bonnes ventes, l’album atteint en effet la première place des ventes sur Itunes. Lindsey est une femme violoniste reconnue à présent dont la polyvalence de la musique est impressionnante. Elle joue du violon classique mais passe également par la musique pop et rock, ce qui maximise son succès. Elle a eu l’occasion de jouer avec des grands artistes tels que Pentatonix, John Legend, Céline Dion, Evanescence et bien d’autres. Qui est Didier Lockwood, violoniste jazz-rock ? Didier Lockwood est un violoniste français connu né en 1956 à Calais jouant surtout du jazz. Né dans une famille de musiciens, il reçoit des cours de musique par son père lui-même professeur de violon. Son frère Francis prend quant à lui des cours de piano et devient pianiste de jazz. Didier et lui enregistreront un album ensemble qui porte leur nom. Didier rejoint un orchestre lyrique à l’âge de treize ans et remporte les premiers prix du conservatoire de Calais en 1972 pour une composition au violon. Grand amoureux de la musique classique, il se dirige toutefois vers le jazz motivé par son frère qui porte un intérêt sérieux au jazz. Didier rejoint donc un groupe de jazz-rock en 1974 plutôt que d’essayer d’intégrer le conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris. Le talentueux violoniste moderne est plus tard repéré par Stéphane Grappelli qui lui propose de l’accompagner en tournée ce qui lui permettra d'être connu. A la suite de ces tournées, Didier Lockwood entame une carrière solo. En homme passionné, le violoniste français sort alors plusieurs albums y compris aux Etats-Unis et devient connu dans le monde. L’artiste innove en permanence et se fait remarquer notamment pour ses célèbres solos lors desquels il sublime les effets électroniques pour violon solo. Impliqué dans la transmission de sa passion pour la musique, il créé également une méthode d’improvisation nommée Cordes et âme et une école d’improvisation intitulée Centre des musiques de Didier Lockwood en 2001. Après 2011, il anime le festival Violons croisés et devient le parrain du festival Violons et chants du monde à Calais. En 2018, quelques heures après avoir joué sur scène, il décède d’une crise cardiaque en laissant le monde de la musique en deuil. Ce violoniste actuel reste néanmoins connu et aura sans nul doute marqué les esprits grâce à son talent éclectique. Qui est Vanessa-Maé, violoniste de talent ? Vanessa-Mae Née à Singapour en 1978, Vanessa-Mae est aujourd’hui une femme connue dans le monde entier pour ses talents de violoniste. A la séparation de ses parents, Vanessa-Mae a suivi sa mère qui s’est remariée avec un britannique et elle a vécu toute son enfance à Londres. Elle a débuté la musique à l’âge de 3 ans en prenant des cours de piano puis elle s’est tournée vers le violon à l’âge de cinq ans. Très précoce, elle poursuit ses études musicales en intégrant le conservatoire de Pékin à 8 ans. Cinq ans plus tard, alors qu’elle n’est âgée que de 13 ans, elle devient la plus jeune violoniste soliste connu à l’international grâce à différentes interprétations classiques dont des concertos de Tchaikovski et Beethoven. Dès cet instant, Vanessa-Maé joue au sein de nombreux orchestres de renommée internationale tel que le London Symphony Orchestra ou encore le National Symphony Orchesta. Bien qu’adulée pour ses talents de violoniste classique, Vanessa-Mae se définit plutôt comme une femme violoniste au style éclectique. Elle refuse d’être maintenue dans un genre musical et souhaite au contraire pouvoir jouer tout ce qui lui plaît au violon, sans restriction. Et tandis qu’elle ne souhaite pas choisir entre la musique pop et la musique classique, elle accompagne Scorpions, un groupe d’heavy-metal, sur scène lors d’un épisode de l’émission française Taratata. Elle a également participé à la bande originale du film d’animation Mulan, produit par Disney et a vendu plus de 10 millions de disques dans toute sa carrière jusqu’à présent. Mais cette grande artiste n’est pas que musicienne, elle est aussi sportive de haut niveau et a participé aux Jeux olympiques de Sotchi pour la Thaïlande. Une femme incroyable qui a même eu l’honneur de donner son nom à un astéroïde découvert en 1990. Qui est Nemanja RADULOVIC, artiste franco-serbe ? Né en 1985 en Serbie, Nemanja RADULOVIC est un homme talentueux, violoniste actuel franco-serbe connu à travers le monde. Il commence les cours de violon à l’âge de sept ans et remporte le Prix d’Octobre pour la musique de la ville de Belgrade ainsi que le Prix Spécial du ministère de L’Education de la République Serbe en 1997, un an plus tard. Il continue l’apprentissage du violon en intégrant le Conservatoire de Sarrebuck en 1998. Puis, Il déménage en France à quatorze ans et intègre le Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris. En 2006, alors qu’il est âgé de vingt et un an, le violoniste a l’opportunité de remplacer Maxim Vengerov dans le Concerto de Beethoven avec l’Orchestre philarmonique de Radio France. A partir de ce moment-là, il joue comme soliste international. Invité d’honneur d’évènements musicaux, il gagne en popularité grâce à ses prestations dans des émissions télévisées telles que Vivement Dimanche. Le public peut admirer le talent de l’artiste dans une centaine de concerts par an dans le monde entier. Il joue avec des orchestres et chefs d’orchestres reconnus dans le monde entier et se produit dans les salles de concert prestigieuses. Qui est Karen Khochafian, musicienne française ? Violoniste contemporaine de talent, Karen Khochafian est née dans une famille de musiciens, avec une mère violoniste qui lui transmet sa passion pour cet instrument de musique dès l’âge de six ans. Elle rejoint ensuite l’Ecole nationale d’Evry dont elle sortira diplômée en 1995 et intègre ensuite le Conservatoire à rayonnement régional de Versailles pour poursuivre les cours de musique. Elle reçoit en 1998 une récompense pour son œuvre et remporte la médaille d’or de violon et de musique de chambre. Toujours en 1998, elle remporte le prix du jury d’interprétation de la musique contemporaine. En 2002, elle tient la place de deuxième soliste à l’Orchestre Colonne et en 2003 rejoint l’orchestre Les Solistes français, groupe de musique classique. Elle quitte l’Orchestre Colonne en 2018 tandis que sa carrière se poursuit auprès d’artistes de talents tels que Charles Aznavour, Isabelle Boulay, Johnny Hallyday, et bien d’autres. Fan incontestée de Radulovic, elle avoue être émerveillée par son jeu et souhaite avant tout transmettre de l’émotion à travers son violon. Tandis qu’elle se produit à l’Opéra de Paris, elle est repérée pour participer à l’émission N’oubliez pas les paroles et rejoint l’équipe de musiciens en 2017 et y travaille toujours actuellement. Loin de se limiter à la musique classique, la violoniste incroyable fait également partie d’un groupe intitulé The Free Bows composé uniquement de femmes et qui reprend les tubes de la musique rock. Qui est André RIEU, violoniste hollandais ? Né en 1949, André Rieu est un violoniste actuel hollandais connu dans le monde entier issu d’une famille de musiciens. Initié au violon à l’âge de cinq ans par son père qui est chef d’orchestre, il grandit bercé par la musique classique et développe une véritable passion pour le violon. Il intègre le Conservatoire royal de Liège puis celui de Maastricht jusqu’en 1973 pour finalement poursuivre ses cours de musique au Conservatoire royal de Bruxelles auprès d’André Gertler. Il obtiendra son premier prix en 1977. Malgré un succès international, André Rieu n’est pas encensé par la critique musicale qui lui reproche au contraire un jeu trop populaire et pas assez élitiste. Toutefois, le violoniste souhaite justement rendre la musique accessible au plus grand nombre et loin des considérations élitistes et classistes, il s’adresse au grand public et se produit non pas dans de grandes salles de concert prestigieuses mais dans de grandes salles voire dans des stades tel que le Stade de France. Réputé pour sa façon bien à lui d’interpréter la musique classique, il vend plus de quinze millions de disques et se produit tous les ans dans sa ville de naissance avec son orchestre Johann Strauss, fondé en 1987 avec une quinzaine d'autres musiciens, sur la place du Vrijthof. Comme toujours, ses interprétations sont inoubliables pour le public et mélangent des mélodies classiques avec des comédies musicales et des valses de divers opéras. En 2012, le violoniste récent est connu au point qu'il représente 10% du marché français de la musique classique avec pas loin de trente-deux mille disques vendus à travers le monde. Qui est Kyla-Rose SMITH, artiste sud-africaine ? Kyla-Rose SMITH est une femme née le 10 septembre 1982, violoniste et danseuse sud-africaine. Elle grandit dans une banlieue de Johannesbourg et suit sa formation musicale auprès de l’université du Cap pour étudier la musique classique. Membre du groupe de musique hip-hop Tumi and the Volume ainsi que de la troupe de danse Vuyani Dance Theatre. Surtout reconnue pour son jeu de violoniste et choriste au sein du groupe afro-pop Freshlyground qu’elle intègre en 2003, elle est également reconnue à l’international grâce à de nombreuses tournées en Afrique du sud et ailleurs. Elle remporte de nombreuses récompenses, dont sept fois le South African Music Awards et un MTV Europe Award auquel viennent s’ajouter quatre prix METRO. Outre sa carrière de musicienne, elle développe un intérêt poussé pour l’art de la performance et l’échange entre le musicien et son public. Co-directrice artistique et animatrice pour Hear Be Dragons, elle dirige un projet de cartographie sonore et un programme d’échange artistique qui consiste à mettre en lumière les relations entre le son et la ville et la manière dont ces derniers influencent la qualité de vie des citoyens. Elle organise et produit une grande quantité et variété de pièces artistiques contemporaines d’Afrique du Sud. Réputée comme l’une des plus talentueuses violonistes de sa génération, elle a également fait partie de la session Glamour, division sud-africaine qui lui a permit de jouer de son instrument à cordes aux côtés de Shakira pour la coupe du monde de 2014. Qui est Jasser Haj Youssef, l'unique ? Né en 1980 en Tunisie, Jasser Haj Youssef est un violoniste, compositeur, musicologue et professeur de musique de renommée mondiale. Fils d’un ethnomusicologue, il débute le violon oriental à l’âge de huit ans au sein du Conservatoir de Monastir après avoir appris l’improvisation avec son père. Il poursuit son apprentissage à l’Institut Supérieur de musique de Sousse pour y apprendre le violon classique et la musique de chambre. C’est en 2001 qu’il obtient sa première récompense pour violon classique en remportant le concours de la Meilleure Interprétation musicale arabe. Dès l’âge de quatorze ans, ce prodige du violon partage la scène avec de grands musiciens de son pays et même avec l’Orchestre symphonique tunisien. Il a la chance de perfectionner son jeu auprès des musiciens de renom tels que Michel Portal, L. Subramaniam, Steve Coleman et bien d’autres. A seulement seize ans, il est animateur d’une émission en direct sur Radio Monastir qui porte sur la musique arabe classique et participe à de nombreuses émissions de télé comme soliste et compositeur. En 2003, il poursuit des études en musicologie en Europe et s’impose parmi les solistes les plus talentueux au monde. Il se produit également au siège de l’Unesco, à la Philarmonie de Paris, à l’Opéra de Lille, au musée du Louvre et même à Pétra en présence de 42 lauréats du prix nobelle de la paix et dans d’autres nombreux lieux de prestige. Outre ses talents de musiciens, Jasser est également passionnée par la transmission de sa passion et donne des cours de musique, des masters classe et des conférences dans de nombreux pays tels que les Etats-Unis, la France, le Liban, l’Egypte et bien d’autres. A son talent de violoniste, de professeur de musique et de compositeur, vient s'ajouter son amour pour le jazz et sa pratique de la viole d'amour. Il est en effet le seul musicien à jouer de la musique orientale et du jazz à la viole d'amour, petit instrument à cordes frottées. Que faut-il savoir pour apprendre le violon ? Apprendre le violon, est-ce difficile ? Il est fréquent que les gens hésitent à débuter le violon car cet instrument est réputé pour être l’un des plus difficiles à maitriser. Cette réputation qui freine de nombreux musiciens qui pourraient pourtant devenir des violonistes connus, est surtout due au manche qui ne possède pas de frètes pour repérer les demi-tons. Le violoniste doit donc apprendre par cœur les positions précises des doigts sur le manche afin de jouer juste. De même, la position du violon et le maniement de l’archet sont difficiles pour les débutants et débutantes mais pas impossibles ! Une fois que les difficultés des débuts sont surmontées, ce qui est tout à fait possible pour un musicien ou une musicienne motivée, la progression sera visible et comblera de joie les violonistes. Certes, d’autres instruments tels que le piano ou la guitare permettent de profiter plus rapidement des progrès et donc de s’amuser plus vite en jouant. Néanmoins, c’est aussi la difficulté qui rend le jeu si gratifiant ! C’est d'ailleurs en surmontant les difficultés que l’on prend confiance en soi et que l’on se prouve que l’on est capable de grandes choses comme d'autres violonistes connus à travers le monde. Ainsi, si votre rêve est de jouer du violon, ne vous mettez pas de barrières et lancez-vous ! Comme pour n’importe quel instrument, l’apprentissage est plus facile lorsque l’on débute dans l’enfance et il est possible de commencer le violon dès l’âge de 6 ans. D’autant plus que les enfants sont souvent dépourvus des craintes des adultes donc si vous êtes parents et que vous souhaitez que votre enfant apprenne à jouer de cet instrument, n’hésitez pas, ce serait peut-être l’occasion de découvrir un véritable virtuose du violon qui inscrira son nom dans l’Histoire ! Si vous êtes adulte et que vous souhaitez commencer, ne craignez rien : il est tout à fait jouable de débuter le violon à l’âge adulte si vous y consacrez le temps nécessaire pour vous entrainer régulièrement. Quels styles de musique peut-on jouer au violon ? Si le violon doit son succès à la musique classique qui sublime ses sonorités, il est dommage de croire que c’est le seul style de musique qui sied à cet instrument magique. Il est effectivement incroyable dans des compositions de grands artistes tels que Mozart ou encore dans les œuvres de Vivaldi. Mais son utilisation est très loin de se limiter à la musique classique, bien au contraire ! On retrouve par exemple le son particulier du violon dans la musique tzigane qui en fait même un instrument phare et utilise surtout les glissandos pour exprimer douceur et mélancolie. Le violon est également un instrument utile pour le jazz manouche, inventé par Django Reinhardt et Stéphane Grapelli. La musique celtique est également largement sublimée par le violon et s’applique à faire danser les gens ! Si vous connaissez Lindsey Stirling, vous n’êtes pas sans savoir que le violon peut être utilisé pour jouer n’importe quel style de musique et la musicienne le prouve un peu plus chaque jour en utilisant son instrument fétiche pour jouer notamment du dubstep. Même les rappeurs s’y mettent et savent puiser leur inspiration dans cet instrument pour exprimer leur spleen. La sonorité mélodieuse du violon s’intègre également parfaitement avec la musique rock comme le prouve The Verve avec le morceau Bitter Sweet Symphony. Même les groupes de métal ont su incorporer le violon à leur musique pour y jouer un rôle mélodique, vous aurez donc l’embarras du choix de registre si vous décidez d’apprendre à jouer du violon ! Pourquoi prendre des cours de violon avec nous ? Il n’est pas toujours aisé de trouver un bon professeur de musique, à fortiori quand on n’y connait pas grand-chose ! Comment s’assurer que la personne qui vous prodiguera des cours aura le talent, couplé à la méthode de pédagogie adéquate pour votre enfant ou pour vous ? C’est tout simple : il vous suffit de prendre des cours de violon avec nous ! Vous n’aurez plus qu’à découvrir les spécificités du violon avec joie, sous le regard et grâce aux conseils avisés d’un professionnel de la musique qui saura repérer et travailler avec vous sur vos difficultés tout en valorisant vos progrès et en maintenant votre motivation à son apogée ! Pourquoi vous priver ?
