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0 Les femmes qui ont changé la musique : 15 portraits inspirants ...
Longtemps racontée au masculin, l’histoire de la musique gagne à s’écouter au féminin. Dans cet article, découvrez 15 artistes et compositrices qui ont vraiment fait bouger les lignes, du chant médiéval à la pop, du jazz au hip-hop. Pour chacune : un morceau à écouter et à apprendre (ou à récréer), un repère rapide pour comprendre pourquoi elle compte, et des pistes de travail simples et progressives selon votre instrument (voix, piano/clavier, guitare, cordes, batterie, MAO) et votre niveau. L’idée : prendre du plaisir, nourrir sa curiosité et progresser sans pression, avec des exercices courts, musicaux et motivants. À vous de piocher, d’essayer, d’ajuster… puis de savourer le déclic. 1) Hildegard von Bingen (XIIᵉ) : La visionnaire Moniale et compositrice, Hildegard écrit des chants pour les voix de son abbaye : des mélodies très libres qui suivent d’abord le texte et la respiration, plutôt qu’un rythme carré. La ligne monte haut puis redescend, avec des élans lumineux et quelques ornements discrets pour souligner les mots. Pour l’interpréter aujourd’hui, choisissez une tonalité confortable, installez un souffle long, des voyelles claires et un vibrato tardif ou absent. Laissez la phrase se déployer sans presser, comme une prière qui prend son temps, en vous appuyant si besoin sur un léger bourdon au clavier (une note tenue très douce). L’essentiel est l’écoute : laissez résonner, soignez les fins de mots et laissez le sens guider le phrasé. 2) Barbara Strozzi (1619–1677) : La plume baroque Chanteuse et compositrice vénitienne, Barbara Strozzi écrit un baroque intime où la voix raconte d’abord une histoire. Le texte guide tout : petites pauses, soupirs, élans qui suivent les mots plutôt qu’un métronome rigide. L’accompagnement reste simple et régulier (basse continue qui avance tranquillement), tandis que la mélodie se pare de quelques ornements légers — un mordant, une appoggiature — juste ce qu’il faut pour colorer l’émotion sans la masquer. Pour l’interpréter, pensez souffle souple et diction claire ; laissez la phrase respirer naturellement et placez les rares ornements sur les notes longues ou les fins de cadence. On recherche une proximité avec l’auditeur : une voix qui confie, un accompagnement qui soutient, et un tempo qui se plie au sens des paroles. 3) Lili Boulanger (1893–1918) : Fulgurance française Compositrice française du début du XXᵉ siècle, Lili Boulanger signe des pièces courtes mais intenses, pleines de couleurs et de changements d’humeur. Dans D’un matin de printemps, la musique est vive, les harmonies bougent vite, les motifs se répondent comme des éclats de lumière. À l’interprétation : gardez un phrasé souple, des nuances fines, et une respiration claire. Au piano, pensez pédale légère et écoute des résonances ; aux cordes, des arcs élastiques et des transitions de timbre bien dessinées. 4) Clara Schumann (1819–1896) : Virtuose et compositrice Pianiste phare du romantisme et compositrice, Clara fait chanter le piano comme une voix : mélodie souple à la main droite, accompagnement léger à la main gauche. Son style privilégie la ligne claire, des accents expressifs et des respirations naturelles plutôt qu’une virtuosité gratuite.À l’interprétation : faites ressortir la mélodie (5ᵉ doigt), gardez la main gauche en arrière-plan, adoptez un rubato discret pour porter les phrases, utilisez une pédale propre (changez à chaque harmonie) et soignez la voix intérieure. 5) Ethel Smyth (1858–1944) : La battante Compositrice britannique et figure du mouvement suffragiste, Smyth signe une musique claire, rythmée et collective. The March of the Women avance comme un chant de marche : pulsation régulière, mélodie fière, refrain pensé pour être repris ensemble. À l’interprétation, gardez un tempo ferme sans presser, des consonnes nettes et des respirations communes ; côté accompagnement (guitare ou clavier), des accords simples en binaire suffisent à porter l’élan. 6) Sister Rosetta Tharpe (1915–1973) : La marraine du rock Chanteuse-guitariste pionnière, Sister Rosetta fait passer l’énergie du gospel dans la guitare électrique et pose les bases du rock. Sur This Train, tout part d’un shuffle chaleureux : accents sur 2 & 4 et riff clair qui répond à la voix. Pour jouer ce style, gardez un tempo stable, main droite souple (aller-retour), quelques double-stops et des attaques nettes plutôt que la vitesse ; au clavier, des accords simples qui soutiennent la pulsation, à la batterie un backbeat léger. L’esprit à chercher : call & response, sourire dans le son, et un groove qui avance sans forcer. 7) Billie Holiday (1915–1959) : L’école du phrasé Voix intime, tempo souple : Billie transforme chaque ligne en histoire. Elle place les mots légèrement après le temps, étire certaines syllabes, chuchote d’autres, et laisse des silences qui disent autant que les notes. Sur God Bless the Child, visez un son doux, un vibrato tardif, des consonnes feutrées et des phrases courtes qui respirent naturellement. Accompagnement au piano/guitare : voicings simples, peu de notes, accents sur 2 & 4 — on laisse de la place à la voix pour que le texte mène la danse. 8) Ella Fitzgerald (1917–1996) : L’architecture du swing Timbre clair, justesse impeccable et sens du temps infaillible : Ella fait danser chaque mot. Son swing, c’est un rebond régulier sur 2 & 4, une diction nette et des lignes qui restent lisibles même quand elle improvise. Son scat n’est pas du hasard : elle bâtit de petits motifs (2–4 notes), souvent sur les notes de l’accord, qu’elle varie et fait répondre les uns aux autres, avec des silences qui respirent. Pour How High the Moon, commencez par chanter la mélodie simple à tempo médium (tapez 2 & 4 du pied). Puis improvisez un court passage en scat avec 2–3 syllabes (“da”, “doo”, “ba”), en restant près des notes de base (1–3–5) et en terminant vos phrases proprement. Gardez un son lumineux, un vibrato léger, et laissez la musique sourire. Côté accompagnement, piano/guitare en comping léger, contrebasse en walking régulier, batterie ride ou balais pour porter le balancement sans couvrir. 9) Aretha Franklin (1942–2018) : La souveraine de la soul Nourrie par le gospel, Aretha associe groove, autorité vocale et art du call & response. Dans Respect, tout repose sur le backbeat (accents sur 2 & 4), des phrases courtes qui claquent et quelques blue notes dosées pour la couleur. Chantez avec un soutien solide, des attaques nettes et des réponses de chœurs précises ; laissez des espaces entre les lignes pour que le groove respire.Côté accompagnement : au piano/orga, des stabs simples (accords 6/7ᵉ) sur 2 & 4 ; à la basse, une ligne claire qui anticipe le temps fort ; à la batterie, caisse claire serrée et charley propre ; cuivres, riffs courts et fins de notes ensemble. L’objectif : un pulsé ferme, une énergie positive et ce sourire dans le son. 10) Nina Simone (1933–2003) — conscience et clavier Pianiste-chanteuse au croisement du classique, du gospel et du jazz, Nina sculpte des arrangements simples en apparence mais puissants : une basse obstinée main gauche, des voicings ouverts main droite, et une montée d’intensité qui porte le texte. Sur Feeling Good, gardez un tempo posé, installez le motif de basse sans le presser, puis faites grandir le morceau par paliers (dynamique, densité d’accords, registre). Au piano : pensez voicings 6/9, sus4, pédale propre et crescendos nets. À la voix : placement plutôt grave, attaque droite puis vibrato tardif, diction claire et quelques blue notes bien pesées. Laissez des silences respirer : c’est eux qui donnent l’autorité… et la magie. 11) Joni Mitchell (née en 1943) : La poète des open tunings Autrice-compositrice à la plume très visuelle, Joni laisse la guitare respirer grâce aux accordages ouverts : des cordes qui sonnent plus larges, des couleurs qui changent avec peu de doigts, et une rythmique souple qui suit le texte. Sur Both Sides, Now, visez un arpège régulier et une dynamique douce ; laissez les accords sonner, ne pressez pas le tempo, racontez l’histoire comme un poème. Si l’accordage ouvert vous intimide, restez en standard : capo à la hauteur qui convient à votre voix, formes simples (G, C, Am, Em) et notes “couleur” (2, 4, 6) pour élargir l’harmonie. À la voix : diction claire, vibrato léger, respirations aux virgules du texte. L’objectif : une narration simple et sincère, où chaque image a le temps de se déposer. 12) Carole King (née en 1942) : L’art de la chanson au piano Autrice-compositrice et pianiste, Carole King fait sonner des mélodies naturelles posées sur un piano chaleureux : l’harmonie avance sans effet gratuit, le texte reste au centre, et le groove est souple (un léger rebond sur 2 & 4, façon pop/soul). C’est une écriture qui raconte : on suit la phrase, on laisse respirer, on monte l’intensité au refrain sans forcer. Sur You’ve Got a Friend, gardez un tempo médium. Main gauche : basse simple (fondamentale–quinte, pas conjoints) avec quelques notes de passage. Main droite : voicings serrés (tierces/sixtes), petites suspensions (sus2/sus4) pour colorer, et de légères anticipations pour le flow. Pédale propre (changez à chaque accord). À la voix : diction claire, soutien régulier, dynamique qui grandit vers le refrain ; respirez aux virgules du texte. L’idée : une ballade confiante et simple, où l’on sent le sourire du piano sous la mélodie. 13) Kate Bush (née en 1958) — l’audace pop Autrice, chanteuse et productrice, Kate Bush marie récit, théâtralité et textures électroniques pour une pop qui ose les contrastes. Dans Running Up That Hill, tout part d’un motif de synthé régulier qui installe la pulsation pendant que la voix monte par vagues, entre douceur et tension. Pour l’interpréter, gardez le pouls stable et laissez la dynamique grandir par paliers plutôt que d’accélérer ; au clavier, faites vivre l’ostinato sans le durcir, avec une main gauche simple qui ancre l’harmonie. À la voix, misez sur un mélange poitrine/voix de tête sans forcer les aigus, un vibrato tardif et une diction anglaise claire : les consonnes dessinent le relief, les voyelles filent la ligne. L’esprit à chercher, c’est un élan hypnotique : peu de moyens, beaucoup d’intention, et ce frisson qui naît quand la musique respire. 14) Björk (née en 1965) — expérimentation sensible Björk mêle instruments acoustiques et textures électroniques comme on mêle couleurs : par couches qui respirent, se frottent, puis se résolvent. Dans Jóga, la pulsation est large, presque tectonique ; la mélodie s’y accroche par de grands arcs simples, plus expressifs que virtuoses. Pour l’interpréter, installez d’abord un souffle ample et un tempo posé ; laissez les silences compter autant que les notes. À la voix, attaquez droit, gardez un vibrato tardif et des consonnes nettes pour dessiner le relief du texte ; au clavier ou aux cordes, cherchez des nappes qui portent plutôt que des gestes décoratifs, en faisant monter l’intensité par crescendos doux et changements de timbre. L’objectif n’est pas d’en faire beaucoup, mais de faire juste : peu de matière, beaucoup d’écoute, et cette sensation de paysage sonore qui s’ouvre devant vous. 15) Missy Elliott (née en 1971) — réinvention du hip-hop Rappeuse, autrice et productrice, Missy Elliott transforme le hip-hop avec des beats minimalistes, des syncopes audacieuses et un sens du silence qui fait rebondir chaque phrase. Dans Get Ur Freak On, un riff nerveux répond à une batterie volontairement décalée, et la voix joue en call & response avec ses propres ad-libs : tout est question de placement. Pour l’interpréter, installez d’abord le pouls (tapez 2 & 4 du pied), puis laissez votre flow mordre les consonnes et glisser légèrement derrière le temps sur certaines fins de mots. Côté production/MAO, partez d’un motif simple (riff + kick/snare), résistez à l’envie d’en mettre trop, et créez la tension en éclaircissant l’arrangement : quelques appuis nets, des espaces assumés, un grain de voix proche du micro. L’objectif n’est pas la vitesse, mais le groove malicieux qui donne envie de hocher la tête — cette signature Missy où chaque détail, même minuscule, fait bouger la mesure. Bonus “pionnières du son” Delia Derbyshire : a façonné le Doctor Who Theme sur bandes et oscillateurs → exercice MAO : reproduire le motif avec un simple synthé + delay. Wendy Carlos : a popularisé Bach au synthé → atelier : jouer une invention à 2 voix sur synthé monophonique (doigts/legato impeccables). Hildur Guðnadóttir : Oscar pour Joker → cordes : tenter un drone expressif et un thème minimaliste au violoncelle. Comment travailler ces morceaux (selon votre instrument) ? Voix : choisissez 1 tonalité confortable, visez la justesse + texte avant l’ornement. Piano/clavier : commencez par une main gauche simple (basses ou fondamentales), ajoutez les couleurs ensuite. Guitare : privilégiez rythme et son avant la vitesse ; un riff propre > dix approximatifs. Cordes : soignez l’attaque d’archet et les nuances avant la vitesse. Batterie : cherchez le feel (placement humain) avec un métronome en 2/4. MAO : reconstruisez d’abord le motif fondation, puis texturisez. Et si on jouait ça ensemble ? Si ces 15 portraits vous ont donné envie de tester un chant médiéval, un groove soul ou un riff pop, c’est le bon moment pour passer de l’inspiration à l’action. Dans nos Ecoles Privées de Musique, on vous accompagne en douceur et avec méthode : un professeur, des séances adaptées à votre niveau, et un plan de travail simple qui fait vraiment progresser. Dites-nous votre instrument, votre niveau et ce que vous avez envie d’essayer (Hildegard, Aretha, Joni, Missy…). On construit pour vous un parcours sur mesure : tonalités confortables, exercices courts, versions simplifiées ou arrangements plus avancés, selon votre temps et vos objectifs. Vous repartez avec des repères clairs (respiration, phrasé, rythme, sonorités) et des petites victoires à célébrer à chaque séance. Envie d’un coup de pouce pour démarrer ? Contactez-nous !
0 Toto Cutugno, célèbre compositeur, est mort à l’âge de 80 ans cette semaine ...
C’est via un tube mondial que l’artiste, Toto Cutugno, en tant que compositeur se fait connaître en 1983 avec la chanson L’Italiano. Il s’est éteint le 22 août 2023 à Milan après une carrière internationale. Sa chanson fétiche L’Italiano qui l’a fait connaître a d’abord été proposée à Adriano Celentano qui avait refusée craignant qu’elle soit mal perçue par le public. La chanson résonne finalement dans toute l’Italie et devient un tube. Le compositeur travaillera ensuite avec de nombreuses célébrités à qui il prêtera son talent pour chanter des mots qui restent en tête. C’est ainsi qu’il compose pour Michel Sardou, Joe Dassin, Dalila, Johnny Hallyday, Sheila, Mireille Mathieu. C’est à Toto Cutugno que nous devons les célèbres chansons suivantes : l’Été indien, l’albatros, Laissez-moi danser, Ciao Bambino pour sorry. En 2007, le compositeur est diagnostiqué d’un cancer de la prostate, des suites duquel il est décédé cette semaine.
0 Le peigne à moustache de Freddie Mercury vendu pour 177 000€ ! ...
Récemment, une vente aux enchères de plusieurs centaines d’objets, appartenant à Freddie Mercury, a récolté 46.5 millions d’euros. Plusieurs centaines et même milliers d’objets du célèbre chanteur ont été vendues récemment, avec 41 800 offres lancées durant les enchères. Mais alors quelles sont les pièces incroyables qui ont été achetées et pour combien ? Les différents lots Alors que la plupart des objets ont été vendus bien au-delà du prix estimé à la baisse, le piano de Freddie Mercury qui avait été estimé entre 2.3 et 3.5 millions d’euros a été vendu 2 millions d’euros. Ce piano, modèle quart de queue Yamaha, était pourtant la pièce maitresse de ces enchères, puisque l’artiste y avait composé presque tous ses morceaux notamment Bohemian Rhapsody. Quant au manuscrit de Bohemian Rhapsody s’est vendu pour 1.6 million d’euros. D’autres écrits ont également été achetés très cher. Tout comme certains costumes, portés par le chanteur pendant sa tournée The Magic Tour avec son groupe Queen, ont été vendu pour 740 000 euros, quasiment dix fois plus cher que leur estimation de départ. Enfin, étrangement, le peigne à moustache du chanteur a été acheté 177 000 euros ! Evènement gratuit ! L’exposition gratuite qui s’est déroulée à Londres a accueilli pas loin de 140 000 visiteurs. La collection a, pour sa part, été mise en vente par une amie du chanteur avec qui il s’était fiancé. Enfin, une partie de la somme récoltée lors de la vente aux enchères sera reversée aux fondations Mercury Phoenix Trust, et Elthon John Aids Foundation, qui sont des organisations qui aident les personnes atteintes du Sida, maladie qui a entrainé la mort de Freddie Mercury en 1991.
0 Une nouvelle cheffe pour l'Orchestre Français des Jeunes en 2025 ! ...
L’Orchestre Français des Jeunes jouera très bientôt sous la direction d’une nouvelle Cheffe d’orchestre de renommée internationale, qui prendra la place de Michael Schonwandt, chef de l’orchestre depuis 2017. C’est depuis 1982 que l’Orchestre Français des Jeunes a pour but de former les membres à devenir musiciens et musiciennes d’orchestre et ce, à travers la direction de différents chefs et cheffes. Le chef d’orchestre actuel, Michael Schonwandt, sera lui aussi succédé par une artiste de talent, d’origine estonienne qui s’appelle Kristiina Poska, d’après l’annonce faite par la direction du OFJ cette semaine. Kristiina Poska a d’abord commencé par étudier le piano avant de se diriger vers la direction de chœur et enfin la direction d’orchestre. Cette dernière a remporté de nombreux prix depuis ses débuts dans les années 2000. Après avoir été directrice musicale du Théâtre de Bâle, en avoir pris la direction et avoir rejoint l’Orchestre symphonique des Flandres, elle prendra donc le rôle de cheffe de l’Orchestre Français des Jeunes en 2025.
0 Débuter à la guitare, les 7 conseils à suivre ...
Entre savoir jouer de la guitare et savoir bien en jouer, la nuance est de taille. Cet article est fait pour vous éclairer sur les points essentiels à prendre en compte lorsque vous décidez de débuter la guitare. En suivant ces conseils, vous aurez beaucoup plus de chances de parvenir à tirer des sons mélodieux de votre instrument et à constater une réelle progression au fur et à mesure des semaines. Du choix de l'instrument à la posture de jeu en passant par les étapes à ne pas brûler, voici 7 conseils qui vous aideront à bien jouer de la guitare. Choisir la bonne guitare selon son style de musique pour débuter Est-il facile d'apprendre à jouer de la guitare ? C'est certainement la question qui taraude tous et toutes les guitaristes en devenir. Comme pour tout apprentissage, la motivation est l'élément indispensable pour réussir, mais pas seulement ! Le choix du premier instrument est très important pour débuter la guitare dans de bonnes conditions. Une guitare de mauvaise qualité pourrait très vite décourager un ou une apprentie guitariste, tandis qu'une guitare inadaptée au style de prédilection se révèlerait frustrante. A noter donc, que si vous avez entendu dire qu'il fallait absolument commencer sur une guitare classique, rassurez-vous, cette idée préconçue est depuis longtemps obsolète ! En réalité, il est bien plus motivant de débuter la guitare avec un instrument qui nous plait, que de s'infliger des heures d'entrainement sur un instrument qui ne nous fait pas rêver. Soyez donc attentifs et attentives à votre choix de guitare et renseignez-vous bien en amont par rapport au style de musique que vous rêvez de jouer. Il n'existe pas de meilleure guitare pour débuter, celle qui sera la bonne pour vous ne sera pas forcément la même que celle dont votre voisin a besoin. Donc si vous recherchez quel type de guitare est idéal pour commencer, sachez que le meilleur choix restera celui de votre instinct. Vous avez globalement le choix entre les guitare suivantes : commencer avec une guitare classique : souvent privilégiées pour les débutants et débutantes parce qu'elles sont plus faciles à prendre en main et nécessitent moins d'accessoires. commencer avec une guitare acoustique : différents types de guitare acoustiques dont les guitares classiques, flamenco, folk. débuter sur la guitare folk : La différence entre la guitare classique et la guitare folk est au niveau des cordes puisque pour la première elles sont en nylon alors que pour la seconde elles sont en acier. C'est ce qui provoque un son clair souvent apprécié en rock. commencer avec une guitare électro-acoustique : cette guitare est une sorte de 2 en 1 : elle permet des sonorités acoustiques tout en ayant la puissance d'une électrique. une guitare électrique : cette dernière offre davantage de possibilité grâce à l'amplification mais les cordes en métal peuvent être difficiles pour les débutants et débutantes. débuter sur une guitare jazz : il existe différentes sortes de guitare jazz en fonction du genre musical que l'on souhaite jouer, à vous de voir laquelle conviendra le mieux à votre projet ! Si ces modèles portent le même nom sachez que le choix de la marque que vous prendrez sera tout de même déterminant pour votre apprentissage. Dans chaque catégorie, les modèles différent aussi selon la marque choisie, la volonté du luthier de destiner la guitare à certains usages, et ainsi de suite. Pour trouver votre guitare, le mieux est sans doute de vous rendre dans un magasin de musique afin de procéder à des essais ou sur des forums pour avoir des avis d'autres musiciens ou musiciennes. Le vendeur ou la vendeuse pourra vous aiguiller et, même si vous n'achetez pas votre guitare sur place, vous aurez une bien meilleure idée de l'instrument qu'il vous faut. En plus, vous trouverez dans ce genre de magasin des accessoires très utiles comme des cordes de rechange, des partitions, des stands, des sangles, des médiators. Acheter d'occasion ou sur internet est aussi une possibilité qui s'offre à vous. Si c'est ainsi que vous souhaitez procéder, assurez-vous surtout de bien connaitre le modèle que vous allez prendre, quitte à demander conseil à d'autres musiciens ou encore dans un magasin en amont. A noter toutefois qu'en achetant d'occasion, les risques sont plus grands car vous ne pourrez pas avoir la certitude que la guitare a été bien entretenue avant votre achat et qu'elle aura conservé toutes ses qualités. Pour débuter la guitare, nous vous conseillons de privilégier autant que possible un modèle neuf d'entrée ou milieu de gamme. Vous n'avez pas besoin d'une guitare hors de prix, que vous vouliez débuter adulte, à 40 ans, avec une guitare sèche ou électrique. Les guitares classiques de bonne facture sont accessibles dès une centaine d'euros. Pour les modèles électriques, il faudra doubler ce budget, sans compter le matériel indispensable : sangle, ampli, housse, capodastre. Adopter la bonne posture pour jouer de la guitare Si vous pensez que la posture aura un impact sur votre jeu, vous vous trompez. Il ne s'agit pas là de vous dire quelle est la meilleure méthode pour apprendre la guitare mais plutôt vous mettre en garde par rapport aux mauvaises habitudes qu'il vous faudra éviter à tout prix ! La posture adéquate en guitare ne vous permettra pas forcément d'être plus performant. Elle ne vous garantira pas des solos plus précis ou des rythmiques plus percussives. Son seul intérêt colossal, c'est d'éviter autant que possible de vous créer des douleurs lors de vos entrainement en prenant une mauvaise posture car rien de mieux que les douleurs pour perdre toute motivation. Autant donc prendre vos précautions dès le départ pour que les séances d'entrainement restent un moment de plaisir. Ainsi positionnez-vous convenablement pour éviter que votre passion se transforme en votre pire cauchemar ! Le ou la guitariste débutante qui prendra de mauvaises habitudes en termes de posture ne se rendra pas tout de suite compte de l'inconfort. C'est après plusieurs heures d'entrainement que les tensions vont progressivement se faire sentir : douleurs dans les épaules, dans le dos, de nombreuses douleurs articulaires, etc. Une fois la mauvaise habitude installée, il sera très difficile de s'en défaire, c'est pourquoi il vous faudra y être attentives et attentifs à tout moment. Une fois installée, la mauvaise posture est bien plus difficile à changer. Alors, prenez le temps de vous placer correctement avant chaque séance, et n'hésitez pas à corriger votre position pendant le jeu si vous sentez que vous bougez. Le ou la guitariste peut adopter deux postures ergonomiques pour jouer de la guitare : assis ou debout. - Jouer de la guitare en position assise Sur une chaise ou un tabouret, la posture assise permet aux guitaristex de se détendre et d'avoir l'instrument qui repose sur leurs jambes. Cette position réduira la fatigue musculaire dans les bras. Il y a trois variantes principales à la position assise : Le ou la guitarise a les deux pieds au sol, le dos droit, la guitare contre le corps et la tête légèrement inclinée vers l'instrument. Le ou la guitariste a une jambe croisée sur le genou (la droite pour les droitiers), la caisse repose sur la cuisse croisée et la tête peut rester bien droite. Le ou la guitariste utilise un repose-pied pour sa jambe droite, sur lequel il ou elle pose son pied : la guitare est ainsi surélevée sans couper la circulation dans la jambe. Aucune des trois positions ci-dessus n'est meilleure qu'une autre. Vous adopterez l'une ou l'autre en fonction de vos préférences, de votre mobilité et du matériel que vous aurez à disposition. - Jouer de la guitare en position debout Pour jouer de la guitare debout, la sangle est indispensable. Si votre guitare n'a pas d'attache, pour en fixer une il vous faudra vous rendre chez un luthier qui matérialisera l'attache-courroie très facilement et sans endommager votre instrument. Dans la position debout, la guitare est environ au-niveau des hanches, collée au corps du ou de la musicienne. Les bras arrivent naturellement jusqu'à la caisse et sur le manche, la tête et le dos sont bien droits. Attention, de nombreux et nombreuses guitaristes -notamment de rock ou de métal- portent leur guitare désespérément trop basse. C'est une position à réserver aux représentations, pour le style, mais à ne surtout pas adopter au quotidien pendant les entrainements sous peine d'avoir des maux de dos récurrents et tout le monde sait qu'avoir mal au dos met de mauvaise humeur alors preservez vos proches et portez correctement votre guitare ! Vous voulez savoir comment être sûrs que votre position est correcte ? C'est très simple : vous devriez tout simplement être détendu. Si la moindre tension apparait dans vos muscles, essayez de vous corriger face à un miroir ou demandez conseil à votre professeur lors de votre cours de guitare si vous en avez un. Prendre son temps pour bien apprendre les bases de la guitare C'est certainement le conseil que donnent tous les professeurs et professeures de musique, tout instrument confondu : ne pas être trop pressé en termes de progrès, rester raisonnable et y aller par étape pour éviter tout découragement sur le long terme. Évidemment, l'enthousiasme des premiers instants n'est pas un problème. Si vous venez d'acquérir votre première guitare et que vous enchaînez les entrainements quotidiens, bien vous en prenne ! L'idée, dans ce conseil, est plutôt de ne pas brûler les étapes. Un cuisinier débutant ne se lance pas directement dans la réalisation d'une pièce montée (ou alors, il y a de gros risques que personne ne puisse la manger). De la même façon, le ou la guitariste débutante se doit de prendre le temps d'acquérir les bases de la guitare avant d'aller plus loin. En voulant aller trop vite, vous risqueriez de prendre de mauvaises habitudes mais également de louper des étapes cruciales au bon apprentissage de la guitare. Il est donc primordial d'apprendre les bases au fur et à mesure avant de se lancer. Quelles sont ces bases, au juste ? Voici quelques points particuliers à travailler avec sérieux et régularité avant de vouloir imiter Jimi Hendrix : le bon placement des doigts sur le manche; la technique pour tenir un médiator; la justesse des notes produites; la position et l'enchainement des accords; le respect du tempo et du rythme; les techniques particulières (bending, hammer on, slide); la qualité du son produit. S'astreindre à des séances de guitare régulières et sérieuses Bien sûr, parfois, vous aurez juste envie d'attraper votre instrument et de gratter quelques accords en chantonnant. À d'autres moments, vous voudrez impressionner vos amis en interprétant vite fait un solo à votre sauce. Et c'est très bien, car la musique doit inspirer joie et partage. Cependant, pour vraiment progresser, vous devrez passer par des séances plus routinières pendant lesquelles vous vous astreindrez à travailler avec plus de sérieux. Cela ne signifie pas que la guitare doit devenir ennuyeuse et rabat-joie ! Au contraire, le plaisir est indissociable de la guitare. Grâce aux nouvelles technologies, il existe de multiples façons de débuter la guitare en s'amusant, que ce soit gratuit ou payant, en complément de cours par exemple. Applications pour lire le solfège, tablatures en ligne, vidéos master class avec des guitaristes chevronnés : n'hésitez pas à varier les supports pour garder votre motivation intacte jour après jour, recherchez les chansons que vous aimez qui sont recommandées pour débuter la guitare, rien qu'en tapant 7 morceaux pour débuter la guitare, vous aurez déjà des tas de propositions variées qui vous aideront à vous lancer. Mais, encore une fois, n'oubliez pas de travailler les bases ! Apprendre à se détacher visuellement de la guitare pour s'écouter Le nez dans la caisse, le dos courbé, le ou la guitariste débutante a parfois tendance à trop se concentrer sur son instrument. Or, pour pouvoir interpréter un morceau avec talent, il faut absolument savoir se détacher de son médium. Cette étape ne vient pas en une heure, elle prend du temps. Si vous gardez en tête l'idée de ne pas toujours vérifier visuellement le placement de vos doigts, vous pourrez faire confiance à votre oreille et à votre toucher de plus en plus souvent. Certes, au début, les erreurs seront fréquentes. Mais avec l'habitude, vous constaterez que pouvoir jouer sans regarder ses mains ouvre un véritable univers de créativité et d'émotions. C'est aussi le meilleur moyen de vous connecter avec votre public. De plus, vous pouvez également vous enregistrer lors de vos entrainements quotidiens pour vous permettre de repérer, après coup, les éléments qu'il vous reste à perfectionner. Partager la guitare avec des amis, des musiciens ou musiciennes La guitare a été, est, et sera toujours un instrument convivial qui permet à de nombreuses personnes de faire groupe autour d'une passion commune. Combien de groupes d'amis n'ont aucun ni aucune guitariste ? Impossible à savoir mais ils doivent être malheureux ! L'ignorer, c'est passer à côté d'un de ses aspects les plus excitants. Avec une guitare, vous pouvez non seulement accompagner un chanteur, mais aussi interpréter tout ce qui vous vient à l'esprit, animer des soirées avec quelques accords, intégrer un groupe de métalleux pour pousser les décibels ou vous amuser à des bœufs entre amis en toute simplicité. Vous pouvez mettre n'importe quelle ambiance selon votre répertoire et ainsi être un véritable élan pour n'importe quel événement ! Vous êtes un peu timide ou réservé(e) ? Pas d'inquiétude, la guitare va justement vous aider à vous ouvrir aux autres. En réalité, il suffit souvent à un ou une guitariste de s'installer dans un parc ou un coin de rue avec son instrument pour qu'affluent les curieux, les mélomanes et les musiciens. Quant aux guitaristes solitaires, d'autres biais pour partager leur musique. Notamment les réseaux sociaux, les forums, les plateformes d'échange, alors n'hésitez pas à tirer parti de tous les supports à votre disposition, afin de trouver de nouvelles inspirations. Vous inspirerez vous-aussi certainement d'autres musiciens et musiciennes. Écouter le plus possible de styles différents et s'en inspirer Le piège pour certains guitaristes débutants et débutantes qui ont une idée bien précise de ce qu'elles veulent faire, c'est de s'enfermer dans un registre particulier et de ne savoir jouer que cela. Certes, avoir des objectifs précis permet de se concentrer sur son apprentissage et de garder une ligne de conduite cohérente. Si vous rêvez, par exemple, d'interpréter le solo de Stairway to Heaven ou de jammer comme un vrai manouche, surtout, n'abandonnez pas cette idée ! Au contraire, en vous intéressant à d'autres styles, vous pourriez bien découvrir des techniques qui vous faciliteront ensuite le jeu à la guitare ou qui affûteront votre oreille à des sonorités particulières. L'important est surtout de stimuler votre oreille musicale en écoutant de nombreux genres différents afin que vous puissiez ensuite avoir une écoute plus fine et précise des sonorités que vous entendrez et chercherez à reproduire. C'est également un bon moyen de s'initier à la composition : analyser la musique, ses sonorités en fonction des instruments que l'on souhaite intégrer au morceau. De nombreuses études ont notamment mis en évidence le fait que grandir dans un environnement où l'on est confronté à différents styles musicaux permet de développer différentes compétences cognitives et notamment de développer l'oreille musicale pour le restant de sa vie. Il serait donc dommage de vous en priver non ? De plus, le fait d'écouter régulièrement de la musique, notamment de la musique classique, permet de réduire le stress et l'anxiété, ce qui ne peut qu'être bon pour vous. Il n'y a donc aucune raison de se conformer à un seul genre musical, vous ne croyez pas ? Pour terminer ... Avec ces 7 conseils avisés en poche, il ne vous reste plus qu'à foncer pour découvrir le monde passionnant de la guitare. Pour cela, nous vous conseillons d'avoir recours à des cours de guitare afin de pouvoit bénéficier d'un regard et d'une écoute objective pour progresser au mieux. Profiter des enseignements d'un professeur de guitare, vous permettra de repérer plus rapidement les erreurs, les difficultés à travailler, mais cela vous aidera aussi bien en termes de technique qu'en culture musicale. En effet, en ayant recours à un professeur de guitare, vous pourrez profiter de son attention pendant une heure, totalement personnalisée et donc d'exercices adaptés à votre niveau ! De cette façon votre professeur pourra vous conseiller une méthode d'apprentissage bien précise comme celle de Thierry Carpentier pour débuter la guitare, mais peut-être portera-t-il son choix sur une autre méthode en fonction de votre caractère et de vos besoins, c'est là le point positif d'un cours particulier ! De plus, toute la culture musicale de votre prof pourrait bien vous faire découvrir des morceaux que vous ne connaissiez pas mais que vous adorerez savoir jouer pour débuter la guitare avec la motivation adéquate ! Nul besoin de vous fixer des objectifs trop élevés dès le départ, il vous faudra plutôt avancer pas à pas en suivant les recommandations du professionnel qui vous accompagnera pour débuter la guitare. Certes, si vous cherchiez comment débuter la guitare seul, ce n'est peut-être pas le conseil auquel vous vous attendiez mais rassurez-vous, les cours peuvent être pris ponctuellement afin de débuter seul la guitare et de montrer votre progression ponctuellement à votre professeur pour définir quelles sont les améliorations possibles.
0 Comment apprendre à chanter ? ...
Enfin, vous avez décidé de vous mettre au chant ! Vous y pensiez depuis longtemps mais vous avez hésité avant de finalement vous décider à sauter le pas. Mais voilà, vous ignorez comment vous y prendre ! Votre objectif : chanter juste. Mais comment y parvenir ? Certes, vous vous entrainez depuis longtemps à chanter sous la douche, mais est-ce bien suffisant ? Quelles sont les méthodes pour apprendre à chanter ? Quels sont les bénéfices du chant ? Quelles sont les premières choses à savoir pour débuter le chant ? Comment trouver le professeur idéal ? Découvrez toutes les réponses à vos questions en lisant cet article ! Pourquoi débuter le chant ? Si vous aussi vous avez toujours eu l’habitude de chantonner en toutes circonstances, si la musique vous suit partout quelque soit votre programme de la journée et que vous n’imaginez pas vivre sans, sachez qu’il y a de bonnes raisons à cela ! En effet, les bienfaits de la musique ne sont plus à prouver. Mais saviez-vous que le chant présente de nombreux bénéfices pour l’être humain ? Voici 4 bonnes raisons de débuter le chant au cas où vous hésiteriez encore ! Améliore le moral Le chant a toujours été un moyen d’exprimer ses émotions voire de les sublimer, quelque soit le contexte. Qu’il s’agisse de chants pour les cérémonies religieuses ou même pour motiver les guerriers avant un combat ou encore les petites berceuses pour les enfants, le chant a toujours été utilisé pour motiver ou apaiser mais savez-vous pour quelles raisons ? De nombreuses études portant sur la musique ont prouvé que certaines mélodies ont un impact énorme sur le cerveau humain. Le chant permettrait de diminuer le niveau de stress en réduisant le taux de cortisol dans le sang ainsi que le rythme cardiaque. Une étude réalisée sur 135 femmes en dépression post-partum a montré que les mamans qui pratiquaient des cours de chant surmontaient plus facilement leur dépression. 35% d’entre elles présentaient un mieux-être après 6 semaines de cours de chant ce qui prouve les propriétés antidépressives du chant. La sécrétion d’endorphines, appelée l’hormone du bonheur, provoque une sensation de bien-être qui permet de se défaire un peu des émotions négatives ! Même en chantant faux, votre voix a un impact sur votre moral alors imaginez quel impact extraordinaire elle pourrait avoir sur votre santé mentale une fois transformée en mélodie ? Développe la confiance en soi Pour apprendre à jouer d’un instrument, quel qu’il soit, il est nécessaire de s’impliquer sérieusement et de s’entrainer quotidiennement pour réellement progresser. Les progrès obtenus petit à petit permettent aux musiciens et musiciennes de gagner confiance en eux, en gagnant en compétences. Il est d’ailleurs conseillé aux personnes un peu timides de se mettre au théâtre pour surmonter leur peur et gagner en confiance, et au même titre que le théâtre, débuter le chant peut être un bon moyen de faciliter les relations avec les autres. Surmonter le regard des autres est parfois difficile pour les personnes introverties, ce qui pousse à limiter les échanges alors que l’on aurait bien des choses à partager avec le monde qui nous entoure. Les chansons permettent de transmettre un message en empruntant les mots des artistes pour exprimer des émotions qui ont besoin de sortir. Il y a forcément une chanson qui vous a permis de mettre le doigt sur quelque chose ou d’extérioriser des émotions enfouies. Prendre des cours de chant est donc une bonne idée pour favoriser l’expression des sentiments, sans fausse note ! Pratiquer le chant c’est aussi apprendre à poser sa voix pour chanter juste, à en maitriser le timbre, l’intonation et en faire une véritable alliée pour parler face à un public. Vous pourrez alors vous exprimer sans crainte tout en laissant derrière vous les tremblements et l’hésitation, la sensation de gorge serrée, tout ne sera plus qu’un mauvais souvenir grâce à votre professeur de chant qui sera le plus disposé à vous aider pour y arriver. Chanter pour se muscler Prendre des cours de chant est aussi une bonne occasion de vous muscler ! Pratiquer le chant sollicite en effet de nombreux endroits du corps et notamment les muscles du visage. De fait, le chant ainsi que tous les petits exercices d’échauffement participent à développer l’élasticité de la peau et font office d’anti-rides gratuit en rendant la peau du visage plus tonique. La respiration est également primordiale pour la pratique du chant. En effet, bien respirer est essentiel pour tenir les notes longtemps. C’est donc en utilisant la respiration abdominale que vous parviendrez le mieux à chanter. Prendre un maximum d’air nécessite de respirer en gonflant d’abord le ventre avant le diaphragme, les muscles bien oxygénés se remettent beaucoup plus rapidement d’un effort. Ainsi prendre davantage d’air sera bénéfique pour progresser en chant mais aussi pour redonner de l’énergie à vos petits muscles fatigués ! Mais quels sont les muscles qui travaillent en lien avec les cours de chant ? Beaucoup ! Les muscles du dos et des cuisses sont sollicités grâce à la posture qui vous permet de tenir les notes avec puissance. Mais les muscles qui entourent votre diaphragme et les abdominaux seront aussi sollicités alors vous n’aurez peut-être plus besoin d’aller à la salle de sport avec les cours de chant ? Chanter pour soulager les douleurs Il y a de nombreuses douleurs dont on se passerait bien au quotidien dont les douleurs dorsales ! Mais à quoi peuvent-elles être dues ? Une mauvaise respiration est souvent en cause ! Les bébés étant tout neufs et dénués de stress ont le reflexe d’utiliser la respiration abdominale. Mais en grandissant et en accumulant des tensions, l’adulte se met à respirer uniquement avec le haut des poumons ce qui créé des tensions dans le dos et les trapèzes et engendre des douleurs. Un choc ou de grosses contrariétés peuvent en effet altérer votre façon de respirer et empêcher votre diaphragme de se positionner correctement. Les exercices de respiration nécessaires pour la pratique du chant sont un bon moyen de relâcher les tensions des lombaires et permettront de limiter les douleurs. Il s'agirait presque d'apprendre à chanter avec le ventre ! Ajoutons à cela que le chant représente des milliers de petits massages grâce aux vibrations qui se répercutent un peu partout dans le corps et permettent de libérer des endomorphines, hormones qui apaisent la douleur et favorisent la sensation de bien-être. Ces fameux petits massages sont également bénéfiques pour la sphère ORL. Tout le monde peut-il apprendre à chanter ? Vous pensez que le chant est un talent inné et qu'il est impossible d'apprendre à chanter quand on chante faux ? Vous vous trompez lourdement ! Certes de nombreuses personnes disposent d'une voix incroyablement merveilleuse sans faire le moindre effort que beaucoup d'entre nous jalousent ! Mais sachez que même si vous chantez comme une casserole et que tout le monde vous demande de vous taire quand vous poussez la chansonnette, ce n'est pas forcément immuable ! Mais est-il facile d'apprendre à chanter lorsqu'on ne dispose pas d'un talent dès la naissance ? Comment apprendre à chanter quand on chante mal ? Doit-on débuter le chant durant l'enfance ou peut-on apprendre à chanter à l'âge adulte ? Comment peut-on développer sa voix pour chanter juste ? Voici quelques petits conseils pour les chanteurs et chanteuses débutantes. Trouver sa tessiture Votre tessiture est tout simplement la première chose que vous devrez connaitre pour apprendre à chanter ! Vous avez sans doute remarqué la différence de timbre entre Angèle, Diana Ross et Whitney Houston et cela est dû à leur tessiture différente. Incapables des mêmes prestations, elles n'en sont pas moins talentueuses mais leurs morceaux sont adaptés à leur tessiture et c'est pourquoi vous devez trouver la votre ! La tessiture correspond à l’étendue du potentiel de votre voix, de la note la plus basse à la note la plus élevée. Si vous tentez de chanter des morceaux qui ne correspondent pas à votre tessiture, vous risquez de vous blesser et vous chanterez faux. Reste à savoir comment faire pour trouver votre tessiture ! Voici quelques conseils pour vous guider : Sur un piano ou une application de clavier, identifiez le Do 4 (qui se trouve au milieu du clavier), jouez-le puis chantez la note correspondante en prononçant le son « la ». Descendez ½ ton par ½ ton : Do – Si – Si bémol – La – La bémol – Sol etc. Repérez la note la plus grave que vous pouvez chanter sans difficulté sans que votre voix ne se casse. Jouez à nouveau le Do 4 puis chantez à nouveau cette note. Montez note par note Do – Do# – Ré – Ré# – Mi etc. Repérez la note la plus aiguë que vous pouvez chanter sans difficulté, sans que votre voix ne se casse. Bien choisir sa position Si vous pensez qu'il suffit de chanter pour débuter le chant, vous avez tort. Il y a en effet plusieurs choses à prendre en compte et notamment la position dans laquelle vous allez chanter ainsi que votre façon de respirer comme nous l'avons vu précédemment. La position idéale est la suivante : debout, le dos et la tête bien droits, le regard dirigé vers l'horizon. Ouvrez grand la bouche comme si vous souhaitiez bailler pour faciliter la prise d'air et détendez-vous au maximum. Echauffer sa voix Il est primordial, comme pour n'importe quel activité physique, de prendre le temps de vous échauffer. Les cordes vocales sont un muscle à part entière qu'il faut préserver des blessures. En attendant de trouver le professeur de chant idéal qui vous guidera dans votre apprentissage, voici quelques petits conseils pour vous échauffer correctement : Faites des vocalises : cela consiste à parcourir une échelle de sons, en général de ½ ton en ½ ton, sur des voyelles. Réalisez des trilles : faites vibrer vos lèvres («brrr») tout en émettant des notes graves puis aiguës en alternance. Bien articuler Bien articuler est le meilleur moyen de chanter juste car vous monterez plus facilement dans les aigues et descendrez plus facilement dans les notes graves. N'articulez pas comme un robot, mais soyez attentifs à toutes les syllabes car elles vont influer sur le rythme de la chanson. Il y a plein de petits exercices marrants pour s'entrainer à articuler, en voici quelques uns : Mettez-vous devant un miroir et faites des grimaces Disposez un stylo dans votre bouche et répétez les phrases suivantes en articulant au maximum : « Je veux et j’exige d’exquises excuses » « Panier, piano, panier, piano... » « Je suis passé chez Sosh » « La jolie rose jaune de Josette jaunit dans le jardin. » « Un chasseur sachant chasser sait chasser sans son chien de chasse. » « Qui sont ces six sages Suisses ? » « Suis-je bien chez ce cher Serge ? » « Un généreux déjeuner générerait des généraux dégénérés. » « Lulu lit la lettre lue à Lili et Lola alla à Lille où Lala lie le lilas. » « Didon dîna dit-on du dos dodu de dix dodus dindons. » Comment apprendre le chant ? Prendre des cours de chant En général personne n’aime entendre sa voix enregistrée sur un répondeur mais savez-vous pourquoi ? C’est tout simplement parce que lorsque vous parlez, vous entendez votre voix qui résonne dans votre tête lui donnant l’air plus grave qu’elle ne l’est en réalité. Or, si vous écoutez votre voix sur un répondeur, vous l’entendrez telle qu’elle est, c’est-à-dire généralement plus aigüe. De fait, si vous n’entendez pas votre voix telle qu’elle est réellement, comment pourriez-vous apprendre à chanter seul ? Apprendre à chanter en autodidacte est un exercice qui s’avèrera bien difficile voire impossible ! Certes, vous pourriez trouver des méthodes sur internet pour apprendre à chanter sans l'aide d'un professeur, mais on vous le déconseille ! Ce serait surtout du temps perdu ! Voilà pourquoi prendre des cours de chant sera indispensable pour devenir chanteur ou chanteuse. Outre la chance de profiter de l’oreille attentive d’un professionnel pour encadrez vos progrès, vous pourrez également grâce aux cours de chant profiter de la culture musicale de votre professeur de chant. Cela vous permettra d’élargir votre champ de connaissances et peut-être même d’étoffer vos goûts musicaux. Profiter des conseils d’un professionnel et de son regard objectif pourra vous permettre de rapidement progresser et de surmonter vos difficultés en travaillant sur vos points faibles. Alors quelles sont les solutions pour trouver un bon professeur de chant dans votre secteur ? S’inscrire dans une école de musique Les écoles de musique sont variées et proposent un programme qui leur est propre avec des professeurs compétents. Etablissement souvent privés, les écoles de musique peuvent aussi être associatives ou municipales. Chacune propose donc sa propre méthode d’apprentissage et se concentre en général sur la pratique davantage que sur la partie théorique. Les cours de chant y sont proposés en groupe ou en individuel à des horaires précis. Intégrer un conservatoire de musique Les conservatoires de musique sont généralement des lieux de prestige pour apprendre à jouer d’un instrument ou pour apprendre à chanter. Les enseignements sont dispensés par des professeurs de musique hautement qualifiés qui suivent un programme précis et reconnu afin que la formation soit diplômante. Les grandes villes disposent toutes d’un conservatoire de musique et parfois même de plusieurs et pratiquent des tarifs tenant compte des revenus du foyer afin que l’entrée soit accessible aux petits revenus. Rejoindre une chorale Quand vous entendez parler d’une chorale vous imaginez peut-être un groupe d’enfants comme dans le film Les Choristes ou d’adultes avec Woopy Goldberg dans Sister Act, mais sachez qu’il y a toutes sortes de chorales y compris pour débutants et débutantes ! Il n’est pas indispensable d’avoir déjà fait du chant auparavant, et l’apprentissage en groupe pourrait bien vous plaire ! En effet, en plus d’apprendre probablement des morceaux de différents styles musicaux et modernes, vous pourrez intégrer une chorale quelque soit votre niveau en chant. L’apprentissage en groupe vous permettra de trouver plus rapidement votre tessiture et vous aidera à placer votre voix correctement pour chanter dans la bonne tonalité.
0 Comment commencer dans la musique ? Suivez le guide ...
Si vous êtes sur ce site, il est fort probable que vous adoriez la musique et envisagiez de vous lancer. Si tel est le cas, vous êtes au bon endroit, d'une part pour trouver de super professeurs et d'autre part pour bénéficier de quelques conseils avant de vous lancer dans l'aventure musicale et d'en faire éventuellement votre métier ! C'est parti ! Quel âge pour commencer la musique ? Il n’y a pas d’âge précis pour commencer dans la musique, car cela dépend de chaque individu et de ses objectifs, mais voici des pistes pour chaque tranche d’âge : 1. Petite enfance (dès 3-4 ans) C’est un âge idéal pour initier un enfant à la musique, notamment avec des activités ludiques qui stimulent l’écoute, le rythme et la coordination. Les tout-petits peuvent apprendre des instruments simples comme le xylophone, des percussions ou chanter des comptines. À cet âge, l’important est de développer l'oreille musicale et d’éveiller la curiosité. Exemple d'instruments : Petits instruments à percussions (tambourin, maracas) Piano jouet ou claviers simples Violon pour les tout-petits (taille adaptée) 2. Enfance (6-10 ans) Entre 6 et 10 ans, les enfants sont plus aptes à se concentrer et à suivre des cours de musique structurés. C’est un excellent moment pour commencer un apprentissage plus formel d’un instrument. Le piano, la guitare, le violon, la batterie ou la flûte sont souvent des instruments de départ populaires. À cet âge, l’enfant peut commencer à apprendre le solfège et à jouer de petites pièces. Exemple d’instruments : Piano ou clavier Guitare (taille junior) Violon (taille adaptée) Batterie ou percussions 3. Adolescence (11-18 ans) Les adolescents peuvent commencer ou approfondir leur apprentissage musical. Ils sont capables de choisir un instrument en fonction de leurs goûts musicaux et de s’engager dans un travail régulier. C’est aussi à cet âge qu’ils peuvent développer leur propre style et éventuellement composer ou jouer dans des groupes. Beaucoup de jeunes découvrent aussi la production musicale grâce à des logiciels et à la MAO (musique assistée par ordinateur). Exemple d’instruments : Guitare électrique ou basse Synthétiseur Instruments à vent (saxophone, trompette) Apprentissage de la composition musicale 4. Adulte (18 ans et plus) Il n’y a pas d’âge limite pour commencer la musique ! Que vous ayez 20, 30 ou 60 ans, il est toujours possible d’apprendre un instrument. En tant qu’adulte, vous avez souvent plus de patience et de discipline pour pratiquer régulièrement. Vous pouvez choisir un instrument qui vous plaît vraiment et vous fixer des objectifs personnels (jouer pour le plaisir, rejoindre un groupe, ou composer vos propres morceaux). Avantages d'apprendre adulte : En tant qu'adulte, vous avez souvent une meilleure compréhension des concepts abstraits comme le rythme et l'harmonie. Vous pouvez aussi profiter des nombreuses ressources en ligne, des cours particuliers, ou même des applications pour débuter à votre propre rythme. Exemple d’instruments : Piano, guitare, batterie (instruments courants pour débutants adultes) Instruments à vent ou à cordes (selon votre préférence musicale) 5. Âge avancé (seniors) Il n’est jamais trop tard pour commencer un instrument, même après la retraite ! Apprendre la musique peut même être bénéfique pour le cerveau, améliorer la mémoire, et offrir un loisir créatif. Beaucoup de seniors choisissent des instruments comme le piano ou la guitare, mais tout dépend de ce qui vous attire. En résumé : Enfants : Commencer tôt est excellent pour développer des compétences fondamentales en musique.Adolescents : C’est une période clé pour explorer des genres, développer un style et s’impliquer dans des projets musicaux.Adultes : Il est toujours possible de commencer et de s’améliorer avec la persévérance et la passion.Seniors : Apprendre un instrument peut être une source de plaisir et de stimulation cognitive. Quel que soit l'âge, la musique reste une belle aventure à découvrir à tout moment de la vie. Toutefois, si vous vous demandez comment commencer dans la musique, continuez la lecture de cet article ! Comment commencer à jouer d'un instrument de musique ? Savoir comment commencer dans la musique implique déjà d'y mettre un pied en apprenant en général à jouer d'un instrument. Mais lequel choisir et comment faire ? Choisir l'instrument qui vous correspond le mieux Comment commencer dans la musique avec un instrument qu'on n'aime pas ? Impossible ! Le premier pas est souvent le plus excitant : choisir l'instrument. Que ce soit la guitare, le piano, le violon ou même le saxophone, l'instrument doit vous "parler". Pour cela, posez-vous quelques questions : Quel genre de musique vous attire ? Avez-vous une préférence pour les instruments à corde, à vent, ou à percussion ? Il est aussi bon de prendre en compte des aspects pratiques comme le coût de l'instrument et l’espace qu’il nécessite. Le piano, par exemple, demande de l’espace et un budget plus élevé, alors qu’une guitare acoustique est souvent plus abordable et facile à transporter. Débuter l'apprentissage de l'instrument Une fois l'instrument choisi, il est temps de se lancer dans l'apprentissage. Il existe plusieurs méthodes : cours en ligne, tutoriels vidéo, professeurs particuliers ou écoles de musique. Choisissez celle qui correspond à votre emploi du temps, vos finances et votre style d'apprentissage. Les cours en ligne, comme ceux sur YouTube ou via des plateformes payantes, permettent de progresser à son rythme, tandis qu'un professeur peut offrir un apprentissage plus personnalisé et efficace. Mettre toutes les chances de votre côté Comment commencer dans la musique en mettant toutes les chances de votre côté ? La clé pour progresser rapidement est la régularité. Fixez-vous un objectif raisonnable, par exemple 15 à 30 minutes de pratique quotidienne. Créez un environnement propice à la concentration et évitez de sauter des jours de pratique. La motivation est cruciale, donc n'hésitez pas à jouer des morceaux que vous aimez dès que possible, même si ce sont des versions simplifiées. Pensez aussi à vous entourer de musiciens débutants ou plus avancés pour échanger des conseils et rester motivé. Pour vraiment mettre toutes les chances de votre côté, n'hésitez pas à nous contacter pour prendre des cours de musique avec nos supers professeurs ! L’importance de la patience et de la persévérance Comment commencer dans la musique sans ces deux qualités ? Impossible. Apprendre un instrument prend du temps. Il est normal de rencontrer des moments de découragement, mais c'est justement là que vous devez persévérer. Focalisez-vous sur les petites victoires : le jour où vous avez réussi à jouer votre premier morceau complet ou la première fois que vous avez joué sans regarder les notes. Cela booste la motivation et rend l’apprentissage plus agréable. --- Comment commencer et se lancer dans le monde professionnel de la musique ? Se faire connaître Aujourd’hui, grâce à Internet, il est plus facile que jamais de se faire connaître, mais cela demande stratégie et créativité. Utilisez les réseaux sociaux (Instagram, YouTube, TikTok) pour partager vos créations. Postez régulièrement du contenu, que ce soit des reprises, des compositions originales ou des sessions en direct. Plus vous serez visible, plus vous aurez de chances d'attirer l'attention d'une audience. Participer à des concours de musique en ligne ou sur scène est aussi un excellent moyen de gagner en visibilité. Par quels biais ? L'autoproduction est une voie privilégiée par de nombreux artistes émergents aujourd'hui. Cela signifie produire soi-même ses morceaux, les publier sur des plateformes comme Spotify, Apple Music ou Bandcamp. En parallèle, il est essentiel de créer une identité artistique forte : logo, site internet, et surtout un style musical reconnaissable. Vous pouvez aussi envisager de collaborer avec d'autres musiciens, producteurs ou ingénieurs du son pour enrichir votre travail et toucher de nouveaux publics. Rédiger vos propres textes Écrire des textes authentiques est une compétence clé pour un artiste qui souhaite se démarquer. Pour cela, commencez par vous inspirer de vos expériences personnelles, des émotions que vous ressentez ou des histoires qui vous touchent. L’écriture peut être difficile au début, mais ne cherchez pas la perfection. Parfois, les meilleurs textes viennent d’un moment spontané. N’ayez pas peur de retravailler vos paroles, de demander des avis extérieurs ou de collaborer avec des auteurs-compositeurs. Comment débuter une chanson ? Commencer une chanson peut sembler intimidant, surtout si c’est votre première tentative. Cependant, comme toute forme d’art, c’est un processus qui peut être appris et affiné avec le temps. Voici plusieurs étapes et astuces pour vous aider à bien démarrer : 1. Trouvez l’inspiration Avant même de poser des mots ou des notes, il est essentiel de puiser l’inspiration. Vous pouvez la trouver partout : dans votre propre expérience, dans vos émotions, dans une histoire que vous avez entendue, ou même dans une simple conversation. Posez-vous des questions : Qu’est-ce que je ressens en ce moment ? Qu’est-ce que j’aimerais exprimer à travers ma chanson ? Quelle ambiance ou quel message je veux transmettre ? L’inspiration peut aussi venir d’un morceau de musique qui vous touche particulièrement. Écouter d’autres artistes peut déclencher des idées de mélodies, de thèmes ou de rythmes. Pour plus de conseils pour vous aider à trouver l'inspiration, rendez-vous sur notre article dédié.. 2.Choisissez un thème ou une idée centrale Une chanson doit avoir une idée directrice, un fil conducteur. Cela peut être une émotion (la joie, la tristesse, l’espoir), une situation (une rupture, un coup de foudre), ou même une image ou une métaphore forte. Prenez le temps de bien définir le thème central avant de commencer à écrire, car cela guidera l'ensemble du processus créatif. 3. Choisir la structure pour la chanson La structure est le squelette de votre chanson. C’est la manière dont vous organisez vos différentes parties (paroles et musique). 4. Écrire les paroles Les paroles d’une chanson sont cruciales pour transmettre un message, une histoire ou une émotion. Pour bien commencer : Laissez venir les idées naturellement. Utilisez des images et des métaphores.Rimes et rythme : Les rimes ne sont pas obligatoires, mais elles rendent souvent une chanson plus mémorable. Le schéma de rimes le plus courant est ABAB (la première ligne rime avec la troisième, et la deuxième avec la quatrième). Exemple de rimes : Ligne 1 : Je cherche un écho dans la nuit (A) Ligne 2 : Les étoiles ne me répondent pas (B) Ligne 3 : J’avance sans but, sans un bruit (A) Ligne 4 : Le silence m’enveloppe tout bas (B) 5. Créer une mélodie La mélodie est ce qui rend votre chanson reconnaissable et accrocheuse. C’est l’ensemble des notes que vous allez chanter ou jouer. Jouez avec des accords simples : Si vous jouez d’un instrument, commencez par une progression d’accords basique. Les accords simples comme C-G-Am-F (do, sol, la mineur, fa) fonctionnent très bien pour une chanson pop, par exemple. Rendez-vous sur notre article dédié pour trouver des conseils sur comment composer une mélodie ! 6. Associer rythme et paroles Les paroles doivent s’accorder naturellement avec le rythme musical. Le rythme de la chanson (rapide, lent, syncopé, etc.) doit renforcer l’émotion que vous voulez exprimer. Pour que cela fonctionne bien : Répétez vos paroles sur le rythme.Évitez les paroles trop longues : Essayez de ne pas surcharger vos lignes avec trop de syllabes, surtout dans le refrain, pour qu’elles soient plus faciles à chanter et à mémoriser. 7. Affinez et ajustez Une fois que vous avez une version initiale de votre chanson, il est important de prendre du recul et de l’affiner. Voici quelques conseils pour cette étape : Écoutez-la plusieurs fois : Prenez le temps d’écouter et de jouer votre chanson encore et encore. Cela vous permettra de repérer les sections qui fonctionnent bien et celles qui doivent être retravaillées.Simplifiez si nécessaire.Demandez des avis extérieurs : Partagez votre chanson avec des amis ou des musiciens pour avoir des retours. Parfois, une autre oreille peut repérer des choses que vous avez manquées. 8. Ajoutez des arrangements Une fois satisfait de la structure, des paroles et de la mélodie, vous pouvez enrichir votre chanson avec des arrangements musicaux : Harmonies vocales : Ajouter des harmonies à certaines sections (comme le refrain) peut donner plus de profondeur et d’émotion à votre chanson.Instruments supplémentaires : Selon le style de votre chanson, vous pouvez ajouter d’autres instruments (batterie, basse, claviers, etc.) pour donner plus de dynamisme et de richesse sonore.Ajoutez des effets sonores. Les qualités indispensables pour faire carrière dans la musique La persévérance C'est une qualité essentielle. Le monde de la musique est exigeant et compétitif. Vous devez vous préparer à recevoir des critiques et des refus, mais aussi à saisir les opportunités qui se présentent. La créativité Une autre qualité clé. Pour vous démarquer, il est crucial d’apporter quelque chose de nouveau ou de personnel à votre musique. L'organisation et la discipline Elles sont indispensables, que ce soit pour gérer vos réseaux sociaux, vos dates de concert ou les aspects juridiques de votre carrière. Comment percer rapidement et durer dans le monde de la musique ? Percer dans la musique demande non seulement du talent, mais aussi une vraie stratégie. Établissez des connexions avec des professionnels du milieu : producteurs, managers, directeurs artistiques, etc. Participer à des festivals ou des événements musicaux peut aussi vous donner une visibilité précieuse. Pour durer, il faut savoir évoluer avec son temps. Les goûts musicaux changent, les outils de promotion aussi. Continuez à apprendre, à explorer de nouveaux styles et à perfectionner vos compétences. Rester authentique tout en étant ouvert au changement est sans doute la clé du succès à long terme. Mais avant le succès, apprenez avec nos profs ! Avec ces quelques pistes, vous êtes prêt à faire vos premiers pas, que ce soit dans l'apprentissage d’un instrument ou dans votre future carrière musicale. Souvenez-vous que tout grand artiste a commencé quelque part, et que la clé du succès, c’est de rester passionné et persévérant dans vos efforts.
0 Tablature et accords de guitare : Guide pour débutants ...
Si vous avez toujours rêvé de gratter votre guitare en jouant vos morceaux préférés, sans passer par la case solfège, alors vous êtes au bon endroit ! L'article d'aujourd'hui est là pour vous guider à travers l'univers des tablatures et accords de guitare, que vous soyez un débutant ou un guitariste un peu plus avancé. Cet article vous expliquera tout ce qu'il faut savoir pour lire une tablature, comprendre les accords, et surtout, comment les transposer sur le manche de ta guitare. C'est parti ! Tablature ou accords ? Tout savoir Une tablature (ou "tab" pour les intimes) est un système de notation simplifié qui permet de jouer de la guitare sans connaître le solfège. Elle représente le manche de la guitare et indique quelles cordes doivent être jouées et à quel endroit. C’est simple, direct, et parfait pour apprendre vos premiers accords sans vous prendre la tête. Les tablatures sont idéales pour débuter car elles permettent de visualiser où placer vos doigts sur le manche, et elles sont aussi super utiles pour apprendre des morceaux rapidement. Les accords de guitare essentiels Quand on parle d'accords de guitare, on parle de la base de toute bonne chanson. Les accords majeurs (comme le Do majeur, Ré majeur, etc.) sont les premiers que vous apprendrez, car ils forment le socle de nombreux morceaux. Ensuite viennent les accords mineurs, parfaits pour ajouter un peu de mélancolie à votre jeu. Les plus aventureux et aventureuses, se lanceront dans les accords barrés qui, bien que plus difficiles, ouvrent la porte à une infinité de chansons. Grille d'accords vierge Une grille d’accord vierge est un outil fantastique pour composer vos propres chansons ou pour noter rapidement des accords que vous apprenez. Elle vous permet de tracer les positions des doigts sur le manche de la guitare et de garder une trace de vos progressions d’accords préférées. C’est aussi un excellent moyen de visualiser les accords que vous aurez appris en tablature. Accord majeur L'accord majeur est l'une des bases incontournables à la guitare. Qu'il s'agisse du C (Do), du G (Sol), ou du D (Ré), ces accords sont présents dans une multitude de chansons. En tablature, un accord majeur est souvent facile à repérer : les chiffres alignés sur plusieurs lignes montrent où placer vos doigts sur le manche pour produire ce son plein et harmonieux. Ces accords sont parfaits pour débuter, car ils se prêtent bien aux morceaux simples et populaires que tout le monde aime jouer. Accords de base Les accords de base à la guitare sont essentiels pour tout guitariste, qu’il soit débutant ou avancé. On parle ici des incontournables C, G, D, Am, et Em. Ces accords sont utilisés dans d'innombrables chansons, couvrant une large gamme de styles musicaux. Apprendre ces accords à travers des tablatures est un excellent moyen de commencer, car ils vous aideront à vous familiariser avec les positions des doigts sur le manche. Les 4 accords magiques Les fameux "4 accords magiques" ! G, D, Em, et C forment cette combinaison redoutable qui vous permettra de jouer une infinité de chansons pop. Des morceaux de tous horizons utilisent ces accords, et en maîtrisant leur enchaînement grâce à une tablature, vous aurez l'impression de tenir une baguette magique musicale. Ces accords sont parfaits pour impressionner vos amis lors de vos premières soirées guitare ! Accords de puissance Les accords de puissance, ou "power chords", sont l’âme du rock et du punk. Simples à jouer, ils se composent de deux ou trois notes seulement, souvent avec une distorsion pour un son puissant et agressif. En tablature, ces accords sont souvent notés sur deux cordes, comme un 5 suivi d’un 7 sur les deux cordes du bas. Parfaits pour le headbanging ! Accords diminués Les accords diminués ajoutent une couleur unique à vos morceaux. Ils ont un son mystérieux et tendu, parfait pour ajouter du suspense à une progression d'accords. En tablature, ces accords peuvent paraître un peu complexes au début, mais une fois maîtrisés, ils ouvrent des portes vers des compositions plus riches et nuancées. Quels sont les accords de guitare les plus utilisés dans la musique populaire ? Dans la musique populaire, certains accords sont absolument incontournables. Parmi eux, les accords majeurs comme le C (Do), G (Sol), et D (Ré) sont omniprésents. Ils forment souvent la base de nombreux morceaux pop et rock. Les accords mineurs, comme le Am (La mineur) et Em (Mi mineur), ajoutent une touche d'émotion et sont aussi très répandus. Ces accords sont les fondations de milliers de chansons, alors maîtriser ces quelques accords vous permettra déjà de jouer un bon nombre de morceaux connus. Chanson facile avec 3 accords Si vous cherchez une chanson facile avec seulement trois accords, vous avez de la chance ! De nombreux morceaux classiques du rock, de la pop, et même du country ne nécessitent que trois accords. Une tablature pour ce genre de chanson est parfaite pour les débutants qui veulent jouer des morceaux simples et immédiatement reconnaissables. Selon le style musical Accords Flamenco Les accords flamenco sont synonymes de passion et d'énergie. Joués sur une guitare classique, ils comprennent souvent des accords majeurs et mineurs enrichis de neuvièmes ou de quintes diminuées. En tablature, vous verrez des positions qui peuvent sembler un peu acrobatiques, mais c’est ce qui donne au flamenco toute sa saveur. Maîtriser ces accords vous transportera directement en Andalousie. Accords en Jazz Les accords de jazz, avec leurs septièmes, neuvièmes et treizièmes, sont un univers à part. En utilisant une tablature, vous pourrez découvrir ces accords sophistiqués et apprendre à les intégrer dans vos propres compositions. Le jazz demande un peu plus de théorie et de pratique, mais une fois que vous aurez compris le système, les possibilités seront infinies. Accords en Reggae Le reggae, c’est un groove particulier, et les accords utilisés reflètent cette vibe unique. Les accords majeurs et mineurs sont souvent joués en contretemps, avec un style de jeu très "staccato". En tablature, vous trouverez souvent des progressions simples mais efficaces, parfaites pour capturer l’esprit de Bob Marley et des Wailers et de bien d'autres. Quels sont les accords les plus utilisés dans le blues ? Le blues repose sur une structure d'accords bien spécifique, souvent centrée autour des accords de septième. Les plus courants sont le E7 (Mi septième), A7 (La septième), et B7 (Si septième). Ces accords ajoutent cette touche bluesy, légèrement dissonante, qui donne tout son caractère à ce genre musical. Apprendre à jouer ces accords vous ouvrira les portes du blues, vous permettant de jouer de nombreux morceaux classiques du genre. Quels sont les accords de guitare utilisés dans les chansons folkloriques françaises ? Les chansons folkloriques françaises utilisent souvent des accords simples mais efficaces. Les accords majeurs comme le C (Do), G (Sol), D (Ré), et F (Fa) sont fréquemment utilisés. Les accords mineurs comme le Am (La mineur) sont également très présents pour introduire une touche de mélancolie. Ces accords sont les piliers des chansons traditionnelles françaises, étant donné leur caractère distinctif et leur accessibilité, même pour les débutants. Quels sont les accords de guitare utilisés dans les chansons classiques ? Les chansons classiques, qu’elles soient issues du répertoire traditionnel ou de grands compositeurs comme Mozart et Beethoven, utilisent souvent des accords majeurs et mineurs simples. Le C (Do majeur), le G (Sol majeur) et l'Am (La mineur) sont fréquents. Les morceaux plus complexes peuvent intégrer des accords de septième ou des variations, mais la beauté du classique réside souvent dans la simplicité de ses accords, soutenant des mélodies riches et émouvantes. Quels sont les accords de guitare essentiels que tout débutant devrait connaître ? Pour commencer ton voyage musical à la guitare, il y a quelques accords essentiels à maîtriser. Les accords majeurs C (Do), G (Sol), et D (Ré) sont des incontournables, tout comme les mineurs Am (La mineur) et Em (Mi mineur). Ces cinq accords vous permettront déjà de jouer une multitude de chansons. Entraîne-vous à bien les enchaîner, car ils constituent la base de nombreuses progressions d'accords utilisées dans la musique populaire. Comment jouer des accords de guitare barrés ? Ah, les accords barrés, le cauchemar de nombreux débutants mais un passage obligé pour tout guitariste sérieux ! Pour jouer un accord barré, utilisez votre index pour appuyer sur toutes les cordes d'une frette, ce qui remplace le rôle du capodastre, et formez l'accord avec vos autres doigts. Par exemple, un F (Fa) barré est un E (Mi) majeur décalé d'une frette. La clé ici est de bien positionner votre pouce derrière le manche pour fournir assez de pression sans vous fatiguer. Avec un peu de pratique, vous pourrez jouer des accords barrés avec aisance. Tablature pour guitare : tout savoir Pas de panique, lire une tablature, c’est bien plus simple que ça en a l’air ! Chaque ligne de la tablature correspond à une corde de votre guitare, et les chiffres vous disent sur quelle frette appuyer. Facile, non ? Le secret, c’est de bien s’entraîner à coordonner votre main gauche (pour appuyer sur les cordes) et votre main droite (pour gratter les cordes). Avec un peu de pratique, vous serez capable de jouer vos premiers morceaux en un rien de temps ! Comment interpréter les tablatures pour jouer des accords de guitare ? Interpréter les tablatures pour jouer des accords de guitare est un jeu d’enfant une fois que vous comprenez le principe. Les tablatures représentent le manche de la guitare avec chaque ligne correspondant à une corde, et les chiffres indiquent la frette sur laquelle appuyer. Par exemple, un "0" signifie jouer la corde à vide, tandis qu’un "3" vous demande d'appuyer sur la troisième frette. En suivant les chiffres, vous formez l'accord directement sur votre manche. C’est simple, mais ça demande un peu de pratique pour maîtriser les transitions entre les accords. Ressources en ligne pour apprendre Internet regorge de ressources pour vous aider à apprendre à jouer de la guitare. Que vous soyez plutôt vidéo YouTube, tutoriels écrits, ou applications interactives, vous trouverez forcément votre bonheur. Astuces pour progresser rapidement On sait que vous avez hâte de jouer comme un pro. C’est pourquoi on vous donne quelques astuces pour progresser plus vite. Par exemple, vous entraîner régulièrement à changer d’accords en gardant le rythme est crucial. Accorder votre guitare (merci l’accordeur !) est également indispensable avant de jouer. Enfin, variez vos exercices pour ne jamais vous lasser. Et pour les plus motivés, pourquoi ne pas essayer de composer vos propres morceaux ? Techniques avancées : enrichir vos accords Une fois que vous vous sentirez à l’aise avec les accords de base, il sera temps de passer à la vitesse supérieure ! Par exemple en partant sur des techniques avancées pour enrichir vos accords, comme les arpèges, le vibrato, ou encore le barré. Ces techniques vous permettront de donner une touche personnelle à votre jeu et de vraiment vous approprier les morceaux que vous jouez. Les meilleurs morceaux pour débuter Rien de tel que de commencer par jouer des morceaux simples et connus pour prendre confiance en soi. On vous partage une liste de chansons faciles à jouer. Des classiques du rock aux chansons pop contemporaines, il y en a pour tous les goûts ! Consultez notre article dédié pour découvrir 10 morceaux faciles à la guitare. Tablature avec 3 accords Ah, les tablatures à trois accords ! Si vous cherchez à jouer rapidement vos premières chansons à la guitare, c’est par ici que ça se passe. Beaucoup de morceaux minimalistes utilisent souvent une combinaison d'accords majeurs et mineurs (comme le G, C, et D) et sont idéaux pour les débutants. En maîtrisant ces trois accords, vous pourrez déjà jouer une multitude de chansons populaires et vous faire plaisir sans attendre. Tablatures de guitare gratuites & accords gratuits Pour trouver des tablatures d'accords gratuites, de nombreux sites comme Ultimate Guitar ou Songsterr offrent une large sélection. Que vous cherchiez des accords pour des classiques ou des chansons modernes, il y a de fortes chances que vous trouviez votre bonheur. Les tablatures gratuites sont un excellent moyen de pratiquer sans investir dans des partitions coûteuses. Les tablatures d’accords gratuites sont une ressource précieuse pour les guitaristes de tous niveaux. Elles permettent d’accéder à un large éventail de morceaux sans dépenser un centime. En les cherchant sur des sites populaires, vous pourrez commencer à apprendre vos morceaux préférés et à explorer de nouveaux horizons musicaux. Découvrez notre article dédié pour savoir où trouver vos tablatures de guitare ! Bossa Nova La Bossa Nova, avec ses accords syncopés et ses harmonies riches, est un genre qui demande finesse et précision. Les accords utilisés dans ce style sont souvent des variations sophistiquées des accords de jazz, avec des neuvièmes et des treizièmes qui créent cette sonorité douce et entraînante. Les tablatures de Bossa Nova peuvent sembler intimidantes au début, mais elles sont la clé pour maîtriser ce style brésilien emblématique. Comment trouver facilement des tablatures pour apprendre les accords de guitare ? Trouver des tablatures pour apprendre les accords de guitare n’a jamais été aussi simple ! Aujourd’hui, il existe une multitude de sites et d’applications dédiés qui permettent de chercher des morceaux par titre, artiste, ou même par genre musical. Des sites comme Ultimate Guitar et Chordify sont des incontournables, offrant des tablatures pour tous les niveaux, souvent avec des notations de qualité. Et si vous voulez une expérience plus interactive, des apps comme Guitar Pro permettent de lire des tablatures tout en les écoutant, ce qui est parfait pour vous assurer que vous jouez bien les bons accords. En résumé, les tablatures et les accords de guitare sont des outils formidables pour apprendre à jouer rapidement et efficacement. Que vous soyez un novice qui découvre l'instrument ou un guitariste expérimenté cherchant à élargir son répertoire, vous voilà avec assez d'informations pour vous lancer en toute sérenité. Alors, n’attendez plus, prenez votre guitare et lancez-vous dans l’apprentissage des tablatures et accords pour devenir le musicien que vous avez toujours rêvé d’être ! Et en cas de doute, n'hésitez pas à faire appel à un professeur particulier pour vous prodiguer des cours de guitare !
0 Moby Tour 2024, le grand retour après 10 ans d'absence ...
Cette année, le musicien reconnu Moby, a réalisé une tournée mémorable dans plusieurs villes européennes. Après dix années d'absence pour l'artiste, les fans étaient très pressés de profiter de ce retour tant attendu. Retour sur une tournée haute en engagement qui valait le coup d'être vue ! Et ça tombe bien, nous y étions pour vous en faire profiter, alors découvrez le Moby Tour 2024 avec nous. Moby Play 25th Anniversary Tour 2024 Le grand retour de l'artiste Le Moby Play 25th Anniversary Tour 2024 célébrait les 25 ans de l'album emblématique Play de Moby, sorti en 1999. C'était la première tournée de l'artiste en plus de 10 ans. Elle comprenait plusieurs dates européennes, dont un concert au Zénith de Paris le 24 septembre 2024. L'album Play, qui contient des titres cultes comme Porcelain, Natural Blues et Why Does My Heart Feel So Bad?, est devenu l'un des plus grands succès de la musique électronique, avec plus de 12 millions d'exemplaires vendus. Une tournée engagée pour les animaux Le Moby Tour 2024 était non seulement un événement musical marquant pour célébrer les 25 ans de l'album iconique Play, mais il était aussi imprégné du militantisme et de l'engagement de l'artiste en faveur des droits des animaux. Moby, végan depuis plus de 30 ans, a fait de cette cause une priorité dans tous ses projets, dont cette tournée incroyable après 10 ans d'absence. Lors de ses concerts, le public était invité pour une expérience vegan immersive, avec des menus entièrement végétaliens pour les spectateurs et spectatrices déjà engagés mais aussi les autres ! Les plats provenaient de restaurants spécialisés ou étaient concoctés grâce aux produits d'entreprises d'alimentation véganes de chaque pays. En plus de la nourriture, Moby utilise son influence pour promouvoir le véganisme et sensibiliser son public durant le Moby Tour 2024. À travers ses concerts, il crée un lien fort entre son art et son activisme, convaincu que chacun, y compris les artistes, a un rôle à jouer dans la lutte pour les droits des animaux et pour la durabilité environnementale. Il a donc projeté différents messages, notamment celui de Jane Goodall, grande éthologue et anthropologue reconnue dans le monde scientifique pour son travail auprès des grands singes. L'occasion pour l'artiste avec ce Moby Tour 2024 de montrer à tous et toutes que cette nouvelle tournée musicale était un évènement alliant musique et engagement. En effet, l'artiste avait pensé à tout afin que le Moby Tour 2024 respecte totalement ses convictions, dans l'espoir de rallier le plus de monde possible à cette cause. Enfin, l'intégralité des bénéfices de la tournée sera reversée à des associations européennes de protection animale, soulignant ainsi l'engagement de l'artiste à soutenir les droits des animaux à travers des actions concrètes. Les fonds soutiendront donc des associations européennes telles que PETA et Mercy For Animals, qui se consacrent à la protection des animaux et à la promotion de modes de vie véganes. Mike Formanski - Crédit photo Les dates de la tournée Londres, Royaume-Uni - 19 septembre 2024 (The O2 Arena) Anvers, Belgique - 21 septembre 2024 (Sportpaleis) Berlin, Allemagne - 22 septembre 2024 (Velodrome) Düsseldorf, Allemagne - 23 septembre 2024 (Mitsubishi Electric Hall) En France, son concert au Zénith, à Paris, était prévu le 24 septembre 2024 et nous y étions ! Avec en première partie, l'artiste Lady BlackBird, pourvue d'une voix incroyable et d'une prestance faite pour la scène. Moby a d'ailleurs collaboré avec elle pour son dernier album avec le morceau Dark Days. Lausanne, 25 septembre 2024 Pour clôturer le Moby Tour 2024, Moby fera escale à Lausanne, une ville suisse connue pour son riche patrimoine culturel. Ce passage dans une ville aussi renommée souligne l'importance de sa tournée "Play 25th Anniversary Tour", où il célèbre 25 ans de carrière. Moby a souvent été accueilli avec enthousiasme en Suisse, et ce concert à Lausanne offrira sans nul doute à ses fans suisses une chance unique de revivre certains des moments les plus mémorables de sa discographie, tout en assistant à une performance où sa passion pour la musique et son activisme se rencontrent. Cette tournée rempli toutes ses promesses en proposant une expérience intense et émotionnelle, à la fois pour célébrer un album qui a marqué l'histoire de la musique, mais aussi pour soutenir une cause importante pour l'artiste et bon nombre de ses fans. BIOGRAPHIE Moby, un artiste à part Un DJ reconnu Moby a commencé sa carrière musicale en tant que DJ au début des années 1990, en se produisant dans des clubs underground à New York. Son style est marqué par des influences diverses, allant du punk rock à la house et à la techno. Il est rapidement devenu un nom reconnu sur la scène de la musique électronique grâce à ses talents de remixeur et DJ, capable de faire vibrer les foules avec des sets éclectiques. Même après avoir atteint la célébrité en tant qu'artiste solo, il a continué à mixer dans des clubs et festivals, soulignant son amour de la performance en direct et de l'interaction avec le public. La musique de Moby est réputée pour sa capacité à fusionner des genres musicaux variés tels que l'électronique, le rock, l'ambient, et même le gospel. Avec des titres iconiques comme Porcelain et Natural Blues, il a su capturer des émotions profondes tout en conservant un côté accessible pour le grand public. Ses morceaux sont souvent utilisés dans des films, publicités, et séries TV, renforçant sa notoriété mondiale. La capacité de Moby à transmettre des atmosphères à la fois mélancoliques et euphoriques fait de sa musique un choix prisé dans l'industrie culturelle. Moby Producer : production en solo de l'album PLAY En tant que producteur, Moby s'est imposé comme une figure centrale de la musique électronique. Son talent réside dans sa capacité à transformer des samples et des beats minimalistes en véritables chefs-d'œuvre sonores. L'album Play (1999), qu'il a produit entièrement lui-même, est devenu un phénomène mondial, en partie grâce à son utilisation innovante de chants traditionnels et de voix anciennes qu'il a remixés pour en faire des morceaux modernes. En tant que producteur, il a travaillé non seulement sur ses propres albums, mais aussi sur des remixes pour d'autres artistes, marquant ainsi l'industrie de son empreinte. The Recording Artist, Richard Melville Hall Né Richard Melville Hall en 1965, Moby est un descendant du célèbre écrivain Herman Melville, auteur de Moby Dick, d'où il tire son surnom. En grandissant dans un environnement musical à New York, il s'est passionné très tôt pour la musique. Multi-instrumentiste, il a d'abord fait ses armes dans des groupes de punk rock avant de se tourner vers la musique électronique. Avec une carrière qui s'étend sur plus de trois décennies, Moby est reconnu non seulement pour sa musique, mais aussi pour son engagement en faveur des droits des animaux et du véganisme, faisant de lui une figure influente au-delà de la musique. Moby a su redéfinir ce qu’est un artiste d'enregistrement grâce à ses contributions uniques à la musique électronique et populaire. En tant que recording artist, il a vendu des millions d'albums à travers le monde, avec des titres tels que Play, 18, et Hotel. Son approche avant-gardiste de la production et de la composition a été acclamée tant par la critique que par le public, faisant de lui un des artistes les plus respectés de sa génération. Il a également su évoluer au fil du temps, intégrant des éléments de la musique classique, du punk et du folk dans ses travaux. Music by Moby La musique de Moby est un univers à part entière, traversé par des sons introspectifs, des rythmes envoûtants, et des influences diverses allant de la musique électronique à la soul en passant par le rock et le gospel. Ses albums les plus populaires, tels que Play et 18, ont marqué des générations de fans et ont permis à la musique électronique de franchir les frontières du mainstream. Moby est également reconnu pour son utilisation innovante de samples, souvent tirés d'enregistrements historiques et de chants traditionnels, qu'il remixe pour créer des paysages sonores modernes et captivants. Touchant un public varié, la musique de Moby a réuni des spectateurs et spectatrices de tout âge lors de son concert au Zénith et durant le reste de son Moby Tour 2024? preuve en est que la musique défie le temps qui passe ! Si la carrière de Moby vous fait rêver et que vous êtes à deux doigts de vous lancer, n'hésitez pas à nous contacter pour prendre des cours de musique. S'il y a bien une chose que l'on a retenu de ce concert au Zénith c'est que les artistes comme Moby savent faire preuve de modestie et mettre en valeur les autres talents avec qui ils partagent la scène. Peut-être que la violoniste, l'une des chanteuses ou encore l'un des guitaristes sur scène avec Moby, aurait pu être vous ! Ne loupez pas une opportunité de faire de la musique et contactez-nous ! Petit plus : Les 5 morceaux les plus connus de Moby Porcelain – L'un des titres les plus emblématiques de l'album Play (1999), avec une mélodie douce et mélancolique qui mélange électronique et arrangements orchestraux. Ce morceau a été largement utilisé dans des films, publicités et séries, renforçant sa popularité. Natural Blues – Autre morceau phare de l'album Play, il se distingue par son utilisation d'un sample de chant gospel, donnant une dimension émotionnelle et spirituelle à la musique électronique. Why Does My Heart Feel So Bad? – Toujours issu de l'album Play, cette chanson mêle des éléments électroniques et soul, et est rapidement devenue un classique de Moby, explorant des thèmes de tristesse et de rédemption. Extreme Ways – Connu pour être utilisé dans la bande sonore des films de la série Jason Bourne, ce morceau énergique de l'album 18 (2002) est devenu un des plus reconnaissables de Moby. Go – L'un de ses premiers succès, datant de 1991, ce morceau l'a propulsé sur la scène internationale avec son mélange unique de musique house et de samples de films, devenant un classique des clubs dans les années 1990. Ces morceaux ont non seulement marqué la carrière de Moby, mais aussi influencé durablement la musique électronique grand public.
0 Meilleur ampli vintage : guide complet pour choisir le votre ...
Vous cherchez le meilleur ampli vintage pour redécouvrir la chaleur et l’authenticité du son analogique ? Que vous soyez passionné de hifi vintage, amateur d’amplificateur hifi d’occasion ou collectionneur en quête d’un ampli hifi vintage haut de gamme, ce guide est fait pour vous. Nous allons explorer ensemble les modèles les plus légendaires — des amplis Marantz vintage aux amplis Sansui, en passant par le meilleur ampli Luxman vintage, les références Technics, Sony ou NAD — tout en vous donnant des conseils pratiques pour choisir, acheter et entretenir votre ampli. Pourquoi choisir un ampli vintage ou une chaîne hifi vintage haut de gamme ? Depuis quelques années, la passion pour le vintage connaît un véritable renouveau. Après le retour du vinyle, c’est au tour des amplificateurs de séduire une nouvelle génération de mélomanes. Pourquoi ? Parce qu’un ampli vintage ou une chaîne hifi vintage haut de gamme ne se contente pas de restituer un signal sonore : il apporte une chaleur, une profondeur et une authenticité qu’on ne retrouve pas toujours dans les appareils numériques modernes. Posséder un ampli hifi vintage haut de gamme, c’est aussi renouer avec une époque où l’on fabriquait des appareils robustes, pensés pour durer, avec un véritable savoir-faire artisanal. C’est à la fois un objet technique, esthétique et émotionnel, qui s’inscrit dans une démarche de redécouverte de la musique sous sa forme la plus pure. Découvrir ou redécouvrir le charme d’un ampli vintage, c’est se rapprocher de l’essence même de la musique : un son chaleureux, vivant et plein d’émotion. Et si vous alliez plus loin dans cette expérience en apprenant à jouer vous-même ? Dans nos Ecoles Privées de Musique nos professeurs passionnés vous accompagnent, que vous souhaitiez maîtriser la guitare électrique pour profiter pleinement de votre ampli à lampes, ou explorer le piano et la hifi pour enrichir vos écoutes. Prenez un cours, laissez-vous guider… et faites vibrer votre ampli vintage avec vos propres notes. Le son unique d’un ampli hifi vintage : qu’est-ce qui fait la différence ? Quand on parle de hifi vintage, les amateurs évoquent presque toujours ce fameux “grain” chaleureux, vivant et enveloppant qui distingue un ampli d’époque d’un modèle moderne. Cette signature sonore tient à plusieurs éléments techniques, mais aussi à une philosophie de conception. Au cœur de nombreux amplis des années 60 et 70 se trouvent les lampes, ou tubes, qui colorent naturellement le signal. Elles produisent une légère saturation, douce et musicale, qui enrichit le son en harmoniques et lui donne une chaleur impossible à reproduire parfaitement avec le numérique. L’électronique analogique joue également un rôle essentiel : contrairement aux circuits digitaux, elle respecte la continuité du signal, permettant de restituer toutes les nuances, même les plus subtiles. Enfin, la dynamique sonore d’un ampli vintage crée une interaction directe avec l’auditeur ou le musicien. Le volume, l’intensité ou le style de jeu influencent la réponse de l’appareil, donnant l’impression d’un dialogue vivant avec la musique. Le résultat, c’est un rendu sonore peut-être moins “clinique” ou “parfait” d’un point de vue technique, mais infiniment plus expressif et humain. C’est précisément cette authenticité qui séduit encore aujourd’hui les passionnés de hifi vintage haut de gamme. Les légendes : le meilleur ampli hifi de tous les temps Pour la guitare Fender Twin Reverb : un incontournable des années 60-70, connu pour ses sonorités cristallines et son reverb intégré. Marshall Plexi : véritable référence du rock britannique, avec une saturation mythique qui a façonné le son d’Hendrix et de Led Zeppelin. Vox AC30 : favori des Beatles et de Queen, célèbre pour ses aigus brillants et son grain unique. Pour la hifi vintage Les meilleurs amplis Marantz vintage : le Marantz 2270 ou le 2230 restent des icônes absolues, alliant design et chaleur sonore. Les meilleurs amplis Sansui vintage : le Sansui AU-717 est une référence pour sa robustesse et son rendu précis. Meilleur ampli Luxman vintage : le Luxman L-505 séduit par sa sonorité raffinée et sa construction haut de gamme. Ampli Technics vintage et meilleur ampli Technics vintage : les modèles SU-7700 et SU-V9 incarnent la puissance et la fiabilité de la marque. Ampli Sony vintage : avec le TA-F5A, Sony a marqué l’histoire de la hifi domestique. Meilleur ampli NAD vintage : le NAD 3020, ampli mythique des années 80, est l’un des plus vendus de tous les temps. Meilleur préampli hifi vintage : le McIntosh C22 reste une légende pour les audiophiles exigeants. Ces modèles ne sont pas seulement des appareils : ce sont des icônes sonores, qui continuent d’inspirer musiciens et audiophiles à travers le monde. Amplificateur hifi vintage vs ampli moderne : lequel choisir ? Lorsqu’on hésite entre un ampli hifi vintage haut de gamme et un modèle moderne dernier cri, la réponse n’est jamais tranchée : tout dépend de vos attentes, de votre usage et de votre sensibilité sonore. Un amplificateur hifi vintage séduit avant tout par son son chaleureux et authentique, cette coloration naturelle des lampes que le numérique a toujours du mal à imiter. À cela s’ajoute une esthétique intemporelle, faite de boiseries, de boutons métalliques et de façades rétro qui en font de véritables objets de collection. Enfin, la valeur d’un ampli vintage est rarement perdue : certains modèles rares prennent même de la valeur avec le temps, ce qui en fait autant un investissement qu’un plaisir auditif. Bien sûr, le charme du vintage a ses contraintes. Ces appareils nécessitent un entretien régulier : lampes à remplacer, câblage à vérifier, potentiomètres à nettoyer. Leur poids et leur encombrement sont souvent supérieurs à ceux des amplis modernes. Et le prix, pour certains modèles recherchés, peut rapidement grimper. En face, un ampli moderne – par exemple un ampli hifi Denon – séduira par sa polyvalence. Connectique complète (Bluetooth, HDMI, Wi-Fi), légèreté, fiabilité immédiate : tout est pensé pour répondre aux usages contemporains. Mais pour beaucoup d’audiophiles, il lui manquera ce petit supplément d’âme sonore qui fait le charme d’un ampli vintage haut de gamme. La solution idéale pourrait bien être de ne pas choisir : profiter de la chaleur d’un amplificateur hifi d’occasion pour vos écoutes analogiques les plus précieuses, et utiliser un ampli moderne pour la praticité du quotidien. Un mariage entre hier et aujourd’hui, qui permet de tirer le meilleur des deux mondes. Comment choisir un ampli hifi vintage pour vous ? Trouver le meilleur ampli hifi vintage n’est pas seulement une question de goût : c’est aussi une affaire de besoins, de contexte et de budget. Avant de craquer pour un modèle mythique, il est important de se poser quelques questions essentielles. D’abord, pensez à l’usage que vous en ferez. Un guitariste ne choisira pas le même ampli qu’un passionné de haute fidélité domestique. Un ampli pour basse, par exemple, doit offrir plus de profondeur et de puissance, tandis qu’un amplificateur hi-fi pour le salon privilégiera la précision et l’équilibre. La puissance est également déterminante. Inutile d’acheter un monstre de 100 watts à lampes si vous vivez en appartement : non seulement vous ne pourrez pas l’exploiter pleinement, mais vous risquez aussi de déranger tout le voisinage. À l’inverse, si vous jouez sur scène ou si vous avez une grande pièce d’écoute, mieux vaut prévoir une réserve de puissance confortable. Vient ensuite la question du budget. On trouve des amplificateurs hifi d’occasion à partir de 300 €, parfaits pour débuter dans le vintage. Mais une chaîne hifi vintage haut de gamme ou un modèle rare peut grimper bien au-delà de 5000 €. L’important est de définir en amont le montant que vous souhaitez investir, en gardant à l’esprit qu’un ampli vintage bien entretenu conserve souvent sa valeur, voire l’augmente. Le choix de la marque joue aussi un rôle clé. Les amateurs de chaleur sonore se tourneront volontiers vers les meilleurs amplis Marantz vintage, quand d’autres préfèreront la robustesse d’un Sansui, l’élégance raffinée d’un Luxman vintage, la fiabilité d’un ampli Technics vintage, l’innovation d’un ampli Sony vintage, ou encore la musicalité accessible d’un meilleur ampli NAD vintage. Chaque constructeur a sa signature sonore, et il est toujours intéressant d’écouter avant de choisir. Enfin, n’oubliez pas de vérifier l’état général de l’appareil. Inspectez l’usure des lampes, assurez-vous qu’il n’a pas subi de réparations approximatives, et privilégiez les amplificateurs hifi d’occasion vendus par des professionnels ou des passionnés reconnus. Cela vous évitera de mauvaises surprises et garantira une expérience d’écoute optimale. En somme, choisir son ampli vintage, c’est un peu comme choisir un instrument de musique : il faut tenir compte des critères objectifs, mais aussi se laisser guider par le coup de cœur. Entretenir un ampli vintage haut de gamme : mode d’emploi Posséder un ampli vintage haut de gamme est un vrai plaisir, mais il faut en prendre soin : Changer les lampes régulièrement pour conserver un son optimal. Nettoyer les contacts et potentiomètres afin d’éviter les grésillements. Confier les réparations à un technicien spécialisé : la haute tension des lampes peut être dangereuse. Protéger l’ampli de l’humidité, de la poussière et des variations de température. Un ampli bien entretenu peut durer plusieurs décennies et offrir encore longtemps cette sonorité authentique qui fait tout son charme. Conclusion : quel est l'ampli vintage fait pour vous ? Alors, quel est le meilleur ampli vintage ? En réalité, il n’y a pas de réponse universelle.Pour certains, ce sera le meilleur ampli Marantz vintage, pour d’autres le meilleur ampli Sansui ou encore le meilleur ampli NAD vintage. Les passionnés de haute fidélité rêveront peut-être d’un ampli Luxman vintage haut de gamme ou d’un préampli McIntosh légendaire. L’important est de trouver l’appareil qui correspond à vos oreilles, à votre budget et à votre sensibilité musicale. Car au-delà des chiffres et des caractéristiques techniques, un ampli hifi vintage est avant tout une affaire de coup de foudre : celui d’un son, d’une émotion, et d’une histoire qui continue de vivre à travers chaque note. Dans nos Ecoles Privées de Musique, nous croyons que la musique est faite pour être ressentie pleinement. Et quoi de mieux qu’un amplificateur hifi d’occasion ou une chaîne hifi vintage haut de gamme pour retrouver ce frisson unique d’un son chaleureux, authentique et intemporel ? FAQ : tout savoir sur les amplis vintage et hifi d’occasion Où acheter un ampli hifi occasion fiable ? Vous pouvez trouver un ampli hifi occasion chez des revendeurs spécialisés, dans des magasins de hifi vintage, ou encore sur des sites d’enchères et de petites annonces. L’idéal est de privilégier les vendeurs qui testent et révisent leurs modèles, afin de garantir la fiabilité de l’amplificateur hifi occasion. Quel est le meilleur pour débuter ? Pour une première expérience dans la hifi vintage, mieux vaut choisir un modèle accessible et répandu comme un ampli Marantz vintage (2230, 2270) ou un Sansui AU-717. Ce sont des valeurs sûres, faciles à trouver et à entretenir. Combien coûte un ampli Sony vintage ou un ampli Technics vintage ? Un ampli Sony vintage se trouve généralement entre 300 et 800 €, selon l’état et le modèle. Un ampli Technics vintage, comme le SU-7700 ou le SU-V9, peut varier de 400 à plus de 1000 € s’il est en parfait état. Les prix augmentent pour les modèles rares ou haut de gamme. Quel est le meilleur ampli Luxman vintage ? Le meilleur ampli Luxman vintage est souvent cité comme le Luxman L-505 pour sa musicalité raffinée et son design haut de gamme. D’autres modèles comme le L-550 ou le L-80 sont également très recherchés des audiophiles. Quels sont les meilleurs amplis Sansui ? Les meilleurs amplis Sansui incluent le AU-717, le AU-9500 et le AU-D11. Ils sont réputés pour leur robustesse et leur rendu sonore puissant et précis. Ces modèles sont particulièrement appréciés dans le monde de la hifi vintage haut de gamme. Quels sont les meilleurs ampli Marantz vintage ? Parmi les meilleurs ampli Marantz vintage, on retrouve les modèles 2230, 2270 et 2325. Ils combinent chaleur sonore, puissance et une esthétique rétro devenue iconique. Quel est le meilleur ampli NAD vintage ? Le meilleur ampli NAD vintage reste le NAD 3020, un modèle historique considéré comme l’un des amplis les plus vendus de tous les temps. Il séduit encore aujourd’hui par sa simplicité et sa qualité sonore exceptionnelle pour son prix. Quel est le meilleur préampli hifi vintage ? Le meilleur préampli hifi vintage est sans doute le McIntosh C22, véritable référence audiophile. Sa qualité de fabrication et sa sonorité chaleureuse en font une pièce de collection convoitée
