Cours de Musique à Monaco Cours de Musique à Monaco

  • 0 Le bon placement des mains à la guitare ...

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    Le placement de la main gauche et de la main droite à la guitare fait partie des bases que tout débutant guitariste se doit de maitriser. Avoir une bonne posture contribue à réduire les douleurs aux doigts et aux articulations. C'est aussi un indispensable pour éviter de faire vibrer les cordes, pour conserver une bonne précision et pour acquérir davantage de dextérité et de vélocité. Que vous commenciez tout juste la guitare ou que vous décidiez de revoir les bases, voici tout ce qu'il faut savoir sur le placement des deux mains.     Les repères pour bien positionner sa main gauche Pour la suite de cet article, nous considérerons que le guitariste est droitier et que sa main gauche est donc celle située sur le manche, tandis que sa main droite pince les cordes au niveau de la caisse. Si vous êtes guitariste gaucher, inversez simplement les mains. Position du poignet et du pouce Le placement de la main gauche est sans doute celui qui donne le plus de fil à retordre aux apprentis guitaristes. En effet, il requiert une souplesse que tous les poignets n'ont pas instinctivement. Pas d'inquiétude, au fur et à mesure, cette agilité devient de plus en plus présente. Cependant, il ne faut pas vous inquiéter si vous avez des tensions lors des premières séances. Prenez le temps d'étirer vos poignets et vos doigts et progressez à votre rythme. Le pouce de la main gauche constitue le point de contact avec l'arrière du manche de la guitare. Il est placé de façon perpendiculaire au manche, à plat, et se déplace dans cette position avec le reste de la main.     Position de l'index, de l'annulaire, de l'auriculaire et du majeur Les doigts restants, quant à eux, forment comme une pince au-dessus des cordes. Légèrement arrondis, ils doivent arriver verticalement sur les cases pour bien écraser les cordes. L'endroit exact où appuyer dépend des accords joués, mais en règle générale, vous devez essayer de poser votre doigt le plus près possible de la frette ou du sillet (le renflement qui sépare les différentes cases) du côté de la caisse. Les notes seront ainsi plus justes.     Vous comprendrez vite l'importance de conserver des ongles courts afin de ne pas être gêné par votre main gauche. Ce principe aidera également à la formation de la corne au bout de vos doigts, qui rend moins douloureux le contact avec les cordes à fort tirant ou métalliques. Les repères pour bien positionner sa main droite Comme vous le constaterez certainement si vous prenez des cours particuliers de guitare, le placement de la main droite se fait plus facilement et plus naturellement que celui de la main gauche. Dès l'instant où votre guitare est bien positionnée, votre main droite devrait tomber naturellement au niveau de la caisse dans un angle approximatif de 60°, ni complètement perpendiculaire ni parallèle aux cordes.     Conservez toujours une bonne souplesse dans votre bras et votre poignet. Pour faire des allers-retours efficace, la main droite doit être détendue et libre. Lorsque vous sentez les tensions s'installer, faites une pause et étirez votre haut du corps avant de reprendre.     Maitriser la pression des doigts sur les cordes de la guitare Au-delà de la posture des mains, les guitaristes amateurs rencontrent souvent une autre difficulté, celle de la pression à mettre sur les cordes. Au départ, il est coutumier de ne pas oser appuyer assez fort, et les douleurs au bout des doigts n'aident pas à écraser correctement les cordes. Celles-ci, mal bloquées par la main gauche, vont alors vibrer, produisant des interférences désagréables avec la musique.     Faites preuve de fermeté lorsque vous appuyez sur les cordes. Les doigts bien perpendiculaires au manche, placez la pulpe du doigt sur la corde et écrasez-la jusqu'à ce qu'elle touche le manche. Si vous avez vraiment du mal à dépasser cette difficulté courante chez les guitaristes, il est probable que vos cordes aient un tirant trop élevé. Changez-les pour des cordes extra-light. Il faut noter que les cordes de guitare folk et de guitare électrique sont plus irritantes pour la pulpe des doigts car métalliques. Mais elles contribuent à la formation rapide de la corne protectrice.     Adapter sa posture au type de manche Vous pensiez que toutes les guitares avaient le même manche ? Et bien non, il en existe plusieurs formes comme : le manche "boat", au profil plus pointu et épais que le manche standard; le manche "fat", très large et épais; le manche "clapton" qui se définit par un profil acéré; le manche "wolfgang", légèrement asymétrique; le manche en "u", très arrondi. N'hésitez surtout pas à tester différents manches de guitare dans un magasin de musique : vous comprendrez tout l'intérêt d'en choisir un adapté à la morphologie de vos mains (grandes ou petites, larges ou fines, souples ou raides....).

  • 0 Chanter, un antidote naturel contre la déprime et l'anxiété ...

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    Le stress, l'angoisse, la déprime passagère ou plus installée sont dépendants de nombreux facteurs : génétiques, sociaux, réactionnels mais aussi environnementaux. D'après l'OMS, les troubles dépressifs ont augmenté dans le monde de plus de 18% depuis 2005. En ce qui concerne l'anxiété, 21% des français sont susceptibles d'en connaitre au moins un épisode entre 18 et 65 ans. Plutôt que de se tourner systématiquement vers les médicaments, il est intéressant d'exploiter d'autres pistes pouvant améliorer les symptômes. Le chant fait partie des techniques efficaces pour traiter la déprime et l'anxiété.     Comment le chant permet-il de réduire l'anxiété ?   Des simples sueurs froides à la véritable attaque de panique, l'anxiété et l'angoisse ont un impact considérable sur la qualité de vie. Elles se caractérisent notamment par une "boule au ventre", par des tensions musculaires très marquées entrainant des douleurs chroniques et par des difficultés à communiquer ou à mener une vie sociale normale. La pratique du chant agit de façon très concrète sur différents aspects de l'anxiété. Elle permet d'exprimer des émotions trop fortes par la musique et les paroles. Elle contribue à  relâcher tous les muscles grâce aux différents exercices de préparation. Elle assure un vrai massage intérieur, notamment au niveau du dos et du ventre par les vibrations produites par le chant. Elle aide à se concentrer sur la respiration, un exercice bien connu en sophrologie pour apaiser le mental. Elle apporte une source de plaisir, de bien-être et de détente quotidienne très facile à solliciter. Elle augmente la confiance en soi et réduit ainsi les phobies.         Si vous avez envie de vous mettre au chant mais que vous avez peur de vous retrouver au sein d'une chorale ou que vous connaissez des périodes d'agoraphobie, une solution idéale existe : le cours particulier de chant. Les effets d'une pratique vocale régulière sur la déprime   La déprime et sa grande sœur la dépression sont pernicieuses. Elles s'installent souvent sans crier gare, apportent leur lot de fatigue, de désintérêt pour les activités habituelles, et semblent colorer le monde entier dans un nuancier de gris. Les patients atteints d'épisodes de déprime ou de dépression plus sévère mettent souvent du temps à se faire soigner. En cause, cette lassitude qui leur fait paraitre toute tentative inutile. Le chant est alors une technique douce et accessible qui présente des bienfaits rapides pour un minimum d'investissement.     Dans les troubles dépressifs, il est difficile d'exprimer ce qui ne va pas. Le chant permet justement de faire ressortir des émotions enfouies que l'on ne peut pas exprimer autrement, et ce sans que cela ne soit aussi douloureux que d'en parler. Le répertoire musical est si large qu'il est aisé de trouver des morceaux adaptés à chaque période : deuil, séparation amoureuse, maladie, mélancolie, chagrin, et bien d'autres sujets sont abordés aussi bien en chant lyrique qu'en variété. Les personnes renfermées sur elles-mêmes depuis longtemps manquent souvent de confiance. Elles se persuadent qu'elles n'ont aucun attrait. La pratique vocale, qu'elle soit amateure ou professionnelle, offre un regard nouveau sur soi et ses propres capacités. En évoluant sous la coupe d'un professeur expérimenté, chaque élève se découvre un champ des possibles dont il ignorait l'existence.    

  • 0 Comment bien se préparer pour un récital de piano ? ...

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    Après quelques années de pratique sérieuse et régulière, vous voici enfin en capacité de pouvoir proposer un vrai récital de piano. Que vous organisiez vous-même un petit concert intimiste avec vos proches ou que vous participiez à un récital d'envergure nationale auprès d'autres pianistes, voici quelques clés qui vous aideront à bien vous préparer avant l'échéance.     Le choix des bons morceaux de piano : cohérence et accessibilité À moins que l'organisateur du récital ne vous impose certains morceaux, vous disposez généralement d'une certaine liberté dans le choix des pièces que vous allez interpréter. Le récital de piano peut s'inscrire dans un cadre particulier, comme un hommage à Chopin, un festival de musique baroque ou une découverte des morceaux contemporains. Échangez avec les autres participants et n'hésitez pas à revendiquer l'interprétation d'une partition en particulier que vous appréciez et maitrisez. En ce qui concerne le choix des autres morceaux, il est important d'offrir une certaine cohérence, que ce soit dans la période, le style ou la nationalité des compositeurs.     Les morceaux que vous choisissez d'interpréter en tant que pianiste soliste devraient : être adaptés à votre niveau, ni trop faciles ni trop ardus; être parfaitement maitrisés, si possible par cœur pour une meilleure interprétation; rassembler des pièces réputées et d'autres plus intimistes; vous inspirer des émotions particulières, des sentiments forts; correspondre à la longueur prévue pour chaque participant au récital; alterner des morceaux rapides et d'autres plus lents pour votre confort; raconter une histoire, éveiller des sensations chez les auditeurs. Le choix de la tenue pour un récital de piano : confortable et seyante   Vous aurez certainement envie de paraitre sous votre meilleur jour lors de votre récital de piano. Cependant, le choix de la bonne tenue doit prendre en compte le fait que vous allez transpirer, bouger, glisser et avoir quelques frissons tout au long de votre interprétation. Les femmes pianistes optent souvent pour une robe proche du corps, sans manche, qui laisse un maximum d'aisance dans les mouvements du haut du corps. Cette robe peut être longue ou courte selon la température de la pièce, puisque de toutes façons, en position assise, vous ne risquez pas de trébucher dessus. Côté bijoux, tenez-vous en au minimum et bannissez les bracelets clinquants ou les longs colliers. Le tissu de la tenue doit absorber la transpiration au mieux pour vous éviter l'inconfort. Il doit également être silencieux, sans ornements en métal ou boucles de ruban susceptibles de vous gêner. Chez les hommes, c'est le trois-pièces qui est de rigueur. N'hésitez pas à tomber la veste si la température l'exige. Tandis que les femmes misent beaucoup sur la couleur, les hommes sont généralement empreints de sobriété avec une chemise blanche, bleue ou grise. L'essentiel reste de vous sentir à votre aise, dans une tenue bien taillée et confortable. Pour vous mettre en conditions, portez votre tenue prévue pour le jour J lors de votre cours particulier de piano hebdomadaire ou en répétition. Vous aurez ainsi la certitude d'avoir fait le bon choix. Le petit plus : sujet au stress, à la moiteur des mains ou aux allergies, prévoyez un mouchoir en tissu glissé dans une poche discrète en cas de nécessité pour essuyer le clavier, sécher vos mains ou vous moucher. Le choix de la salle de récital et de l'instrument Évidemment, le choix de la salle n'est possible que si vous organisez vous-même votre propre concert. Si, d'après le pianiste de renommée internationale Lang Lang, c'est la salle dorée du Musikverein de Vienne qui est la plus adaptée pour un récital de piano, vous n'aurez sans doute pas les mêmes prétentions. Dans l'idéal, visitez la salle dans laquelle vous interviendrez à l'avance, afin de prévoir les éventuelles dispositions : matériel à rapporter, nombre de places assises disponibles, présence d'un vestiaire, etc.     Le piano sur lequel vous allez jouer est sans doute le point qui vous inspire le plus de trac. Là encore, une bonne préparation est garante d'un meilleur résultat. Essayez d'obtenir le droit de répéter plusieurs fois sur le clavier. Souvent, dans les salles de concert, ce sont des piano demi-queue ou de pianos à queue de grande envergure qui sont proposés. Si vous n'avez pas l'habitude de jouer sur ce type d'instrument, quelques heures d'essai seront plus que bienvenues. Préparation mentale et physique à un récital de piano De la même façon que vous entrainez vos doigts aux morceaux prévus, entrainez aussi votre mental au stress et à la surcharge émotionnelle liée à l'interprétation devant un public. Soignez vos doigts, particulièrement les jours avant le concert, en pratiquant de façon modérée vos exercices de piano et en rejouant inlassablement vos pièces.     Conservez aussi quelques outils de gestion mentale que vous aurez appris à maitriser : respiration, rituels, étirements, visualisation positive, encouragement devant le miroir, dialogue avec un proche, tout ce qui améliore votre état d'esprit est bon à prendre. Une fois devant le piano, oubliez le stress, à vous le plaisir et l'émotion !  

  • 0 7 morceaux de piano qui vont vous faire voyager ...

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    Du désert étouffant du Texas aux confins des contrées indiennes en passant par la Corse et la Chine, partez pour un voyage sensoriel inédit avec ces 7 morceaux de piano venus d'ailleurs. Chantant, dansant, mélancolique ou enjoué, chacun de ces titres contribuera à vous faire voyager sans bouger de votre salon. "Sunflowers" pour s'immerger dans les paysages chinois Techniquement difficile, rapide et extrêmement mélodieux, le morceau "Sunflowers" s'appuie sur des sonorités asiatiques qui retranscrivent à merveille le vol d'un papillon dans un champ de tournesol, les rayons du soleil glissant sur une rizière et le passage des nuages au-dessus des collines chinoises. Cette pièce fait partie des rares morceaux composés sur le territoire asiatique et connus internationalement. Il invite à la rêverie, à la contemplation, et trouverait certainement sa place comme bande son d'un animé. Le voici interprété par Yundi Li :   Les "Danzas Argentinas" pour danser dans les rues de Buenos Aires   Alberto Ginastera fut un compositeur prolifique qui laissa derrière lui plusieurs grandes œuvres de musique classique. Originaire d'Argentine, il retranscrit dans ses mélodies la chaleur, la douceur de vivre, mais aussi la pauvreté et les déboires que connaissent les habitants de Buenos Aires. Exilé en Suisse car censuré par le régime dictatorial, il n'en reste pas moins l'un des compositeurs latinos les plus célèbres du 20ème siècle. Les lampions colorés de Palermo au-dessus des bars, la bohème typique de la place Francia, les rues encombrées de cinémas de l'Avenida Corrientes, le tango virevoltant, de San Telmo : Ginastera vous offre un voyage pictural direct vers l'Amérique latine dans ses "Danzas Argentinas".   Le folklore autrichien dans le "Piano Quartet in A minor" L'Europe centrale abrite deux courants musicaux en apparence contradictoires. La grande musique classique, jouée dans les salons de Vienne, est couronnée de riches étoffes, d'harmonies claires et d'un rythme parfaitement cadré. La musique traditionnelle, populaire et presque instinctive, se joue des codes. Elle comporte autant de grincements et de notes jouées à la limite de la justesse que d'envolées audacieuses. Gustav Mahler, compositeur du 19ème siècle, est le précurseur qui a su marier ces deux extrêmes en choisissant des formes très classiques, comme celle de ce "Quartet en A mineur", et en y distillant moults éclats de musique folklorique. En résulte une musique qui semble nous promener à travers les grandioses montagnes, nous ramener auprès des feux de camp tziganes, nous balader entre la nature impétueuse et la société humaine organisée, toujours à cheval entre deux héritages qui font de l'Autriche sa richesse. L'idéal pour perfectionner votre apprentissage du piano en vous ouvrant à d'autres cultures.   Tout l'esprit sauvage de la Corse dans "Corsica" Considérée comme l'une des plus belles chansons composées sur l'île dite de beauté, "Corsica" est une véritable ode à la nature, à la mer et à la montagne, à la flore luxuriante et à la faune unique. C'est le chanteur corse Petru Guelfucci qui est à l'origine de ce morceau. L'accompagnement mêle piano et cordes dans une envolée qui sert merveilleusement les intonations uniques du chant corse, chaleureux et généreux. La partie piano est assez facile à interpréter, et vous fournira de quoi égayer votre cours particulier de piano. Elle vous permettra de travailler vos arpèges tout en vous évadant dans un paysage fabuleux, entre terre et mer, entre végétation et rochers abrupts.   Les "72 études Karnatiques pour le piano" pour plonger dans les mystères indiens   De son séjour de 18 mois en Inde, Jacques Charpentier rapportera bien plus que des souvenirs. Cette expérience aura une influence majeure sur ses compositions. Après avoir étudié la musique traditionnelle hindoue, il passe 27 années à composer les "72 études Karnatiques pour le piano", un monumental ensemble de morceaux pour piano qui explorent toutes les capacités percussives et sonores de l'instrument. Énigmatique, spirituelle, enchanteresse, la musique de Charpentier réunit les musiques orientales et occidentales dans un savoureux mélange qui vous fera planer le long des rives du Gange et goûter aux mystères des divinités hindoues.   "Pavane pour piano" pour profiter d'une promenade en Italie   Une gondole déambulant sur les canaux de Venise, un plat de spaghettis partagé sur la Piazza Navona, une promenade estivale dans les Dolomites, une savoureuse journée de détente sur une plage de Calabre, l'Italie regorge de moments et d'endroits à déguster. Dans ce court morceau accessible aux pianistes intermédiaires, vous retrouverez des sonorités propres à la musique italienne, riche en ornements et en alternance de liés/piqués. En tant qu'amateur de Debussy, le compositeur Alfredo Casella favorise l'expression des images par la musique. La mélodie et l'accompagnement se mettent ainsi au service du paysage que le musicien souhaite décrire, et au-delà de la technique, le piano relate des impressions visuelles ou tactiles qui peignent un vrai tableau.   Le charme désuet de l'Amérique western dans "The Black And White Rag"   Si vous aimez les westerns, l'Amérique des années 50, les déserts californiens et les chasses au bétail, vous retrouverez cette ambiance particulière en écoutant du piano bastringue, dont la sonorité est modifiée pour sonner délibérément différemment, à la limite de la justesse technique. Ici, c'est la talentueuse Winifred Atwell qui s'y colle pour reprendre "The Black and White Rag" de Georges Botsford :    

  • 0 Lecture des notes à la guitare ...

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      Cette méthode en ligne s'adresse à celles et ceux qui souhaitent apprendre à lire les notes sur la portée, en clé de Sol, et à les retrouver instantanément sur le manche de la guitare. Au fil des pages et de façon très progressive, vous apprendrez tout d’abord à repérer les notes se trouvant sur les lignes de la portée, les interlignes et autres lignes supplémentaires. En y ajoutant les altérations, vous couvrirez la première position dans son ensemble. Vous pourrez alors passer à la deuxième position, puis la troisième, et ainsi maîtriser les 12 premières cases de la guitare. Un travail spécifique de la lecture avec les altérations à la clé vous mettra ensuite en situation réelle de lecture d’une partition. Enfin, un travail corde par corde vous donnera la possibilité d’aller un peu plus loin encore sur le manche de la guitare, ce qui vous sera notamment utile dans le cadre du jeu en solo. Tous les exercices, sans aucune exception, sont enregistrés. Soit près de 250 enregistrements au total qui vous permettront de vérifier votre travail et apporteront un côté résolument ludique à ce dernier.   Au sommaire Introduction Section 1 : Les 5 lignes de la portée Section 2 : Les 4 interlignes de la portée Section 3 : Les lignes supplémentaires Section 4 : Les altérations 1 • Le dièse 2 • Le bémol 3 • Le bécarre 4 • Avec les 3 altérations Section 5 : La deuxième position Section 6 : La troisième position Section 7 : Selon la tonalité 1 • Les dièses à la clé 2 • Les bémols à la clé Section 8 : Corde par corde 1 • La corde de Mi grave 2 • La corde de La 3 • La corde de Ré 4 • La corde de Sol 5 • La corde de Si 6 • La corde de Mi aigu  

  • 0 Lecture des notes à la guitare électrique ...

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      Cette méthode en ligne s'adresse à celles et ceux qui souhaitent apprendre à lire les notes sur la portée, en clé de Sol, et à les retrouver instantanément sur le manche de la guitare. Au fil des pages et de façon très progressive, vous apprendrez tout d’abord à repérer les notes se trouvant sur les lignes de la portée, les interlignes et autres lignes supplémentaires. En y ajoutant les altérations, vous couvrirez la première position dans son ensemble. Vous pourrez alors passer à la deuxième position, puis la troisième, et ainsi maîtriser les 12 premières cases de la guitare. Un travail spécifique de la lecture avec les altérations à la clé vous mettra ensuite en situation réelle de lecture d’une partition. Enfin, un travail corde par corde vous donnera la possibilité d’aller un peu plus loin encore sur le manche de la guitare, ce qui vous sera notamment utile dans le cadre du jeu en solo. Tous les exercices, sans aucune exception, sont enregistrés. Soit près de 250 enregistrements au total qui vous permettront de vérifier votre travail et apporteront un côté résolument ludique à ce dernier.   Au sommaire Introduction Section 1 : Les 5 lignes de la portée Section 2 : Les 4 interlignes de la portée Section 3 : Les lignes supplémentaires Section 4 : Les altérations 1 • Le dièse 2 • Le bémol 3 • Le bécarre 4 • Avec les 3 altérations Section 5 : La deuxième position Section 6 : La troisième position Section 7 : Selon la tonalité 1 • Les dièses à la clé 2 • Les bémols à la clé Section 8 : Corde par corde 1 • La corde de Mi grave 2 • La corde de La 3 • La corde de Ré 4 • La corde de Sol 5 • La corde de Si 6 • La corde de Mi aigu  

  • 0 Travailler sa voix mixte en chant ...

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    Est-ce un mythe ou une réalité ? La voix mixte, bien qu'elle ne soit scientifiquement pas tout à fait comprise, existe bel et bien. Elle assure la continuité du son entre les deux registres de la voix. La trouver et la travailler font partie des objectifs de tous les chanteurs, qu'ils soient professionnels ou amateurs, car elle permet d'améliorer l'interprétation tout en respectant les cordes vocales. Vous voulez vous aussi apprendre à développer votre voix mixte ? Suivez le guide. Rappel sur les différents types de voix en chant   En chant lyrique ou de variété, deux principaux registres de voix coexistent et sont utilisés par les chanteurs. La voix de poitrine, aussi appelée voix parlée, est la plus accessible et la plus naturelle. Elle correspond au placement des cordes vocales habituel lorsque l'on parle. Elle produit un son assez sombre et plein, qui s'émet aisément. Généralement, vous utilisez votre voix de poitrine dans la partie de votre tessiture où vous êtes le plus à l'aise, dans les médiums ou les graves. Les chanteuses lyriques sopranos se trouvent rarement en voix de poitrine, puisque leur tessiture se concentre dans les aigus. La voix de tête ou voix de fausset permet d'atteindre les notes haut perchées avec une pression minimale sur les cordes vocales. Elle est généralement beaucoup plus faible et plus difficile à maitriser que la voix de poitrine. Cette instabilité du son met parfois le chanteur en défaut et demande un travail de précision.     Entre la voix de poitrine et la voix de tête, il existe une zone de rupture, le passaggio, dans laquelle la voix est très peu assurée. La voix de poitrine n'y est plus suffisante, mais la voix de tête pas encore vraiment accessible. C'est dans cette tessiture que votre professeur de cours particuliers de chant va vous apprendre à utiliser la voix mixte. En la maitrisant, vous pourrez effectuer de meilleures transitions entre les deux registres sans perdre significativement en puissance et en qualité de son.     Comment reconnaitre une voix mixte ?   Si elle n'est pas définie comme un registre à part entière, puisqu'elle se pratique aussi bien en registre de tête que de poitrine, la voix mixte utilise des techniques sensiblement différentes que les deux autres voix. Elle s'appuie sur la résonnance du pharynx et du palais au lieu de mettre en avant le coffre thoracique. Les chanteurs lyriques en font un usage assez probant, puisqu'ils peuvent passer des notes graves aux notes les plus aigues sans modification substantielle de leur timbre. Finalement, la voix mixte porte bien son nom : elle mélange les caractéristiques de la voix de poitrine (puissance, aisance) et celles de la voix de tête (accès aux notes aigues). Physiquement, elle se place aussi entre la tête et le thorax.     Pour savoir si vous chantez en voix mixte, essayez de localiser l'origine de la résonnance de votre son. En voix de poitrine, les vibrations se produisent principalement au-niveau du thorax. Vous le constaterez en posant une main sur votre poitrine et en chantant vos notes les plus basses. En voix de tête, vous devriez ressentir les résonnances tout autour de votre front. La voix mixte se place alors entre les deux, au-niveau des résonnateurs du visage, typiquement entre le bouche et le nez. Attention, la voix mixte ne doit pas sonner de façon nasillarde ! Elle unit les résonnateurs du nez avec le timbre original de la voix. C'est à force d'exercices que vous allez comprendre comment elle se produit, et prendre l'habitude de l'utiliser dans votre registre médium.    

  • 0 Transposer rapidement des accords au piano ...

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    La transposition d'accords au piano est bien plus facile qu'il n'y parait. Nul besoin d'avoir des connaissances étendues en solfège ou de maitriser toutes les gammes sur le bout des doigts. Avec quelques notions basiques de la théorie pianistique, vous pourrez rapidement ajuster la tonalité de vos morceaux sans avoir besoin de vous plonger dans un traité de 500 pages. Que vous jouiez en groupe, que vous accompagniez des chanteurs ou que vous pianotiez pour votre simple plaisir, apprenez facilement à transposer les accords de tous vos morceaux favoris.     C'est quoi la transposition d'accords ? Lorsque vous jouez un morceau constitué d'accords, pour accompagner un chanteur par exemple, vous vous appuyez sur ce qui s'appelle une grille d'accords. Celle-ci comprend les différents accords qui composent le morceau, dans l'ordre dans lequel ils apparaissent. Entre le refrain, le couplet, l'introduction et les ponts, vous constaterez que le nombre d'accords différents joués au piano reste assez limité : il peut y en avoir 3, 4, 5 voire 6 ou 7 avec des variantes. Ils donnent la couleur du morceau et enrichissent la mélodie. Transposer les accords revient à augmenter ou diminuer la tonalité globale du morceau, donc celle de chaque accord présent. C'est un exercice particulièrement utile dans certains cas : le morceau est trop aigu ou trop grave pour le chanteur; d'autres instruments intervenant dans la musique sont limités par la tonalité originale; la tonalité souhaitée correspond mieux à l'ambiance recherchée dans la reprise; les accords sont trop difficiles à jouer dans la version originale. Prenons comme exemple la chanson "Autre Monde" de Téléphone, dont les accords du couplets sont Ré, Sim et F#m. Transposée en Do, elle se joue avec les accords de Do, Lam et Mim, qui sont bien sûr plus faciles à jouer puisqu'ils ne contiennent ni dièses ni bémols. Cela permet aussi de baisser la hauteur de la chanson d'un ton, afin de l'adapter à une voix plus grave.     Comment passer d'une tonalité à une autre ? Voici les étapes à suivre pour changer la tonalité d'un morceau ou d'une suite d'accords sans se tromper. D'abord, vous devez connaitre le nombre de demi-tons qui séparent chaque note. Sur le piano, c'est assez simple à observer. Chaque touche, qu'elle soit blanche ou noire, est séparée de sa suivante par un demi-ton. Il y a donc un demi-ton entre le Do et le Do#, entre le Mi et le Fa ou entre le Sol et le Sol#. En revanche, il y a un ton entier -soit deux demi-tons- entre le Do et le Ré, le Fa et le Sol ou le La et le Si. Prenez la tonalité de base, et comptez le nombre de demi-tons nécessaires à ajouter ou enlever pour atteindre la tonalité souhaitée. Si vous passez d'un morceau en Sol à un morceau en Do, il faut rajouter 2 tons et demi. Si vous passez d'un morceau en Fa à un morceau en La, vous en rajouterez 2, et ainsi de suite. Pour chaque accord du morceau, ôtez ou ajoutez le nombre de tons et demi-tons correspondant. Vous obtenez ainsi votre nouvelle grille d'accords très rapidement !     Si l'exercice vous semble fastidieux, demandez conseil à votre professeur de cours particulier de piano. Il saura vous enseigner plus clairement le lien entre les tons et les touches du piano.     Que faire avec les accords mineurs, septièmes, diminués, etc ? Bonne nouvelle, toutes les indications qui accompagnent les accords sont à retranscrire telles quelles. Un Do7 devient un Sol7, un Lam devient un Fam, un Sibadd9 devient un Labadd9. La difficulté réside ensuite dans le fait de trouver à quelles notes correspondent les nouveaux accords au piano. La technique des degrés pour transposer au piano Réservée aux pianistes qui ont de bonnes notions de solfège, la technique de transposition qui utilise les degrés demande de bien connaitre tous les accords et les gammes. Elle permet cependant une transposition rapide et efficace vers toutes les tonalités existantes. Le morceau que vous voulez transposer est écrit dans une tonalité originale qui correspond au premier degré. Pour un exemple facile, imaginez que ce degré soit le Do. Les accords utilisés dans le morceau se basent sur les degrés suivants de la gamme de Do. Vous pouvez donc retrouver un Sol, un Fa, un Mi ou un La. Dans cet exemple, la suite d'accord sera la suivante : Do, Sol, Fa, Sol. Ces notes représentent les degrés suivants de la gamme de Do : 1, 5, 4, 5. Grâce à ce schéma, vous pouvez alors déterminer une tonalité de base, quelle qu'elle soit, et trouver les accords correspondants avec les degrés. Si vous choisissez la gamme de Fa, vous obtiendrez alors : Fa (premier degré); Do (cinquième degré); Sib (quatrième degré); Do (cinquième degré). C'est un moyen idéal de jongler avec les tonalités au piano sans avoir besoin de retranscrire par écrit les accords : il vous suffit de connaitre la suite de degrés pour pouvoir la jouer dans toutes les tonalités.

  • 0 Les 6 plus beaux morceaux de classique à la guitare ...

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    Tels la "Lettre à Élise" ou la "Marche Turque" des pianistes, de nombreux morceaux de guitare classique font partie de ces titres incontournables que tout néophyte a à cœur de savoir jouer. Mais le répertoire de la musique classique est bien plus vaste qu'il n'y parait. Passées les premières mélodies connues et utilisées à profusion dans les publicités ou les films, il reste des centaines de pépites musicales à découvrir. Pour le plus grand plaisir des guitaristes débutants ou confirmés, voici 6 des plus beaux morceaux de guitare classique, connus du grand public ou réservés aux initiés. "Romance Anonyme" pour le film Jeux Interdits Archi-connu mais toujours aussi beau, ce morceau de guitare tout en arpèges apparait dans le film Jeux Interdits. C'est d'ailleurs la référence sous laquelle la "Romance Anonyme" est bien souvent retrouvée. Son auteur reste incertain : le guitariste Narciso Yepes aurait adapté la partition en partant d'une version originale de Fernando Sor. Ce morceau est relativement accessible, surtout dans sa première partie, aux guitaristes de tous niveaux. Il permet de travailler la dextérité de la main droite et quelques mouvements de la main gauche sur le manche. Mais surtout, il sonne admirablement bien. Son apparente simplicité en fait l'un des challenges favoris des apprentis guitaristes décidés à dépasser leur douleurs aux doigts.     "Asturias" de Isaac Albéniz Là encore, il s'agit d'un morceau à la réputation largement établie dans le domaine de la guitare classique. Faisant partie d'une suite de plusieurs morceaux, "Asturias" fut d'abord composé pour le piano. C'est sa retranscription pour la guitare qui lui a valu une telle renommée. La difficulté de cette partition sur clavier est légèrement adoucie à la guitare, de par notamment la proximité des cases et la possibilité de jouer la même note sur deux cordes différentes. Néanmoins, cela reste une composition qui nécessite un niveau avancé afin d'être parfaitement restituée dans toute sa longueur.     "Concerto d'Aranjuez" de Joaquín Rodrigo Composé en 1939 mais largement inspiré de musiques plus anciennes du 18ème siècle, ce très joli concerto se décline en trois mouvements : Allegro con spirito, Adagio, Allegro gentile. Il fait intervenir une guitare en dialogue avec un orchestre et différents instruments solistes comme le basson ou le hautbois. Ce morceau n'est typiquement pas le genre de partition travaillée lors d'un cours particulier de guitare car il est particulièrement long et nécessite un accompagnement afin de combler les silences. Toutefois, n'hésitez pas à demander à votre professeur de guitare de vous en faire travailler quelques passages pour le simple plaisir d'entendre ses intonations baroques. Le mouvement le plus connu du "Concerto d'Aranjuez" est l'Adagio. La femme de Rodrigo avoue dans son autobiographie que le compositeur s'est inspiré des émotions vécues pendant leur lune de miel. Rodrigo, lui, évoque des images de magnolias, d'oiseaux et de fontaines ruisselantes. Et vous, quelles images vous viennent à l'esprit en l'écoutant ?   Miles Davis, trompettiste talentueux de jazz, affirme en son temps son affection pour ce concerto qu'il reprend avec grand plaisir en mettant en avant la douceur du deuxième mouvement.     "Bardenklänge Opus 13" de Johann Kaspar Mertz Vivement inspiré par les prouesses virtuoses de Liszt au piano, Mertz retranscrit son amour de la difficulté technique dans ses "Bardenklänge", des pièces séparées en 15 parties qui ont connu un certain succès. La mélodie et l'accompagnement y semblent si subtilement liés qu'à l'écoute, il peut sembler qu'au moins deux guitares se répartissent la partition. Au cours des morceaux, l'auditeur est invité à voyager à travers des rythmes et tonalités variés qui permettent une véritable épopée musicale.   "Greensleeves" issu du folklore anglais Vous cherchez un morceau classique facile à jouer et à mémoriser, qui vous fasse travailler vos techniques de jeu de guitare ? L'intemporel "Greensleeves" est parfaitement taillé pour une interprétation avec un instrument à cordes. Le tempo lent et libre laisse beaucoup de place à la créativité. Cette douce ballade aurait été composée en l'honneur d'Anne Boleyn par son amant, qui n'était autre que le roi Henri VIII. Elle reprend des accords typiques de la Renaissance italienne. Si vous aimez chanter, vous aurez tout loisir de vous accompagner sur les 18 couplets qui jalonnent cette chanson d'amour.     "Primavera Porteña" de Astor Piazzolla Pour finir, voici un titre toujours joué à la guitare classique, mais tendant beaucoup plus vers le tango que les morceaux précédents. "Primavera Porteña" est la troisième des quatre saisons imaginées par Piazzolla. Ces différentes pièces, conçues pour être jouées par un quintette, s'inspirent de la vie des habitants pauvres de la ville de Buenos Aires. De par la prédominance de la guitare dans la composition, il est tout à fait possible de jouer "Primavera Porteña" sans accompagnement. C'est un superbe défi technique qui fait aussi la part belle à l'interprétation.    

  • 0 Jouer du Bach au piano : les techniques particulières ...

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    Maître dans l'art des harmoniques et de la mélodie, Jean-Sébastien Bach a écrit une grande quantité de morceaux qui sont aujourd'hui interprétés au piano, aussi bien par les débutants que par les virtuoses de l'instrument. Pourtant, toutes ces pièces ont été originalement composées pour un clavecin ou un orgue, celui-ci restant le grand amour de Bach. Pour pouvoir les interpréter fidèlement sur un piano moderne, il convient de connaitre les instruments et leurs particularités, ainsi que les techniques utilisées par les pianistes pour jouer du baroque aujourd'hui.     Quelles différences y a-t-il entre le jeu au clavecin ou à l'orgue et le piano ? L'orgue, de par son imposante mécanique et sa sonorité très particulière, est sans doute celui de ces trois instruments qui se distingue le plus. Parmi ses différences avec le piano figurent : le toucher, beaucoup plus sensible sur un piano selon la frappe des doigts; la présence d'un clavier de basses utilisé avec les pieds sur l'orgue; le nombre de claviers de l'orgue (2 à 4) qui implique une posture différente; les nuances, quasiment imperceptibles sur un orgue mais primordiales au piano; la taille et la puissance de l'orgue qui surpassent celles de tous les instruments.     Par rapport au clavecin, le piano fait preuve de caractéristiques qui expliquent la difficulté de passer de l'un à l'autre. Alors que le clavecin n'a ni pédale pour jouer les nuances, ni toucher sensible pour faire varier l'intensité des notes, le piano se basse essentiellement sur ces composantes dans l'interprétation des morceaux. L'orgue, le clavecin et le piano n'appartiennent pas non plus à la même famille d'instruments. Alors que l'orgue est à la fois un clavier et un vent, le piano est un instrument à cordes frappées tandis que le clavecin est un clavier à cordes pincées.     Les deux façons d'interpréter Bach au piano Chez les pianistes, on retrouve généralement deux façons d'interpréter les morceaux de Bach initialement composés pour de l'orgue ou du clavecin. La première met l'accent sur le morceau en lui-même, sur la richesse polyphonique et la clarté des mélodies. Cette façon de jouer nécessite de faire abstraction des techniques romantiques telles que le rubato et de se cantonner assez strictement à la partition. En résulte une interprétation assez fidèle à ce que peut avoir eu en tête le compositeur à son époque. Ici, par exemple, Glenn Gould offre typiquement le jeu légèrement saccadé et pincé qui peut ressortir du clavecin. Fidèle au métronome, il fait honneur à la partition et à la polyphonie :   La deuxième façon de jouer des morceaux de Bach consiste à tirer parti des évolutions du clavier pour enrichir les sonorités des pièces pour orgue ou clavecin. Les techniques de jeu virtuose y sont encouragées, la pédale est largement mise à contribution pour créer des nuances et lier les notes au lieu de les détacher. Un exemple du même morceau que ci-dessus, joué cette fois par Edwin Fischer de façon plus romantique :     Quelle que soit votre façon favorite de jouer et d'écouter Bach au piano, il est important de garder à l'esprit l'âme du morceau en respectant un tempo implacable pour que les différentes voix se placent parfaitement. N'hésitez pas à solliciter un cours particulier de piano pour approfondir votre connaissance de Bach et vous ouvrir à d'autres compositeurs célèbres.     Ces morceaux de Bach incontournables pour les pianistes Jouer du Bach est un excellent exercice pour travailler sa justesse, sa précision, sa rapidité de lecture et d'exécution. Celui qui dédia sa vie à ses 20 enfants et à sa passion absolue pour la musique a laissé derrière lui un répertoire prolifique -plus de 400 morceaux pour cordes et claviers ! Il existe des pièces pour tous les niveaux, et un certain nombre d'entre elles sont assez courtes. Pour perfectionner votre apprentissage du piano étape par étape, intéressez-vous au "Clavier bien tempéré", et notamment au "Prélude et Fugue n° 1 en do majeur". Très connu, utilisé dans la publicité ou dans les films, ce morceau savoureux vous fera travailler vos arpèges et vos gammes tout en douceur, avec régularité. Il offre quelques déplacements sur le clavier mais reste tout de même assez localisé sur les deux octaves du milieu. Le "Concerto n° 1 en ré mineur", adapté en différentes versions par Bach, comporte trois mouvements. Comme tous les concertos, il est prévu pour être joué avec un orchestre mais vous aurez grand plaisir à travailler la partie soliste. Et pourquoi ne pas ensuite utiliser un accompagnement préenregistré pour profiter de la splendeur de cette pièce ?   Accessible aux débutants, le "Menuet en sol majeur" fut écrit par Bach pour sa seconde femme, Anna Magdalena. Il plaira aussi aux pianistes confirmés qui apprécieront son rythme en trois temps dansant, idéal pour s'imprégner de l'atmosphère de la musique baroque :      

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